Coleman Hawkins

Coleman Hawkins en el Spotlite Club, alrededor de septiembre de 1947.
Fotografía de William P. Gottlieb .
Coleman Hawkins (referido incorrectamente como "Haskins" en la lista) incluido en la Orquesta de la escuela secundaria de Topeka, del anuario de 1921.

Coleman "Hawk" Hawkins (nacido el 21 de de noviembre de, 1904 en St. Joseph , Missouri , † 19 de de mayo de, 1969 en Nueva York ) fue un americano músico de jazz ( saxofón tenor y clarinete ). Se le considera el "padre" de la interpretación del saxofón tenor y, junto a Lester Young, fue uno de los primeros solistas que formaron estilo en el instrumento. En su carrera de 1922 a 1969, fue asignado más recientemente al jazz convencional , pero en repetidas ocasiones asumió desafíos y tocó con los respectivos vanguardistas de su tiempo. Sus apodos eran Hawk y Bean .

Vida

Primeros años (1904-1934)

Coleman Hawkins provenía de una familia de clase media y creció en el Medio Oeste de Estados Unidos. Su madre tocaba el piano y el órgano; a la edad de cuatro años trajo al joven Hawkins para que aprendiera a tocar el piano; A la edad de siete años empezó a tocar el cello y en la edad de nueve años consiguió un saxofón C melodía . Hizo sus primeras apariciones en eventos escolares a la edad de doce años en un trío con piano y batería; estas actuaciones pronto lo convirtieron en una celebridad local. Sus padres luego lo enviaron a Topeka para una mayor formación musical ; allí conoció al pianista Jesse Stone y sus Blue Serenaders y perteneció a la banda durante unos meses. Su música era un territorio de jazz con un ritmo relajado de dos tiempos.

Desde 1921 estuvo activo como músico en Kansas City ; En abril, la cantante de blues de vodevil Mamie Smith aceptó a la joven de diecisiete años en su banda de acompañamiento Jazz Hounds y pudo persuadir a sus padres para que lo dejaran ir de gira con ella. Hawk tocó allí blues y jazz de Nueva Orleans al estilo de King Oliver y Louis Armstrong . Su entonces colega Garvin Bushell recordó que Hawkins fue incorporado a la banda principalmente porque sabía leer música; “Estaba más en este instrumento en todo de lo que yo había visto… Sabía leer todo y no se equivocaba en una sola nota… Y no tocaba el saxofón como si fuera una trompeta o un clarinete, como era costumbre en el tiempo. Tocaba los acordes porque había tocado el piano cuando era niño ".

A principios de mayo de 1922, los Jazz Hounds hicieron una aparición especial para grabaciones discográficas en la ciudad de Nueva York ("Mean Daddy Blues"); Durante este tiempo Hawkins también hizo interludios con el violonchelo. Mientras tanto, se había convertido en una estrella y en la atracción de la banda, pero solo tenía unos pocos momentos libres como solista, lo que lo llevó a salir y quedarse en Nueva York. Allí consiguió trabajos en las bandas de Ralph Jones y Cecil Smith, hasta que acabó en la prestigiosa orquesta de Wilbur Sweatman . Allí escuchó a Fletcher Henderson , quien lo incorporó a su banda en 1924. Al principio solo estuvo presente en algunas grabaciones, como "Dicty Blues" el 9 de agosto de 1923.

Solo se convirtió en miembro permanente de la banda cuando consiguieron un compromiso en el Club Alabam . Después de todo, fue el Roseland Ballroom , donde ascendió desde septiembre de 1924 hasta convertirse en el principal solista junto a Don Redman y Louis Armstrong y desarrolló su propio estilo, como en "The Stampede" en 1926 y el éxito "Queer Notions" en 1933. En estos Time cayó su primer matrimonio con una bailarina llamada Gertrude, a quien aún conocía de su tiempo con Mamie Smith. En 1929 los dos se divorciaron.

"A más tardar en 1929, la reputación de Hawkins como el mejor saxofonista tenor era indiscutible a través de sus discos y actuaciones con Fletcher Henderson, y su influencia en otros saxofonistas, no solo en los saxofonistas tenores, fue abrumadora", escribió su biógrafo Teddy Doering. Hawkins se utilizó cada vez más para grabar a otros líderes o productores de bandas, por ejemplo con los Little Chocolade Dandies en septiembre de 1929, poco después con los Cotton Pickers de McKinney y con los Blue Blowers de Red McKenzies Mound City , con los que recaudó "If I Could Be with You". . A fines de 1930, la banda de Henderson se mudó de Roseland a Connie's Inn , un prestigioso club en el sótano que transmitía apariciones en la radio.

Coleman Hawkins y Buck Washington: "I Ain't God (!) Nobody", grabación a dúo del 8 de marzo de 1934

Un punto culminante en el trabajo de Hawkins con Henderson fue "It's the Talk of the Town" de 1932, probablemente la primera interpretación importante de balada en solitario en la historia del jazz después de Joachim-Ernst Berendt . El 29 de septiembre de 1932, las primeras grabaciones de Hawkins se realizaron bajo su propio nombre con el inglés Spike Hughes , a través de quien supo cuán alta era su reputación en Europa. Anteriormente había escuchado a un colega que acababa de regresar de Europa hablar de lo buenas que eran las condiciones laborales para los músicos, especialmente para los negros. Inmediatamente envió un telegrama a Jack Hylton , el "inglés Paul Whiteman ", que sólo decía: "Quiero venir a Inglaterra". Hylton respondió al día siguiente; Hawkins se tomó unas vacaciones con Fletcher Henderson porque creía que solo se quedaría en Europa uno o dos meses. Sin embargo, finalmente se quedó hasta 1939.

