Rembrandt van Rijn

Autorretrato , 1660, en Kenwood House , Londres
Firma Rembrandt van Rijn.PNG

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (* 15 de julio de 1606 en Leiden ; † 4 de octubre de 1669 en Amsterdam ), conocido por su nombre de pila Rembrandt , es uno de los artistas barrocos holandeses más importantes y conocidos . Su trabajo cayó en la era de la Edad de Oro , cuando los Países Bajos vivieron un apogeo político, económico y artístico. Rembrandt estudió con Pieter Lastman , abrió su primer estudio en Leiden en 1625 y pronto llamó la atención. En 1631 se trasladó a Amsterdam, donde se convirtió en un artista célebre. Sin embargo, en ocasiones sufrió graves problemas económicos, se declaró en quiebra en 1656 y murió en la pobreza.

Rembrandt trabajó como pintor , grabador y dibujante , dirigió un taller y formó artistas. Su obra incluye, entre otras cosas, retratos , paisajes así como temas bíblicos y mitológicos . Sus obras más conocidas incluyen The Blinding of Samsons , The Night Watch , The Anatomy of Dr. Tulip y Hundertguldenblatt . En sus representaciones históricas, Rembrandt tomó numerosos motivos que no habían sido procesados ​​artísticamente antes, o buscaba nuevas formas de representar motivos tradicionales. Muchas de estas obras se caracterizan por fuertes contrastes luz-oscuridad, razón por la cual se le considera un maestro del Claroscuro .

Rembrandt ya fue recibido durante su vida a través de regrabados y copias de sus cuadros. Después de su muerte, su estilo de pintura colorista fue valorado negativamente en la crítica de arte y la literatura artística del clasicismo , mientras que sus obras gozaron de gran popularidad entre los coleccionistas y alcanzaron altos precios. En el siglo XVIII, Rembrandt encontró sucesores entre artistas alemanes e ingleses. Durante este tiempo su vida estuvo desconcertada y embellecida con leyendas. No fue hasta mediados del siglo XIX que su biografía real se extrajo de esta imagen de Rembrandt a través de la búsqueda de fuentes. El Proyecto de Investigación Rembrandt ha estado investigando las obras de Rembrandt desde la década de 1970 . Los examinó por su autenticidad, de modo que el número de cuadros que se puede demostrar que pintó el propio Rembrandt se ha reducido de lo que supuestamente eran más de 700 a alrededor de 350.

La vida

infancia y educación

Autorretrato, alrededor de 1630, Rijksmuseum Amsterdam

Rembrandt nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, el octavo de nueve hijos. Los padres eran el molinero Harmen Gerritszoon van Rijn y su esposa Neeltgen Willemsdaughter van Zuytbrouck, hija de un panadero . Como muchos otros niños de la ciudad, Rembrandt asistió a la escuela primaria entre 1612 y 1616 y luego, de 1616 a 1620, a la escuela latina estrictamente calvinista . Allí le enseñaron la historia bíblica y los clásicos. Rembrandt también recibió lecciones de retórica, que pueden haber influido en su pintura. Después de ocho años de escuela se matriculó en la facultad de filosofía de la Universidad de Leiden .

Rompió este curso al poco tiempo para comenzar a formarse como pintor. De 1620 a 1624 fue alumno de Jacob Isaacsz van Swanenburgh . El maestro, formado en Italia , se especializó en pintura arquitectónica y la representación escénica del infierno y enseñó a sus alumnos los conceptos básicos de la pintura. El diseño del fuego en los retratos del infierno puede haber despertado el interés de Rembrandt por la representación de la luz. Luego completó un aprendizaje de seis meses con el pintor de historia Pieter Lastman en Amsterdam en 1624 , lo que lo influenció más que su formación anterior. Lastman lo introdujo en la pintura de historia, que ocupaba el puesto más alto en la jerarquía de géneros pictóricos vigente en ese momento. Entrenar con dos maestros no era inusual en ese momento.

