Guernica (imagen)

Guernica
Pablo Picasso , 1937
Óleo sobre lienzo
349 cm × 777 cm
Museo Reina Sofía
Enlace a la imagen (tenga en cuenta los derechos de autor )

Plantilla: Cuadro de información pintura / mantenimiento / museo

Junto con Les Demoiselles d'Avignon, Guernica es una de las pinturas más famosas de Pablo Picasso . Fue creado en 1937 como reacción a la destrucción de la ciudad española de Guernica ( Gernika vasca ) por el ataque aéreo de la Legión Cóndor alemana y el Corpo Troop Volontarie italiano , que luchó del lado de Francisco Franco durante la Guerra Civil Española. . El 12 de julio de 1937, la imagen se presentó por primera vez en París en la Exposición Universal . Hoy se encuentra en el Museo Reina Sofía junto con una extensa colección de bocetosen Madrid .

Historia de la imagen

La destrucción de Gernika

Gernika , la ciudad santa de los vascos, se encuentra al este de Bilbao en el norte de España. Se hizo conocida en todo el mundo cuando fue atacada el 26 de abril de 1937 por aviones de combate pertenecientes a la Legión Cóndor alemana y la Legionaria Aviazione italiana durante la Guerra Civil Española . Gernika formaba parte del llamado "cinturón de hierro" alrededor de Bilbao y fue bombardeada durante la ofensiva nacional española. Después de dos días más, las tropas nacionales españolas del general Aranda marcharon hacia Gernika. El historiador español Julio Gil de la Universidad de la Uned describe el ataque de la siguiente manera:

La motivación de Picasso

Picasso comentó sobre su postura artística de la siguiente manera:

Ya en 1936, el gobierno español encargó a Picasso que pintara un cuadro para el pabellón español en la Exposición Universal de 1937 en París. Tras el atentado a Gernika, rechazó su idea original de pintura, pintor y modelo .

Desde 1900 estuvo vinculado al artista y grupo literario de izquierda liberal, anticlerical y anárquica Els Quatre Gats en Barcelona . En París se hizo amigo del comunista Paul Éluard . Además, a través de su novia Dora Maar y de artistas del círculo surrealista de París , se mantuvo en contacto con otros intelectuales políticamente activos, como los escritores André Breton y Louis Aragon . El gobierno legítimo había lanzado importantes reformas. Estos incluyeron, por ejemplo, la reforma agraria, la expansión de la red educativa con escuelas públicas y una liberalización general de la vida pública y privada. Picasso fue un acérrimo partidario del Frente Popular y sus políticas.

Desde 1936 hasta el final de la guerra trabajó en 7 Rue des Grands-Augustins. El estudio en el que se creó Guernica también se convirtió en su apartamento a partir de 1939. Honoré de Balzac ya se alojaba en el antiguo Hôtel de Savoie y los lugares de encuentro de los surrealistas estaban en las inmediaciones.

Resto de la imagen después de 1937

Tras el final de la Exposición Universal de París, la pintura realizó un extenso viaje por el norte de Europa y Estados Unidos. Oslo, Estocolmo, Copenhague, Londres, Leeds, Liverpool y Nueva York fueron las estaciones donde la pintura iba a publicitar el bando republicano en la guerra civil. Picasso donó los ingresos de las entradas a una fundación para las víctimas de la guerra civil. Desde que Picasso legó el cuadro a una futura república española, Guernica se exhibió en el Museo de Arte Moderno de Nueva York de 1939 a 1981 . Durante muchos años Guernica colgó allí junto al tríptico Partida de 1932/1933 de Max Beckmann , una visión temprana del fascismo que se avecinaba. Tras la muerte de Franco y el restablecimiento de la democracia en España, la imagen fue llevada a España en 1981 a pesar de la reintroducción de la monarquía. Llegó por primera vez al Prado de Madrid y está en las salas del Museo Reina Sofía , también en Madrid , desde 1992 . Ya no se puede pedir prestado para evitar daños irreparables.

Composición de imágenes y dispositivos estilísticos.

Composición de la imagen

La composición de la imagen resultó ser extremadamente difícil. Las colosales dimensiones de 349 × 777 cm ya estaban determinadas por el espacio arquitectónico cuando se planificó el pabellón. En total, Picasso tuvo que trabajar en un área de más de 27 metros cuadrados. Otra dificultad fue la relación entre la horizontal y la vertical: el ancho es más del doble de la altura. Tal relación es particularmente adecuada para una serie de motivos verticales, mientras que Picasso quería crear una escena de destrucción con formas colapsadas y figuras recostadas.