Poco antes de su partida a Europa, John Hammond produjo grabaciones a dúo del saxofonista con el pianista Buck Washington en marzo de 1934 ; parece como si estas grabaciones (“I Ain't Got Nobody” y “It Sends Me”) parecieran en parte una sombra de bebop con su “dureza y audacia desde el punto de vista actual ”.

El "destronamiento" de Hawkins a principios de 1934, cuando estaba con la Henderson Orchestra en Kansas City y tocaba en el recién inaugurado club nocturno Cherry Blossom en Lester Young, Ben Webster , también contribuyó a la decisión de trabajar en Europa por un tiempo . Herschel Evans y otros tenores de Kansas City. Mary Lou Williams fue testigo de esta jam session : "Bean Hawkins no esperaba que los tenoristas de Kaycee fueran tan grandes y no estaba seguro y no pudo encontrar una línea recta, a pesar de que jugó toda la mañana".

En Europa (1934-1939)

Jack Hylton

Salió de Nueva York el 30 de marzo y después de su llegada a Londres tocó primero en la gran orquesta de Jack Hylton, así como en el conjunto más pequeño dirigido por su esposa Ennis; Hawkins llegó por primera vez a París en la Navidad de 1934. Posteriormente, se planearon algunas apariciones en Alemania, pero el régimen nacionalsocialista prohibió a los Black Hawkins ingresar al país. Hylton dejó Hawkins en Holanda, donde jugó con Theo Uden Masman y sus Ramblers . La colaboración con los Ramblers culminó en tres sesiones de grabación, en febrero y agosto de 1935 ("I Wanna Go Back to Harlem"). Después de la primera sesión, Hawkins decidió no regresar a Inglaterra con Hylton; Paris lo atrajo. En febrero actuó en un concierto con músicos franceses en la Salle Pleyel , organizado por el Hot Club de France . En marzo graba con la orquesta de Michel Warlop ; con las estrellas del Quintette du Hot Club de France , Django Reinhardt y Stéphane Grappelli . Luego Hawkins realizó una extensa gira por Escandinavia, donde fue celebrado con entusiasmo. Después de una larga estancia en Suiza, sus famosas grabaciones con Benny Carter , Reinhardt y Grappelli para Swing tuvieron lugar en París el 28 de abril de 1937 , donde se grabaron “ Honeysuckle Rose ” y “ Crazy Rhythm ”.

Hawkins pasó el año 1938 principalmente en los Países Bajos, donde tocó en el Negro Palace de Amsterdam , y en Bélgica; allí tocó en Namur en la banda de su compatriota Arthur Briggs . Intentó conseguir un permiso de trabajo para Inglaterra, pero el sindicato de músicos se lo negó. Sus fanáticos ingleses lograron meterlo en el país con un truco: el fabricante de saxofones Selmer organizó una gira por Gran Bretaña, que se suponía que serviría de "entrenamiento", ya que Hawkins solo tocaría para músicos. Los sindicatos no tenían voz en eso, y Hawkins realizó una gira por Inglaterra en marzo / abril. Después de eso, realmente quiso regresar a Holanda; Sin embargo, la tensa situación política en Europa lo impulsó a regresar a Estados Unidos. Hubo algunas apariciones más en Inglaterra, nuevamente con Hylton; Hawkins fue anunciado como un "artista de variedades". Las últimas grabaciones de antes de la guerra se realizaron a finales de mayo con la Orquesta Hylton; luego regresó a Holanda a principios de julio y regresó a Nueva York el 31 de julio.

Swing Combos, Body and Soul y Bebop (1939-1945)

En los cinco años de su ausencia, la escena estadounidense había cambiado; nuevos saxofonistas como Chu Berry y Ben Webster (que habían tomado el lugar de Hawkins con Henderson uno tras otro) se habían ganado el respeto, especialmente Lester Young , quien ya no tenía que temer la competencia de su rival Herschel Evans , quien había muerto a los pocos meses antes . Coleman Hawkins volvió a esta situación; y su regreso inmediatamente "hizo las rondas". Lester Young estaba actuando con Billie Holiday cuando entró Hawkins; Rex Stewart informó desde ese momento: "Bean entró, desempacó su instrumento y, para sorpresa de todos, tocó con ellos".

Anuncio de concierto de Coleman Hawkins

Incluso antes de irse a los Estados Unidos, Coleman Hawkins había aclarado sus futuras oportunidades laborales; tenía la opción de tocar con su propia banda en Kelly's Stable (141 West, 51st Street). Dado que los músicos de sus sueños como Red Allen , Benny Carter, Roy Eldridge , John Kirby o Teddy Wilson trabajaron con éxito en otras bandas, formó un conjunto de ocho miembros con jóvenes músicos y la cantante Thelma Carpenter . Él y su banda actuaron en Arkadia , un salón de baile en Broadway. El 11 de octubre de 1939, la banda entró en el estudio para grabar cuatro temas para el sello Bluebird .