Inicio de la vida laboral

El artista en su estudio , 1626-1628, Museo de Bellas Artes , Boston

En 1625, Rembrandt regresó a Leiden. Allí fundó su propio taller con su amigo Jan Lievens . Se dedicó principalmente a la pintura de historia basándose en el modelo de su maestro Lastman y a los estudios fisonómicos . Tres años después hizo un grabado por primera vez y comenzó a recibir alumnos. Ese mismo año, el secretario del gobernador Friedrich Heinrich , Constantijn Huygens , que visitó Leiden en noviembre de 1628, mostró interés por el arte de Rembrandt. Como resultado, apoyó al artista y le dio órdenes. Rembrandt pudo vender dos cuadros a la corona inglesa en 1629 y 1630. La resurrección de Lázaro y Judas trae de vuelta las treinta piezas de plata que fueron copiadas varias veces por otros artistas. El padre de Rembrandt murió el 27 de abril de 1630.

Tras sus primeros éxitos y atraído por la creciente importancia de la capital holandesa, Rembrandt abandonó el estudio de Leiden que dirigía con Lievens en 1631 y se trasladó a Amsterdam . Allí se compró al marchante de arte Hendrick van Uylenburgh , que poseía un gran taller en el que se realizaban copias y restauraciones. Al poco tiempo, Rembrandt recibió retratos de ricos comerciantes. Al año siguiente, el gobernador Friedrich Heinrich compró algunos cuadros de Rembrandt por mediación de Constantijn Huygens y encargó un ciclo de pasión . También en 1632 Rembrandt recibió el encargo de la pintura La anatomía del Dr. Tulp , que completó en el mismo año. Este año se crearon un total de 30 pinturas. Rembrandt probablemente trabajó como gerente de taller para Uylenburgh, porque antes de ser aceptado en el Amsterdam Guild y la independencia asociada, primero tuvo que haber trabajado para otro maestro artesano o en un taller.

Trabajo por cuenta propia y matrimonio

Rembrandt : Saskia van Uylenburgh de perfil, con un rico traje , 1633 / 34–1642,
por Rembrandt van Rijn, óleo sobre madera, Gemäldegalerie Alte Meister, Kassel

El 2 de julio de 1634, Rembrandt se casó con Saskia van Uylenburgh , sobrina de su marchante de arte e hija de un rico patricio . En el mismo año se unió al Gremio de Luke . Esto le permitió formar aprendices y estudiantes como maestro independiente. En 1635 trabajó, entre otras cosas, en los cuadros El sacrificio de Isaac y Sansón amenaza a su suegro . El primer hijo de Rembrandt, bautizado Rombertus (diferente ortografía Rombartus) el 15 de diciembre de 1635, murió a los pocos meses. En 1636, la pareja, que hasta entonces había vivido todavía con el marchante de arte Uylenburgh, se trasladó a Nieuwe Doelenstraat . Además de su actividad artística, Rembrandt comercializó obras de arte allí y acumuló una colección de objetos históricos y científicos, plantas y animales, así como objetos exóticos (objetos de países lejanos como la India). En 1638, Rembrandt demandó a los familiares de su esposa en una demanda por difamación por acusarlos de malgastar dinero. Los familiares de Saskia justificaron esta acusación con el hecho de que su herencia de alrededor de 40.000 florines casi se había agotado. También en ese año nació su primera hija llamada Cornelia, quien falleció poco tiempo después.

El 5 de enero de 1639, Rembrandt compró una nueva casa en Breestraat , que ahora es el Museo Het Rembrandthuis . Para ello, obtuvo un préstamo que quería liquidar en cinco o seis años. La última pintura del ciclo de la pasión se completó en 1639. El año 1640 estuvo marcado por dos golpes del destino para Rembrandt: su segunda hija, que fue bautizada como Cornelia el 29 de julio, murió poco después. La madre de Rembrandt también murió un mes después.

Artísticamente, se produjo un punto de inflexión cuando comenzó a dedicarse a la pintura de paisaje y al aguafuerte de paisajes. Su segundo hijo, Tito, fue bautizado el 22 de septiembre de 1641. Al año siguiente, Rembrandt completó La ronda de noche . Su esposa Saskia murió el 14 de junio de 1642. Este evento marcó un hondo punto de inflexión en la vida de Rembrandt. Si bien los años anteriores se caracterizaron por una alta productividad, su actividad artística ahora se debilitó significativamente. Creó solo algunas pinturas y grabados , como el Hundertguldenblatt , que es una de sus obras más famosas . Además, se identificó fuertemente con su rol paterno y cuidó especialmente a su hijo Titus. Rembrandt también retomó su situación familiar en obras de arte, como el dibujo de un hombre alimentando a un niño. Para que ella lo releve de las tareas domésticas, le llevó a Geertje Dircx , quien desarrolló una relación particularmente cercana con Titus. Ella lo consideró el principal heredero de su testamento cuando enfermó gravemente en 1648. En 1649, Rembrandt contrató al mucho más joven Hendrickje Stoffels .