Para solucionar las dificultades, Picasso recurrió a medios de representación que ya había probado en épocas anteriores. Las declaraciones sobre el proceso de creación de la obra, que es largo para los estándares de Picasso y está asociado con cambios compositivos considerables, así como la importancia de los motivos individuales, se pueden hacer principalmente debido a los 46 estudios individuales que se han conservado y la documentación fotográfica de Dora Maar, ocho en el período del 11 de mayo al 4 de junio muestra las condiciones que se han presentado. El proyecto preliminar descubierto por Werner Spies es importante para comprender el contenido autorreflexivo .

Medios de arte cristiano

No fue hasta el inicio del trabajo sobre el lienzo que surgieron motivos basados ​​en la iconografía de la Pasión Cristiana . Es de suponer que la exposición de arte catalán de los siglos X al XV en el Musée du Jeu de Paume , que él ayudó a preparar, despertó el interés de Picasso por el arte cristiano . También se puede suponer una influencia del Retablo de Isenheim de Grünewald , con el que se puede demostrar que se ocupó de Picasso durante este tiempo.

Las siguientes características del cuadro permiten una asignación a la pintura cristiana: Para romper la longitud del cuadro en forma de friso, Picasso dividió el cuadro en tres partes, como un tríptico (paneles de altar). Esto resultó en dos alas laterales y un campo central más grande con el motivo principal, que en los altares a menudo muestra al crucificado. En este punto Picasso trajo una escena piramidal de destrucción, que en algunas interpretaciones se asocia a un frontón antiguo, desde su propia iconografía, símbolo del sufrimiento absoluto: el caballo moribundo (yegua). Encima del caballo, la lámpara de techo funciona como el Ojo de Dios o el Ojo de la Providencia .

La herida en forma de lanceta del caballo perfora el cuerpo del animal, que se ha dividido en fragmentos. Usar el caballo de la Corrida como metáfora de la pasión resultó en una supuesta sacrilización (santificación) de lo profano. Originalmente, Picasso tenía la intención de que el guerrero moribundo reemplazara al crucificado. Solo quedaron fragmentos de la figura real, que están alineados horizontalmente uno al lado del otro en la parte inferior de la imagen, similar a una reliquia . En algunas interpretaciones, los brazos extremadamente estirados se interpretan como motivo de predela , forman la base del altar alado.

Fuera de la construcción piramidal con el motivo principal dominante, otros motivos que se hacen eco de las formas cristianas de representación están subordinados a la jerarquía en las alas laterales. En el ala izquierda, la madre llorando con el niño muerto recuerda el antiguo motivo cristiano de la Piedad , María llorando al hijo muerto. En el ala derecha, siete llamas simbolizan la conflagración que se extendió sobre Guernica en ese momento. En el cristianismo , el número siete representa el apocalipsis .

Medios del cubismo

Similar a los medios de la iconografía cristiana, en la historia del desarrollo del cuadro, los elementos del cubismo solo aparecieron en las últimas etapas del lienzo. Antes de eso, la composición tenía un carácter muy lineal. Con la aclaración de la composición, un plan cubista con valores claros y oscuros se hizo cada vez más popular. El contraste más fuerte de estos valores pasa exactamente por el centro de la imagen. Mientras que a la izquierda de este borde la escena con caballo, pietà y toro se mantiene en tonos gris oscuro, la mitad derecha con la escena del fuego y el portador de la luz en contraste literalmente brilla.

Además, el patrón en forma de collage del cuerpo facetado del motivo principal es una indicación de que Picasso hizo uso consciente de los medios del cubismo. A partir de informes de visitas al estudio, sabemos que había experimentado con collages varias veces durante la creación de la imagen, por ejemplo, mientras tanto, el cuerpo del caballo estaba cubierto de páginas de periódicos. Las figuras de toros y caballos en particular recuerdan fuertemente la fase cubista de Picasso, ya que parecen estar compuestas por diferentes vistas laterales.

Color o grisalla

En las escaleras del pabellón español había un cuadro monumental de otro pintor español famoso: Le Faucheur (El segador o campesino catalán) de Joan Miró , que ya no se ha conservado. En su concepto original, Picasso concibió una representación en color del Guernica en una escala similar a la de Miró. Los amigos lo desaconsejaron cuando visitaron el estudio.