"Ya hay tres piezas en la lata, y como plus, para que se puedan llenar dos discos, está en el programa ' Body and Soul ', que suele ser el final de las apariciones del club", escribió el crítico Werner Wunderlich sobre la sesión histórica. “Hawkins no tiene músicos destacados en su conjunto, por lo que es el único solista de esta pieza con su saxofón tenor. Y es precisamente esta, su versión del estándar que se suele tocar, en un hito, una grabación del siglo del jazz, ejemplar para una balada de jazz. Con 'Body and Soul' Coleman Hawkins se identifica como uno de los grandes, como el 'padre del saxofón tenor' ”, dijo Wunderlich en su reseña de las“ grabaciones del siglo del jazz ”. "La arquitectura perfecta de su solo, en el que cada nota conduce a la siguiente con una lógica irresistible y una intensidad brillante al mismo tiempo, se ha convertido en una lección inolvidable sobre la estructura dramatúrgica de la improvisación para innumerables generaciones", afirma Marcus A. Woelfle en su Contribución a "Body and Soul". “En el libro sobre estándares de jazz. Hawkins ha hecho ahora un regreso abrumador con "Body and Soul" - "Body and Soul" fue el único título con el que Hawkins llegó al Billboard Top 20 en el número 13, permaneció en las listas durante seis semanas y, por lo tanto, también "impresionó a la gente". gran audiencia ". The Down Beat lo nombró saxofonista tenor del año después de que los saxofonistas tenores como Lester Young lo hubieran relegado a un segundo plano durante su estadía en Europa .

Dizzy Gillespie en diciembre de 1955, el fotógrafo Carl van Vechten

En febrero de 1941 terminó el compromiso con Kelly's Stable ; el empresario Joe Glaser finalmente encontró una oportunidad de actuación en Dave's Swingland en Chicago. Allí lideró una banda con Darnell Howard y Omer Simeon , entre otros ; hasta 1943, sin embargo, no se hicieron grabaciones debido a la prohibición de grabar . Mientras estaba de gira en Indianápolis, sorprendido por la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial , pronto se dio cuenta de que las oportunidades laborales se estaban deteriorando enormemente y regresó a Nueva York con su segunda esposa, Dolores Sheridan, con quien se había casado en Chicago. Allí volvió a aparecer el 24 de diciembre en Kelly's Stable con un nuevo sexteto, que también incluía a Kenny Clarke e Ike Quebec . Después de una larga ausencia del estudio de grabación, participó en una sesión organizada por Leonard Feather para Commodore , los ganadores de las encuestas de la revista Esquire ; Los compañeros de equipo de Hawkins incluyeron a Art Tatum , Oscar Pettiford y Cootie Williams .

El joven bajista Oscar Pettiford, que impresionó mucho a Hawkins con sus atrevidas ideas armónicas, estuvo presente en sus próximas sesiones con Eddie Heywood o Ellis Larkins y Shelly Manne en diciembre de 1943, que revelaron los primeros ecos bebop (“Voodte” y “The Man I Amor "). En una formación estelar con Armstrong, Eldridge, Jack Teagarden , Lionel Hampton , Red Norvo y Billie Holiday , entre otros , Hawkins actuó en el legendario concierto en el Metropolitan Opera el 18 de enero de 1944 .

Cuando surgió el bebop a mediados de la década de 1940, muchos músicos de más edad lucharon con el estilo moderno del jazz; no es así para Hawkins, porque sabía cuánto había contribuido a la nueva música. En febrero de 1944 hubo un encuentro con el trompetista de bop Dizzy Gillespie , cuyo título "Woody'n You" Hawkins grabó luego, con Don Byas , Clyde Hart y Max Roach ; el título se considera una de las primeras grabaciones del próximo bebop. Luego, a mediados de 1944, Hawkins trajo a Thelonious Monk , cuyas ideas progresistas valoraba, para unirse a su cuarteto para una gira. Luego, el cuarteto tocó en el Downbeat Club ; una sesión de grabación tuvo lugar el 19 de octubre ("On the Bean", "Flyin 'Hawk" y "Drifting on a Reed"); estas fueron las primeras grabaciones de estudio de Thelonious Monk.

Coleman Hawkins y Thelonious Monk: "Drifting on a Reed", grabado el 19 de octubre de 1944

Coleman Hawkins continuó trabajando con los "tradicionalistas", como Eldridge, Ben Webster , Earl Hines , Teddy Wilson y Cozy Cole o con músicos blancos alrededor de George Wettling y Jack Teagarden. A finales de 1944 aceptó, sin Monk, que no quería irse de Nueva York, un compromiso en Los Ángeles; El trompetista Howard McGhee se unió al grupo por recomendación de Pettiford ; Sir Charles Thompson se sentó al piano . Después de apariciones en Buffalo, Detroit y Chicago, comenzaron el 1 de febrero de 1945 en Billy Berg's Club en Vine Street en Los Ángeles; Hawkins y sus músicos fueron los primeros en llevar el nuevo bebop a la costa oeste de Estados Unidos , por delante de Dizzy Gillespie y Charlie Parker , que debían actuar allí a finales de año.

El período de posguerra (1945-1959)

Charlie Parker tocaba en el Spotlite de Nueva York y, mientras tanto, se había establecido; Hawkins lo escuchó allí con interés. En abril y mayo de 1946 participó con él y Lester Young , Buck Clayton , Buddy Rich y otros en una extensa gira Jazz-at-the-Philharmonic ; Lo que resultó particularmente interesante para la audiencia fue el enfrentamiento entre Hawkins y Lester Young . En 1946 grabó algunas baladas con JJ Johnson y Fats Navarro . En mayo de 1947 Hawkins regresó a Nueva York y jugó durante un tiempo en los Three Deuces ; en junio del 47, Miles Davis , Hank Jones y Kai Winding jugaron en la formación estelar de Hawkins (Bean A Re-Bop) . En 1948 retoma su improvisación en solitario "Picasso", una improvisación sobre los acordes de "Body and Soul", la primera grabación solista de saxofón sin acompañamiento en jazz; la idea del título vino de Norman Granz .

Coleman Hawkins y Miles Davis , alrededor de septiembre de 1947.
Fotografía de William P. Gottlieb .

Dadas las difíciles oportunidades laborales, Hawkins estaba feliz de ser invitado al primer Festival de Jazz de París en el Teatro Marigny y otros conciertos. Allí jugó con Howard McGhee, Erroll Garner , John Lewis y Kenny Clarke, que se suponía que se quedaría en París. De regreso a los Estados Unidos, trabajó principalmente como músico independiente; pero después de una nueva gira de JATP y la falta de interés público, sintió la necesidad de volver a trabajar en Europa. En París armó una formación para una gira por Londres y Bruselas, que incluyó a Clarke y James Moody . De regreso a París, grabó " Sophiced Lady " con Clarke y Pierre Michelot para Vogue .

A veces, Hawkins tenía problemas con la bebida porque estaba deprimido; también sufrió por ser etiquetado como "desactualizado" por algunos críticos. Con el declive de la ola del bebop, su estrella volvió a subir a raíz del creciente interés por el jazz convencional . También fue admirado por sus jóvenes colegas en la escena del bop; en septiembre de 1950 tuvo lugar el único encuentro de estudio con Charlie Parker para la película Improvisación . A finales de 1950, formó una formación de corta duración con Kenny Drew , Tommy Potter y Art Taylor , todos los cuales consideraron un honor jugar con él. En el otoño del 51 pudo firmar un contrato discográfico con Decca ; sin embargo, las grabaciones no fueron satisfactorias ya que la compañía esperaba que hiciera versiones pegadizas de canciones pop con cuerdas. En 1953, por tanto, no renovó su contrato y tocó en un grupo con Roy Eldridge, que incluía a Art Blakey y Horace Silver , pero con el que no existen grabaciones. Cuando se publicó Savoy en 1954 fue un primer LP bajo el nombre de Hawkins, sin embargo, no es un álbum cerrado, sino una colección de sesiones más antiguas y más jóvenes con una calidad de sonido catastrófica. Con Illinois Jacquet realizó una gira por bases militares estadounidenses en Europa en 1954.

Buck Clayton

En el verano de 1954 participó en jam sessions que fueron producidas bajo el nombre de Buck Clayton por Columbia y estuvieron entre los primeros discos de larga duración . Aquí se reunían principalmente músicos de la antigua orquesta de Basie . Hawk se celebró en el Festival de Jazz de Newport en 1956; En 1956 acompañó a Billie Holiday en su último concierto en el Carnegie Hall de Nueva York . Después de varios álbumes para los sellos Jazztone , Coral , Urania , grabó para RCA Victor ( Hawk en HiFi con orquesta de cuerdas) y Riverside . Para este último, se creó The Hawk Flies High en marzo de 1957 , con el que continuó los glamorosos años del bebop. Recurrió a músicos de esa época, JJ Johnson, Hank Jones , Oscar Pettiford e Idrees Sulieman , que provenían del entorno de Monk, mientras que Jo Jones y Barry Galbraith tenían más probabilidades de ser atribuidos al jazz convencional . A pesar del bopper presente, fue más una respuesta a las tendencias de regreso a las raíces de Hawkins en el hard bop en ese momento ; El blues y el gospel juegan aquí un papel fundamental.

Finalmente, en 1957 Hawk tuvo la oportunidad de grabar varios álbumes para el nuevo sello de Granz, Verve ; como su dueto con Ben Webster , que apareció en Coleman Hawkins Encounters Ben Webster , y poco después con el Oscar Peterson Trio en el álbum The Genius of Coleman Hawkins . Cada vez más asumió un papel de estadista mayor en el jazz, pero enfrentó desafíos repetidamente. Demostró su apertura a las nuevas tendencias en grabaciones con Max Roach y Sonny Rollins , con quienes grabó Freedom Now Suite ; luego trabajó junto a John Coltrane en el álbum Monk's Music y tocó con Eric Dolphy en la banda de acompañamiento de Abbey Lincoln . A finales de año participó en la mítica producción televisiva The Sound of Jazz , donde conoció a Lester Young por última vez en " Fine and Mellow ". Además, tocó a mediados de la década de 1950 principalmente en Metropolis y en la 7th Avenue cerca de Times Square sin una formación permanente y participó en sesiones de grabación con JJ Johnson, Charlie Shavers , Red Allen y Cootie Williams / Rex Stewart .