Una de las razones para el uso de la grisalla , es decir, una técnica que solo usa tonos graduados de gris en lugar de colores, podría ser que Picasso quería hacer coincidir su pintura con la documentación fotográfica de las víctimas de la guerra civil con sus fotos en blanco y negro, que fue expuesta en el segundo piso del pabellón. Picasso admiraba la película El acorazado Potemkin del director ruso Sergei Eisenstein y, como él, quería mostrar la devastación, el miedo y la muerte en blanco y negro en su Guernica . Otra razón podría ser que quiso establecer un contrapunto al concepto de exposición mundial con su imagen lúgubre, porque contra todos los signos de los tiempos, el área de exposición se integró en fantásticas composiciones de luz y sugirió un mundo alegre, pacífico y colorido.

El contexto arquitectónico

Josep Lluís Sert , ex empleado de Le Corbusier , y Luis Lacasa habían planeado el Guernica de Picasso para el lugar más visible cuando planearon el pabellón español . Luego, Picasso desarrolló su concepto para la pintura en estrecha consulta con los arquitectos. El espacio y la imagen estaban estrechamente coordinados. A menudo, parte del efecto de la imagen se perdió en otras exposiciones porque no se prestó suficiente atención a este aspecto.

El visitante ingresó al pabellón por una entrada a la derecha del cuadro y lo pasó a una distancia de unos cuatro metros para ingresar al gran salón principal. Al contrario de la forma occidental habitual de leer una imagen de izquierda a derecha, Picasso colocó la dirección de lectura de la imagen de derecha a izquierda para que la ruta del visitante y la ruta de la figura pudieran correr sincrónicamente.

También incluyó características arquitectónicas del espacio de exposición, como el motivo de las baldosas y el foco del techo, en la pintura. Al usar estos medios, la imagen obtuvo el efecto de un espacio escénico y el espectador se integró en la acción.

En 1992, con motivo de los Juegos Olímpicos de Barcelona, ​​se creó una réplica del Pabellón de España en la Avenida del Cardenal Vidal i Barraquer. También se colocó Guernica en el mismo lugar que la exposición como copia.

Contenido de la imagen

Figuras de la iconografía del propio Picasso

El caballo

Como ya se mencionó, el caballo es un símbolo que se encuentra a menudo en Picasso para el sufrimiento absoluto. Aparece una y otra vez en sus representaciones de la corrida de toros (Corrida) así como en la Minotauromaquia . Lo que es inusual es que, en comparación con la pelea más común en la arena, los oponentes son el caballo y el toro y no el hombre y el toro. El caballo es siempre la víctima, el toro roza a la yegua con avaricia oral, acto sexual encriptado, en la Minotauromaquia también aparece una torera en la acción. Con Guernica, sin embargo, es cuestionable si un componente sexual está oculto, porque a diferencia de las representaciones habituales de corridas, el toro y la yegua no interactúan entre sí. Podrían tener su propio espectro de significados. En muchas interpretaciones, la yegua es vista como el símbolo de las mujeres de Guernica, que tuvieron que soportar la mayor parte del sufrimiento. Por otro lado, Becht-Jördens y Wehmeier hablan de una “simbiosis de sufrimiento” de la yegua y el toro, ambos como figuras representativas del artista y de los poderes con los que lucha.

La yegua es el motivo principal dominante. El punto central del cuadro que se le habría dado a Cristo en el tríptico tradicional , su cuerpo plástico, a modo de collage, facetado que se desprende de la superficie, todos estos medios hacen que el interés del espectador esté sobre todo en esta figura.

El toro

El toro es mucho más difícil de interpretar. Picasso había estudiado psicoanálisis freudiano años antes . Para él, el toro o el minotauro encarna mucho: la fuerza que rompe los límites de lo irracional, la rebeldía, la revolución, la instintividad o la brutalidad. A diferencia de la yegua, no puede evaluarse claramente como una figura positiva o negativa. Picasso también lo adoró por su naturaleza humana, vitalidad y masculinidad. El propio Picasso casi no dio interpretación. Cuando se le preguntó sobre la interpretación, se dice que solo explicó que el toro significa brutalidad, el caballo la gente.

En algunas interpretaciones, el toro es visto como un símbolo de Franco o del fascismo, ya que se mantiene rígido e ileso al margen de todo. Otros, en cambio, ven al toro como la encarnación de las fuerzas vitales de España , como en el ciclo de grabado del sueño y la mentira de Franco . El mal ya no se personaliza en Guernica. Otros llegan a la conclusión basándose en los dibujos preliminares: allí el toro tenía una cabeza humana con los rasgos faciales de Picasso, el toro con la cola ardiendo representa al enojado y emocionado Picasso.

El portador de la luz

En opinión de los organizadores de la documentación del Guernica de Berlín de 1975, el portador de la luz es una figura alegórica impregnada de tradición , que representa la ilustración , pero también la liberación política; un motivo similar se muestra en la Estatua de la Libertad de Nueva York . Los críticos de esta teoría critican el hecho de que esta interpretación no es aplicable a la obra anterior de Picasso. En el grabado Minotauromaquia de 1935, el portador de la luz es un ser virgen e inocente que ilumina la escena brutal de la destrucción física y mental. Tiene los rasgos faciales de Marie-Thérèse Walter , la joven amante de Picasso en ese momento. Por lo tanto, también se podría suponer que la figura no proviene de imágenes de una memoria cultural general, sino que está compuesta por contextos de significado muy personales del artista. Por otro lado, en la xilografía de Hans Baldung Grien The Bewitched Stallman aparece un portador de luz muy similar, así como otros elementos motivadores importantes . Allí, también, una figura femenina con una antorcha en la mano se asoma por una ventana hacia la habitación, de modo que se podría suponer que Picasso se inspiró en el grabado en madera. Otra teoría dice que el portador de la luz simboliza al público mundial, que quedó atónito por los acontecimientos en España. La conexión con la exposición mundial en la que se encuentra la imagen habla de esta interpretación. A diferencia de muchos de los otros motivos, esta figura se plasmó en el concepto pictórico desde el principio. La cabeza en forma de lágrima que pertenece a la mano extendida muestra una expresión facial lastimera y puede verse como una cita del cuadro surrealista Le Sommeil (Sueño) de Salvador Dalí del mismo año.

El guerrero

El guerrero sostiene la espada rota en su mano derecha, mientras que en su izquierda abierta se destaca con fuerza el trazado de las líneas del destino. Originalmente, el guerrero caído con un puño levantado con espigas de trigo debería ser la figura central de la imagen. Su actitud debería representar la resistencia inquebrantable de la España libre y proclamar la esperanza. En el transcurso del trabajo sobre el lienzo, la figura se desintegra en fragmentos corporales y pierde su papel originalmente previsto. La razón de esto podría ser los acontecimientos de mayo en Barcelona en mayo de 1937, cuando los estalinistas tomaron las armas contra la izquierda liberal y, por lo tanto, se produjo una guerra civil dentro de la guerra civil. Pero también pudo haber sido el imperativo de la Exposición Universal abstenerse de hacer declaraciones políticas que obligaran a Picasso a cambiar su concepto. Pero quizás también había llegado a la conclusión de que la expresividad del dolor y la agonía podía afectar emocionalmente al espectador más que la protesta.

Cifras "reales"

El grupo de motivos, que simboliza los hechos reales, se agrega al final de la imagen. La representación no anatómicamente correcta sirve para acentuar en exceso partes importantes del cuerpo. Además, los rostros sirven como portadores de expresión. Los modelos para los representantes del sufrimiento podrían haber sido cuadros que Picasso vio cuando tenía tres años durante el terremoto de Málaga en 1884. Fue entonces cuando sufrió un trauma severo de por vida que salía a la luz con cada golpe repentino.

Madre con hijo muerto (Piedad)

Esta figura recuerda la representación cristiana de María en duelo , la madre de Jesús . Representa la pérdida de familiares cercanos que sufrió toda la población de Guernica la noche del bombardeo, cuando las vidas de la mayoría de sus familias fueron aniquiladas.

Mujer huyendo

Una conflagración se está produciendo en el lado derecho de la imagen, simbolizada por siete llamas. La mujer que huye sale de las casas en llamas y entra en el cono de luz generado por el portador de la luz. De acuerdo con la figura, Picasso pone énfasis en su sistema musculoesquelético. La pierna derecha desproporcionadamente agrandada parece un peso para evitar que escape de la muerte. Esta figura podría representar el miedo a la muerte.

Mujer ardiente

La mujer que se quema en las casas se comporta al revés. Su cabeza parece muy agrandada, el resto del cuerpo está ópticamente degradado. Como ocurre con la mujer que huye, la fisonomía es la expresión central de la mujer en llamas. Esta cifra representa las víctimas y sus muertes provocadas por el ataque.