Ya en 1958 Hawkins comenzó a grabar discos para el sello Prestige , comenzando con el Swingtet , que fue dirigido conjuntamente con Tiny Grimes y con el que surgió Bluesgroove ; A esto le siguieron álbumes como Soul , Hawk Eyes , At Ease y Night Hawk con bandas de acompañamiento cambiantes, en los que Hawkins conoció a la generación joven del hardbop, como Ray Bryant , Ron Carter , Kenny Burrell , Tommy Flanagan y Red Garland . Musicalmente añadió ecos de soul, rhythm and blues y hard bop en esta fase ; su sonido de tenor amplio y rico en vibradores volvió a ser solicitado.

Inmediatamente antes de la muerte de su rival Lester Young, cuando era solo una sombra de sí mismo después de años de consumo casi ininterrumpido de alcohol y marihuana , Hawkins lo había hecho, según el crítico Joachim Ernst Berendt, aunque alcanzó el estrellato antes que Young. todavía su vieja e indestructible vitalidad y fuerza.

Los últimos años (1960-1969)

Benny Carter

En abril de 1960 apareció en Essen con Pettiford, Kenny Clarke y Bud Powell ; En 1960/61 hubo un "reencuentro" con Benny Carter ; primero en el álbum Bean Stalkin 'de Hawkins , luego con el álbum Impulse de Carter Further Definitions , un “remake” de su legendaria sesión en París de 1937 con Grappelli y Django Reinhardt. En 1962 realizó una gira con Duke Ellington y grabó el álbum Impulse Today and Now en un cuarteto ; En 1963 se batió en duelo con Sonny Rollins en Newport y en 1963/1964 volvió de gira con Jazz at the Philharmonic ; de lo contrario, tocó en el Village Gate con su nueva banda de acompañamiento formada por Flanagan, Major Holley y Eddie Locke .

Surgió una nueva crisis cuando, a los sesenta años, él y sus tres hijos se enamoraron de un veinteañero que pronto lo abandonó; Siguieron una depresión aún más severa y un exceso de alcohol. En 1964 las apariciones se hicieron menos frecuentes; A principios de 1965 apareció en Five Spot con Eddie Locke, Barry Harris y Buddy Catlett . Con Hawkins, que siempre ha sido un gran bebedor, el alto nivel de consumo de alcohol también se notaba externamente: “El hombre una vez bien arreglado dejó de afeitarse y de ir a la peluquería (...) Su ropa estaba descuidada, al igual que su pereza. andar ahora, los cuerpos de aspecto frágil eran típicos de un anciano ”.

Norman Granz fue uno de los pocos amigos restantes que trató de ayudarlo; en 1966 lo trajo de vuelta al Jazz en la Filarmónica (Solo " Canción de septiembre "). Aunque la gira fue uno de los momentos más felices de sus últimos años, las señales de decadencia fueron evidentes; el crítico Arrigo Polillo escribió en ese momento: “¿Debería ser ese hombre barbudo y descuidado que parecía tener más de setenta años, Coleman Hawkins? No querías creer en tus propios ojos. Podías confiar en tus oídos, y eso fue lo asombroso; a pesar de todo, Hawk seguía siendo un gran maestro ".

Después de colapsar en el escenario en Oakland ese mismo año , Hawkins fue hospitalizado. Se recuperó de nuevo, pero causó una impresión tan deprimente en la gira europea de 1967 con el trío de Oscar Peterson que Ralph Gleason incluso sospechó que quería morir. Hawk, que siempre tuvo predilección por los trajes elegantes, "parecía un vagabundo peludo". Lo abuchearon en Barcelona; mientras que la audiencia de Londres pudo experimentar una interpretación aceptable de Hawkins. El 13 de febrero, sus últimas grabaciones para Storyville con Kenny Drew y NHOP fueron realizadas durante una gira por Dinamarca, y lo mostraron de nuevo en sorprendentemente buena forma; "Una conclusión adecuada después de una carrera musical tan larga", dijo Teddy Doering.

Barry Harris

En enero de 1969, su madre falleció a los 96 años, lo que le hizo caer aún más profundamente en la depresión. Hawkins pasó la mayor parte del resto del invierno en su apartamento de Nueva York; pero en marzo tocó en el Fillmore East ; en Chicago hubo un encuentro final con Roy Eldridge y Barry Harris con motivo de una producción televisiva. Después de su regreso, se derrumbó por completo; El diagnóstico fue neumonía bronquial y debilidad general por desnutrición. Barry Harris se hizo cargo de su admisión en el Hospital Wickersham , donde todavía lo visitaban algunos amigos, Monk, la "baronesa del jazz" Nica y el "pastor de jazz" de Nueva York, John Gensel . Murió el 19 de mayo de 1969. El programa grabado en Chicago se transmitió en todo el país como un programa conmemorativo.