Lámpara de techo

La lámpara de techo está en la posición en la imagen donde originalmente un motivo de sol con un halo de rayos rodeaba el puño del brazo extendido del guerrero. Con el cambio en el papel del guerrero, el motivo del sol se convirtió en un accesorio interior, como la mesa de la izquierda de la imagen. Esto le dio a la imagen un carácter escénico más pronunciado. La luz del techo es el único objeto de nuestro tiempo (luz eléctrica). Reemplaza la luz de los retablos con su aspecto de salvación por una luz "real" (en lugar del ojo espiritual como el gran ojo de Dios). En algunas interpretaciones, por lo tanto, se ve como la representación de un mundo desolado sin salvación cristiana. Señala las bombas lanzadas por los aviones, lo que también está indicado por el juego de palabras en español "la bombilla / la bomba" (bombilla = bombilla). De manera análoga a la cortina en la pintura renacentista , la lámpara también puede entenderse como un símbolo del poder ilustrativo de las artes.

Rama de olivo

La rama de olivo brota del puño del guerrero. Es el único símbolo que queda de esperanza de que la guerra terminará pronto.

lanza

La lanza entra en el caballo por la parte superior derecha de la herida. Por lo tanto, podría representar las bombas que trajeron la muerte "desde arriba".

pájaro

El pájaro es una figura de la memoria cultural general. Podría representar la antigua leyenda griega del fénix o la paloma de la paz que proviene de la tradición bíblica. En forma de paloma moribunda, no podía representar la paz, sino la aniquilación, la muerte, la ruptura de la paz.

Nueva perspectiva sobre el papel del arte frente a la guerra y la violencia

Con la Revolución Francesa y sus cambios sociales, el campo de visión del arte también cambió. Hasta entonces, los artistas eran empleados de la nobleza o el clero, pero ahora muchos de ellos tenían que ganarse la vida a duras penas, a veces en malas condiciones. Esto también provocó un cambio en el tema de las representaciones bélicas. Si bien la pintura tradicional a menudo representaba la guerra como un gran juego con perdedores justos, el foco de atención ahora estaba en las víctimas. En el espíritu de Desastres de la Guerra de Goya , Picasso también tomó este nuevo camino: en Guernica no hay héroe, no hay victoria para el bien, no hay perpetradores, sino el Apocalipsis con todas sus atrocidades.

La imagen toma partido, pero no responde a intereses políticos, religiosos o militares. Demanda contra la guerra y la destrucción. Lo que tiene de especial es que Picasso no documenta los hechos, sino que los generaliza y los hace accesibles al procesamiento emocional a través de sus "figuras expresivas" (Imdahl). De esta manera, el arte permite superar la impotencia sin palabras ante el horror. Ésta es su función de redención, a la que apunta la iconografía cristiana. Guernica es, por tanto, mucho más que una imagen pacifista, y ciertamente más que un arte de propaganda política, es - "bajo la apariencia de una pintura de historia " - un " retrato de estudio teórico-artístico " y, como tal, nada menos que un " Ars Poética de las artes visuales "(Becht-Jördens, Wehmeier).

Picasso logró un alto nivel de comprensión mediante el uso de formas pictóricas elementales universales similares a los pictogramas . Esto incluso va más allá de la propia cultura; de lo contrario, no se podría explicar que Guernica es una de las imágenes más citadas del mundo, ya sea como graffiti , cartel , pintura de hojas o escultura .

En 1944, tuvo lugar un diálogo entre el artista y un soldado alemán en el estudio de Picasso en París, en la Rue des Grands Augustins. El soldado vio una reproducción reducida del Guernica y preguntó: "¿Hiciste eso?". Picasso respondió: "¡No, tú!".

La escena en el estudio atrapó a Simon Schama , profesor de historia del arte, en su documental para televisión Power of Art - Part 3 de 2007 y describe de manera dramática en qué el diálogo y la creación de la pintura, así como el efecto de la icono de imagen creado.

recepción

La prensa contemporánea rechazó en gran medida el Guernica. La respetada revista de arte Cahiers d'Art , que dedicó un número doble a Picasso, hizo una excepción significativa .

Paul Éluard, de quien Picasso era íntimo amigo, escribió el poema La victoria de Guernica en 1938 , en el que retoma motivos del cuadro. Éluard también trabajó con Alain Resnais para producir su cortometraje documental de trece minutos Guernica en 1950 .

Una revista Lyrique - Guernica 1937 del director y poeta francés Jean Mailland y Anna Prucnal , basada en Picasso, intenta mantener vivo el recuerdo de la masacre . Guernica tuvo una influencia significativa en el expresionismo abstracto entre artistas como Pollock y Motherwell .

Michel Leiris formula una imagen poética de la pintura:

El pintor español Antonio Saura publicó un panfleto Contra el Guernica para transportar el cuadro de Nueva York a Madrid. Cada párrafo comienza con "Odio el Guernica", "Odio el Guernica", "Detesto el Guernica". Un espejo deformante que ilumina la veneración de culto a la imagen. “Odio el Guernica porque es la reliquia de un mundo traicionado.” - “Desprecio el Guernica porque demuestra que algunos pintores piensan cuando es bien sabido que los pintores no deben pensar sino pintar”.

En su Estética de la resistencia, Peter Weiss describe el apocalipsis de Saint-Sever como una de las raíces del Guernica de Picasso: la miniatura de Beato, del siglo XI, mostraba los componentes de la composición utilizada por Picasso en un paisaje aún no disfrazado.

El teólogo y filósofo protestante Paul Tillich pronunció un elogio por Guernica. Lo llamó una gran obra de arte protestante : enfatiza que el hombre es finito, sujeto a la muerte; pero sobre todo que está alienado de su verdadero ser y dominado por fuerzas demoníacas, fuerzas de autodestrucción.

José Luis Alcaine crea una conexión entre Guernica y la película de Hollywood A Farewell to Arms (alemán: In Another Land ) de Frank Borzage . Su profundo conocimiento de la historia del cine le permitió demostrar una serie de similitudes entre la obra de arte de Picasso y numerosas tomas que se pueden ver en una secuencia. El guión de En otra tierra se basó en la novela homónima de Ernest Hemingway , de quien Picasso era amigo. Alcaine está seguro de que Picasso vio la película en ese entonces. La película contra la guerra se estrenó en París en 1933 y todavía se proyectó en los cines allí en 1937 cuando estaba pintando Guernica. Gernika fue destruida de día. Por el contrario, la pintura muestra una escena nocturna, al igual que la secuencia de la película de Borzage. Guernica se lee de derecha a izquierda, al igual que los movimientos de la película.

Recepción en música

• En 1937, el compositor Paul Dessau compuso una pieza de casi 6 minutos para piano solo con el título Guernica (después de Picasso), que se basó en la imagen. La obra se basa en una serie de doce tonos y está dedicada a René Leibowitz .

• El compositor Walter Steffens , que se especializa en escenarios musicales, escribió Guernica. Elegía para viola y orquesta , op.31, estrenada en 1979.

Actualidad

Una copia en forma de tapiz de la imagen, donada por Nelson Rockefeller en 1985 , estuvo colgada durante 30 años hasta febrero de 2021 en el vestíbulo de la sala de reuniones del Consejo de Seguridad de la ONU en el edificio principal de la ONU en la ciudad de Nueva York . Se impuso con la bandera azul del Consejo de Seguridad el 4 de febrero de 2003 a solicitud del gobierno de Estados Unidos. La razón de esto fue una presentación programada para el día siguiente por Colin Powell , entonces secretario de Estado de los Estados Unidos , que supuestamente probaría los esfuerzos de Irak bajo Saddam Hussein por armas de destrucción masiva . Esto tenía la intención de lograr la aprobación del Consejo de Seguridad y del público mundial para la guerra de Irak . En respuesta a las consultas de los medios estadounidenses, los diplomáticos dijeron que la imagen fue impuesta con consideración para la transmisión pública de la reunión del Consejo de Seguridad.

El Berliner Zeitung comentó sobre este proceso de la siguiente manera:

El Frankfurter Allgemeine Zeitung dictaminó:

La bisnieta de Henri Matisse , Sophie Matisse , completó Final Guernica en 2003 , un duplicado en tamaño de lienzo casi idéntico de la monumental pintura, que no está en gris-azul-negro como el original en Madrid, sino en colores brillantes.