Los servicios funerarios

Entrada al cementerio Woodlawn en Jerome Avenue

El funeral y entierro de Hawkins tuvo lugar el 23 de mayo en la Iglesia Luterana de San Pedro en Manhattan y el Cementerio Woodlawn en el Bronx, respectivamente; La familia de Hawkins le había pedido a Eddie Locke que organizara a los portadores del féretro. Estos fueron Zutty Singleton , Zoot Sims , Major Holley, Big Nick Nicholas y Roy Eldridge. Había venido un gran grupo de colegas importantes, incluidos Dizzy Gillespie, Johnny Hodges , Illinois Jacquet , Yusef Lateef , Charles Mingus , Ornette Coleman , Horace Silver , Jackie McLean , Charlie Shavers , Clifford Jordan y muchos otros, entre ellos Dolores Hawkins, su hijo Rene. y acompañar a las hijas Mimi y Colette. Después del sermón, la esposa de Howard McGhee leyó su propio poema, Extiende tu mano ; Roland Hanna interpretó una de las piezas favoritas de Hawkin, "Träumerei" de Robert Schumann , seguida de su propia composición "After Paris". Thad Jones tocó su pieza "Say It Softly" en el fliscorno. Además, cientos de fanáticos habían venido a la iglesia; otros que no habían sido admitidos se quedaron afuera en Lexington Avenue. Días después de su funeral, la Cámara de Representantes del Estado de Missouri nombró a Coleman Hawkins ciudadano honorario. El 25 de mayo, el programa de televisión que protagonizó Hawkins por última vez fue transmitido localmente. En una forma revisada, con contribuciones de Dan Morgenstern , Eldridge, Harris, Truck Parham y Bob Cousins, se transmitió en todo el país en julio. Eddie Jefferson cantó la letra que escribió para la versión de Hawkins de "Body and Soul".

Su musica y significado

La evolución del estilo de Coleman Hawkins

Coleman Hawkins, a menudo referido como el "inventor" del saxofón tenor, se resistió a esta atribución y mencionó a los primeros saxofonistas como Happy Cauldwell en Chicago y Stump Evans de Kansas City. "Si no fue el primero en tocar el saxofón, fue el primero en descubrir sus múltiples posibilidades, definir su carácter tonal y perfeccionar su técnica", dijo Arrigo Polillo en agradecimiento, "el que (y no solo el tenor, pero toda la familia de los saxofones) se afianzó en el mundo del jazz en la segunda mitad de los años veinte ”.

“Jugué muy fuerte”, recordó Hawkins 1967 en un tiempo fuerte entrevista, “y se utiliza una caña muy difícil porque tenía que tratar de hacer mis solos más de siete u ocho instrumentos de viento jugando al mismo tiempo. Mi plenitud de sonido se desarrolló mientras probaba estas cañas y cambiaba las boquillas una y otra vez durante la noche. Tuve que enfrentarme a artistas como Armstrong, Charlie Green , Buster Bailey y Jimmy Harrison ". Polillo continuó:" Este es el primer disco que Hawkins mostró que ahora había desarrollado un dominio completo de su instrumento y un estilo personal The Stampede de 1926. Esta grabación (temprana) fue un criterio de comparación para todos los saxofonistas de su época ”. Según Martin Kunzler , este disco inició“ el triunfo de un instrumento que anteriormente había llevado una existencia no menos miserable en el jazz ”. "Fue el primero en tocarlo realmente como un instrumento", dijo Ronnie Scott .

“Su estilo inicial todavía estaba influenciado por la forma en que se tocaba el instrumento en el clarinete”, dice Carlo Bohländer ; “En los años treinta, sus melodías de acordes se caracterizaban cada vez más por extensiones armónicas, movimientos de corcheas punteadas y articulación legato . Su abundante ingenio le permitió girar frases una y otra vez y unirlas sin puntos de descanso ”. Fue la inclusión bastante inadvertida de Body and Soul lo que finalmente cimentó la posición de Hawk; "Para gran sorpresa de Hawk, se convirtió en su grabación más famosa y más vendida y se considera un ejemplo citado con frecuencia de improvisación de jazz".

Coleman Hawkins y Thelonious Monk: "Flyin 'Hawk": Foto tomada el 19 de octubre de 1944

Fueron las grabaciones de 1939 y principios de los cuarenta las que conformaron el núcleo de su obra: “When Lights are Low”, realizada en 1939 en una sesión con Lionel Hampton, luego “Sweet Lorraine” y “The Man I Love” de 1943 Eddie Heywood, Oscar Pettiford y Shelly Manne. Su posición en el bebop emergente quedó demostrada por sus sesiones para el sello Apollo en febrero de 1944, cuando el saxofonista trabajaba con pequeños combos en la calle 52. Fue uno de los primeros músicos de su generación en mostrar respeto y confianza en el bop y "se comprometió con sus grabaciones, que deberían abrir un nuevo capítulo en la historia del jazz". Aunque esta expresión musical era nueva para él, asumió títulos como "Rainbow Mist", " Yesterdays " y los temas de bebop "Woody'n You", "Disorder at the Border" y "Bu Dee Dah", lo que le valió el respeto de los músicos de vanguardia de la época.

Hawkins distinguió "un tono redondo, pleno, rico en vibradores y expresivo", dice Carlo Bohländer . Martin Kunzler enfatiza la autoridad de su interpretación, el vibrato, la actitud rapsódica, sus poderosas habilidades motoras en golpes rápidos y la dimensión romántica de su interpretación de baladas. El autor cita a Miles Davis diciendo: “ Al escuchar a Hawk, aprendí a tocar baladas. Paul Gonsalves consideró a Hawkins "como una de las más grandes personalidades musicales del siglo que nunca permitió que su estilo personal se enredara".