En 1990 apareció un anuncio de la Bundeswehr en el que se mostraba la imagen pacifista de Picasso. Debajo decía "Las imágenes enemigas son los padres de la guerra". Esto creó una conexión entre la imagen de Picasso y las imágenes enemigas. El papel de Alemania no se discutió en el anuncio. El alcalde de Pforzheim , una ciudad hermanada de Gernika, Joachim Becker , se quejó al ministro de Defensa, Gerhard Stoltenberg, sobre la "forma completamente falsificadora" en la que se utilizó indebidamente la imagen y expresó su "profunda indignación" por escrito. Günter Grass publicó un llamamiento a Richard von Weizsäcker bajo el título “Das Geschändete Bild” en ZEIT con la solicitud de pedirle al Ministro Federal de Defensa que se disculpe con los ciudadanos de la ciudad de Guernica. Ambas iniciativas no tuvieron consecuencias. Como lo anunció el personal de información y prensa del Ministerio Federal de Defensa (BMVg), la conexión entre la imagen y la expresión imagen enemiga fue una mala interpretación. Más bien, la imagen de la campaña publicitaria simboliza la guerra de motivos, que también aparece como sustantivo en el texto publicitario.

Estado

El estado de la imagen es sumamente preocupante. La estructura de la imagen ha sufrido tanto por el frecuente enrollamiento, transporte y estiramiento que hoy en día se descuida colgarla en un museo, y mucho menos prestarla. En 1974, un autor desconocido roció la imagen con pintura. En la década de 1980, se intentó fortalecer la estructura con una capa cerosa en la parte posterior, pero el peso agregado hizo lo contrario. En el 75 aniversario de su finalización en 2012, un robot verificó el estado de la pintura.

literatura

• Gijs van Hensbergen: Guernica. Biografía de una imagen , Siedler, Munich 2007, ISBN 978-3-88680-866-3 .
• Gereon Becht-Jördens: El Guernica de Picasso como programa teórico-artístico . En: Gereon Becht-Jördens, Peter M. Wehmeier: Picasso and Christian Iconography , Berlín 2003, págs. 209-237.
• Max Imdahl : Sobre el cuadro de Picasso “Guernica” . Incoherencia y coherencia como aspectos de la imaginería moderna. En: Imdahl: Gesammelte Schriften , Volumen 1, Suhrkamp, ​​Frankfurt am Main 1996. págs. 398-459, ISBN 3-518-58213-5 .
• Max Imdahl : el Guernica de Picasso. Una monografía de arte . Insel, Fráncfort del Meno 1985, ISBN 3-458-32506-9 .
• Annemarie Zeiller: Guernica y el público . Reimer, Berlín 1996, ISBN 3-496-01155-6 .
• Ludwig Ullmann: Picasso y la guerra . Kerber, Bielefeld 1993, ISBN 3-924639-24-8 .
• Carlo Ginzburg : La espada y la bombilla - El Guernica de Picasso . Suhrkamp, ​​Fráncfort del Meno 1999, ISBN 3-518-12103-0 .
• Juan Marin: Guernica ou le rapt des Ménines , París 1994.
• Siegfried P. Neumann: Pablo Picasso, Guernica y arte: la imagen del fin de la barbarie . Lang, Fráncfort del Meno 1992, ISBN 3-631-44325-0 .
• Ellen Oppler (Ed.): Guernica de Picasso , Nueva York 1988.
• Werner Spies : Guernica y la Exposición Universal de 1937 . En: Werner Spies: Kontinent Picasso , Prestel, Munich 1988, págs. 63–99, ISBN 978-3-7913-2952-9 .