Teddy Doering nombra cronológicamente cinco características del estilo personal de Hawkins:

"Una introducción sorprendente y concisa, algo así como saltar a un solo ", escuchado en los primeros títulos de Hawkins como "Siempre que haya voluntad" con los recolectores de algodón , "Sugar Foot Stomp" (1931) con Fletcher Henderson o incluso en el Sesión parisina en "Crazy Rhythm" (1937).
"La invención de una melodía de riff simple , que luego se repite varias veces con ligeras modificaciones". Usó este recurso estilístico después de su regreso a los Estados Unidos desde 1939 hasta alrededor de 1944 en “ One O'Clock Jump ” o “Esquire Bounce” con Esquire All-Stars .
“La técnica de la balada; está plenamente desarrollado desde 1929 a más tardar y es uno de sus mayores logros ”. Doering llama a la "ornamentación de Hawkins, el adorno individual del tema básico en el área melódica, así como la exploración armónica y la alteración de los cambios subyacentes ".
"La trituración en piezas rápidas". Como ejemplo, el autor cita el estándar de Gershwin "The Man I Love" o el método utilizado por los músicos de R&B en las presentaciones en vivo de JATP para tocar repeticiones cortas, el "chillido" en registro alto sobre dos o tres notas, carreras frenéticas para impresionar al público.
"Su forma de jugar los últimos años con sus breves, dicen algunos: frases sin aliento ". Doering cree que Hawkins, que ha tenido problemas respiratorios durante los últimos años, lo aprovechó al máximo y trató de "ensamblar estas frases cortas, esta improvisación motivacional, en declaraciones convincentes".

Las diferentes interpretaciones del juego de Hawkins y Lester Young

Hawkins y Lester Young en el Mercury 78 "I Got Rhythm" del concierto de JATP en abril de 1946

Teddy Doering explica en su biografía de Hawkins que finales de la década de 1930 estuvieron marcados por la rivalidad entre los saxofonistas tenores Hawkins y Lester Young . A más tardar con la famosa jam session de 1934, Hawkins se había encontrado con un rival igual. Su primera aparición después de su regreso de Europa en 1939 estuvo relacionada con esta reunión. A pesar de su éxito con “Body and Soul”, “descubrió que la próxima generación de tenoristas casi sin excepción seguía el estilo de tocar de Lester Young. A primera vista, la principal diferencia en el estilo de los dos músicos radica en el tono. El tono más amplio, rico en vibrato, expresivo y de aspecto agresivo de Hawks contrasta fuertemente con la concepción sutil, introvertida, lírica y contenida de Lester Young "Como otra diferencia mira Doering en las improvisaciones : Hawkins las puso verticalmente", d. H. los cambios eran más importantes para él que las melodías . En melodías solo vio acordes disueltos . Lester Young, por otro lado, es bastante diferente; su concepción era bastante lineal: las líneas melódicas que él inventaba eran importantes para él. En términos de ritmo , Hawkins 'se apegó a su 4/4 con sus notas puntuales regulares ' mientras que Young rompió con este concepto rítmico ".

La "escuela de Hawkins"

Ben Webster

El estilo de Hawkins ya era un modelo en la década de 1930 para contemporáneos como Ben Webster y el fallecido Chu Berry , quienes fueron sus sucesores directos en Fletcher Henderson. "Ben Webster incluso logró aumentar este tono (de Hawkins) y la expresividad asociada, mientras que Chu Berry trató de superar a Hawk en su ornamentación".

Más tarde, su sonido influyó en toda una generación (su biógrafo Teddy Doering habla de la "Escuela Hawkins") de músicos de swing, R&B y bop como Illinois Jacquet , Arnett Cobb , Lucky Thompson , Dexter Gordon y Sonny Rollins , así como Don Byas , que vio su fuerza en la creación de baladas, y Eddie "Lockjaw" Davis con su estilo rudo, impulsivo y agresivo de tocar, y finalmente los saxofonistas tenores de blues como Hal Singer , Houston Person , Al Sears , Jack McVea y Jimmy Forrest . por nombrar unos cuantos. Doering también menciona a los saxofonistas de R&B relacionados con Hawkins, como Big Jay McNeely , Bull Moose Jackson o Sam "the Man" Taylor . También hubo numerosos músicos blancos que tocaron en las grandes orquestas de swing, como Sam Donahue , Flip Phillips , Tex Beneke , Vido Musso y Georgie Auld .

Grabaciones significativas

  • 1923 - Dicty Blues (Orquesta de Fletcher Henderson)
  • 1929 - La estampida (Orquesta de Fletcher Henderson)
  • 1929 - Hola Lola, una hora (Mound City Blue Blowers)
  • 1933 - Jamaica Shout - (1a sesión de Coleman Hawkins y su orquesta)
  • 1935 - Ojalá fuera gemelos - (Coleman Hawkins según The Rambles)
  • 1937 - Honeysuckle Rose, Crazy Rhythm, Out of Nowhere, Sweet Georgia Brown (Banda Coleman Hawkins All-Star Jam, París)
  • 1939 - Cuando las luces son bajas (Lionel Hampton y su orquesta)
  • 1939 - Cuerpo y alma - (Coleman Hawkins y su orquesta)
  • 1943 - El hombre que amo - (Quinteto de Coleman Hawkins, con E. Heywood y O. Pettiford)
  • 1944 - On the Bean - (Cuarteto de Coleman Hawkins con Thelonious Monk)
  • 1946 - Bean and the Boys - (con Fats Navarro, JJ Johnson, Milt Jackson, Curly Russell, Max Roach)
  • 1948 - Picasso (CH solo)
  • 1957 - Blues para Yolande (CH, Ben Webster y Oscar Peterson)

Discografía (selección)

Sesión de Coleman Hawkins con Roy Eldridge y Teddy Wilson , durante la cual se grabó "I'm in the Mood for Love" para el sello Keynote el 31 de enero de 1944 . En 1948 el título fue adquirido por Mercury .

En el LP doble Coleman Hawkins, un documental (RLP 12-119) publicado por Riverside , cuenta su vida.

literatura

enlaces web

Commons : Coleman Hawkins  - álbum con imágenes, videos y archivos de audio

Fuentes y notas

  1. ↑ Notas sobre los primeros años en Doering, p. 11 f.
  2. ^ Garvin Bushell y New York Jazz en la década de 1920 . "The Jazz Review" de Nat Hentoff de febrero de 1959, traducido por Arrigo Polillo, p. 396.
  3. ↑ Quotation Doering, p. 27.
  4. ↑ Berendt, p. 118.
  5. ↑ Citado de Polillo, p. 397.
  6. ↑ Citado de Teddy Doering, p. 129.
  7. ↑ Entre otras cosas presentadas en el informe de Mary Lou Williams, que se reproduce en el libro de Nat Hentoffs / Nat Shapiros Jazz said .
  8. ↑ "Kaycee": en los Estados Unidos, acrónimo común de Kansas City
  9. ↑ Mary Lou Williams, citado de Shapiro, Hentoff: Jazz contó. Munich 1958, pág.301 f.
  10. ↑ Allí, en mayo de 1936, hubo una sesión con Ernst Höllerhagen and the Berries en Zurich, en la que se puede escuchar a Hawkins como vocalista ; ver Doering, p. 132.
  11. ↑ Citado de Polillo, p. 399.
  12. ↑ Ambas citas de: Werner Wunderlich - Recordings of the Century of Jazz - Coleman Hawkins: Body and Soul ( Memento del 29 de septiembre de 2007 en Internet Archive )
  13. ^ Después de Gerhard Klußmeier: Jazz en las listas. Otra mirada a la historia del jazz. Liner notes (53/100) y libro complementario para la edición de 100 CD. Membrane International, ISBN 978-3-86735-062-4 .
  14. ↑ Woelfle, p. 11.
  15. ↑ Monk tomó represalias en la década de 1950 al incorporar a Hawkins a su banda cuando estaba grabando el álbum Monk's Music cuando este último tuvo un bajón en su carrera; véase Woelfle, p. 12.
  16. ↑ El precursor de Picasso fue el solo de saxofón tenor Hawk Variations , que Hawkins grabó en enero de 1945; inicialmente apareció solo en Europa en la etiqueta danesa Baronet .
  17. ↑ ver Doering, p. 168.
  18. ↑ Ver Woelfle, p. 13.
  19. ↑ Citado de Huismann / Behrendt, p. 118.
  20. ↑ Quotation Doering, p. 63.
  21. ↑ Citado de A. Polillo, p. 403.
  22. ↑ Citado de A. Polillo, p. 404.
  23. ↑ Ver Chilton, p. 388 f.
  24. ↑ a b cita de Polillo S, p. 395.
  25. ↑ Hawkins en Down Beat en octubre de 1967, citado de Polillo, p. 396
  26. ↑ Citado de Kunzler, p. 492.
  27. ↑ Citado de Kunzler, p. 492.
  28. ↑ Citado de Bohländer, p. 275.
  29. ↑ Polillo, p. 400.
  30. ↑ Ver Polillo, p. 400 f.
  31. ↑ Bohländer, p. 275.
  32. ↑ Citado de Kunzler, p. 403.
  33. ↑ Citado de Kunzler, p. 493.
  34. ↑ Todas las citas, basadas en Doering, p. 91 f.
  35. ↑ Citas de Teddy Doering, p. 93 y sigs.
  36. ↑ Citado de Teddy Doering, p. 95. Doering nombra en este "escuadrón" a los "discípulos de Hawkins" alrededor de Basie, Jimmie Lunceford y Andy Kirk, también saxofonistas tenores como Prince Robinson , Herschel Evans , Dick Wilson , Gene Sedric , Joe Thomas o Buddy Tate .
  37. ↑ Ver Feather / Gitler p. 303.
  38. ↑ Citado de Teddy Doering, p. 96.
  39. ^ Sesiones clásicas de Coleman Hawkins 1922-1947 (Mosaic Records). Consultado el 16 de agosto de 2021 .
  40. ↑ Coleman Hawkins habló en los dos LP sobre sus primeros años, el tiempo con Fletcher Henderson, Europa en los años 30, "Body and Soul", la aparición del jazz moderno , Nueva York: "The Toughest Town" y sus pensamientos sobre el tiempo y rock and roll . Vea jazzdisco.org.
información personal
APELLIDO Hawkins, Coleman
NOMBRES ALTERNATIVOS Halcón (apodo); Bean (apodo)
BREVE DESCRIPCIÓN Músico de jazz estadounidense
FECHA DE NACIMIENTO 21 de noviembre de 1904
LUGAR DE NACIMIENTO San José , Misuri
FECHA DE MUERTE 19 de mayo de 1969
LUGAR DE LA MUERTE Nueva York , Nueva York