Evidencia individual

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3. ^ Gijs van Hensbergen: Guernica . Múnich, 2007
4. ↑ Michael Cario Klepsch: Picasso y el nacionalsocialismo. Patmos, Düsseldorf 2007, pág.109.
5. ↑ Michael Cario Klepsch: Picasso y el nacionalsocialismo. Patmos, Düsseldorf 2007, pág.110.
6. ↑ Max Beckmann regresa. Sacha Verna en Deutschlandradio 23 de octubre de 2016
7. ↑ Cuando regresó “Guernica”: la furiosa acusación de Picasso contra la guerra , Salzburger Nachrichten , 7 de septiembre de 2016, consultado el 7 de septiembre de 2016.
8. ↑ Véase Herschel Chipp, Alan Wofsy (Ed.): Acuarelas, dibujos y esculturas de Picasso. Un catálogo ilustrado completo 1885–1973. Guerra Civil Española 1937-1939. El Proyecto Picasso. Alan Wofsy, San Francisco 1997, números 37-102 a 37-147 (estudios); 37-148 a 37-155 (estados)
9. ↑ Ver Proyecto Picasso 37-074 a 37-087
10. ↑ [1] 500 años del Retablo de Isenheim. periódico malo
11. ^ Exposición en Berlín: "Picasso - el tiempo después de Guernica (1937-1973)": La persona más asistemática del mundo. Por Petra Kipphoff en ZEIT el 18 de diciembre de 1992
12. ↑ Véase Becht-Jördens, Wehmeier, véase más adelante Literatura, págs. 159–180, especialmente 168 y siguientes; Pp. 209-237, especialmente Pp. 228-235. Para esta interpretación, consulte más adelante en el capítulo Nueva visión del papel del arte frente a la guerra y la violencia.
13. ↑ Monika Czernin , Melissa Müller : Picassos Friseur, Fischer, 2002, página 42. El pensamiento está precedido por el comentario en el libro: “El resultado inicialmente sorprendió a algunos, los demás, incluidos sus clientes, se perdieron la poderosa declaración. Picasso lo dominó toda su vida para deshacerse de preguntas molestas con explicaciones simplistas ”. El libro continúa diciendo:“ Incluso si la imagen todavía no sigue una interpretación simbólica simple, todos pronto entendieron que Picasso había creado una profecía de la venida catástrofes, fundamentalmente, poderosas, atemporales ".
14. ↑ Yvonne Strüwing, 2002, Picasso - Dream and Lie of Franco, Munich, GRIN Publishing. 2.4 "Guernica" y "El sueño y la mentira de Franco"
15. ↑ 70 años de la revolución social en España: Graswurzel 2006
16. ^ Museo Wilhelm Fabry Hilden
17. ↑ Holger Liebs: El “Guernica” de Picasso cumple 70 años: el enemigo invisible. En: Süddeutsche Zeitung . 19 de mayo de 2010, consultado el 14 de junio de 2015 . 
18. ↑ Barry Stoner: ... el Pabellón de España. Guernica: Testimonio de guerra. PBS.org, consultado el 20 de febrero de 2019 . 
19. ↑ Monika Borgmann: Amor hasta el final, antes de hundirte. DIE ZEIT, 2 de mayo de 1997, consultado el 31 de marzo de 2017 . 
20. ↑ PAUL INGENDAAY: ¡Mira esta pintura de terror entre arte y propaganda! Debate sobre Gijs van Hensbergen: "Guernica". Biografía de una imagen . Frankfurter Allgemeine Zeitung, 4 de junio de 2007, consultado el 31 de marzo de 2017 . 
21. ↑ Philipp Greifenstein: Acerca del "Guernica" de Picasso - Paul Tillich. Video con entrevista. theologiestudierende.de, 2 de septiembre de 2014, consultado el 21 de febrero de 2019 . 
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27. ↑ Andreas Schäfer: imagen contra imagen. En: Berliner Zeitung . 7 de marzo de 2003, consultado el 14 de junio de 2015 . 
28. ↑ Thomas Wagner: Víctimas indeseables. En: FAZ. 10 de febrero de 2003, consultado el 14 de junio de 2015 . 
29. ↑ Hella Boschmann: "Guernica" en colores fuertes. En: El mundo . 15 de febrero de 2003, consultado el 14 de junio de 2015 . 
30. ^ Sophie Matisse: Final Guernica (2003) , francisnaumann.com, consultado el 27 de diciembre de 2010.
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32. ↑ Klaus A. Maier : Guernica, hechos y mitos. En: Revista de estudios alemanes . Número 18 (1995), número 3, p. 465.
33. ↑ Koldehoff, Stefan, Koldehoff, Nora: ¿Quién le dio a Van Gogh su oído?, Eichborn Verlag, Berlín, 2007, p. 333.
34. ↑ Robot comprueba el estado del "Guernica" de Picasso , nachrichten.t-online.de, 24 de febrero de 2012, consultado el 12 de julio de 2012.

enlaces web

• Repensando Guernica (una oferta online del Museo Reina Sofía , que incluye una foto de gigapíxeles del cuadro)
• Guernica www.artchive.com
• Wiltrud Wößner: Interpretación con fotografías (presentado el 15/16 de junio de 1994)
• Kai Artinger: Reseña de Gijs van Hensbergen: Guernica. La biografía de un icono del siglo XX. Bloomsbury Publishing, Londres 2004, ISBN 1-58234-124-9 .
• Idsteiner Wednesday Society Compilación de: Max Imdahl (1925–1988): Picassos Guernica. Monografía de arte, Insel Taschenbuch , Gijs van Hensbergen: Guernica - Biografía de un cuadro y Wiltrud Wössner, historiador del arte: Interpretación del cuadro Guernica
• Texto completo de Peter Weiss: La estética de la resistencia Análisis exhaustivo de la imagen de la p. 386 por Peter Weiss