Problemas económicos y últimos años de vida

El epitafio de Rembrandt en el Westerkerk

Después de que Hendrickje se convirtiera en el nuevo socio de Rembrandt, hubo una disputa con Geertje Dircx. En 1649 lo demandó ante el tribunal por la pensión alimenticia y consiguió que Rembrandt fuera condenado a un pago mayor. Cuando, contrariamente a lo acordado en el tribunal, al año siguiente ella prometió más joyas que había recibido de Rembrandt, él y su hermano recogieron declaraciones incriminatorias en su contra y aseguraron que pasaría cinco años en un reformatorio (el Spinhuis en Gouda ) tuvo que hacerlo.

En 1652 Rembrandt recibió el encargo del mecenas siciliano Antonio Ruffo de pintar el cuadro de Aristóteles con el busto de Homero . A pesar de la buena cartera de pedidos, el producto de la venta de aguafuertes y los honorarios de sus actividades docentes, no pudo pagar sus deudas y tuvo que seguir pidiendo dinero prestado. En 1654, Hendrickje Stoffels fue convocada al consejo de la iglesia de Amsterdam, que la reprendió por vivir indecente con Rembrandt. Dio a luz a la tercera hija de Rembrandt, también llamada Cornelia y bautizada el 30 de octubre de 1654.

Rembrandt firmó su casa con su hijo Tito el 17 de mayo de 1656, antes de que fuera declarado en quiebra poco después. En los dos años siguientes se subastaron la casa y su colección. La deuda no se pudo pagar en su totalidad con los ingresos. Rembrandt luego se mudó a Rozengracht , donde vivían principalmente grupos socialmente desfavorecidos. Allí llevó una vida apartada entre amigos judíos y menonitas . La tutela de Titus fue asumida por Louys Crayers (1623-1688), quien ganó la herencia de Titus de la finca en quiebra en un largo proceso. En 1660, Titus y Hendrickje Stoffels emplearon a Rembrandt en su tienda de arte. Esto le permitió mantener contactos comerciales, continuar tomando asignaciones y enseñar a los estudiantes. Ruffo adquirió el cuadro de Alejandro Magno en 1661 y encargó un cuadro para mostrar a Homero . Hendrickje Stoffels murió en 1663.

En 1665, Tito alcanzó la mayoría de edad y recibió su herencia. Al mismo tiempo, Rembrandt estaba trabajando en el cuadro La novia del judío . Su hijo, que se había casado con Magdalena van Loo seis meses antes, murió tres años después y fue enterrado el 7 de septiembre de 1668. Después de este evento, Rembrandt se mudó con su nuera. Esto dio a luz a su nieto, de quien se convirtió en padrino el 22 de marzo de 1669. Rembrandt murió el 4 de octubre del mismo año. La imagen de Simeón en el templo quedó sin terminar. Rembrandt fue enterrado en Westerkerk el 8 de octubre .

Obras

Se atribuyeron a Rembrandt en la década de 1920 o en parte más de 700 pinturas, los expertos ahora creerán que en su obra se incluyen unas 350 pinturas , 300 aguafuertes y 1.000 dibujos incluidos.

Los temas principales de sus pinturas y grabados son las historias y los retratos, incluidos los autorretratos. Muchas de las pinturas y grabados de historia muestran escenas y mitos bíblicos procesados ​​artísticamente aquí por primera vez o implementan un tema tradicional de una manera significativamente diferente a la que se hizo en los modelos. Además, Rembrandt fue un pintor de retratos exitoso que logró involucrar de manera creíble al retratado en acciones. Los autorretratos dan testimonio de su autoestima y transmiten su examen de su propio envejecimiento. Los grabados en particular lo muestran con diferentes expresiones faciales y gestos y, por lo tanto, también sirvieron para fines de estudio. Rembrandt pintó y grabó solo algunos paisajes y escenas de género . Con la imagen Dead Peacocks , solo se conoce una naturaleza muerta . Rembrandt hizo muchos de los dibujos para sus estudiantes solo con fines de estudio. En algunos también registró pequeños incidentes de su vida privada y otras impresiones.

Rembrandt proporcionó sus primeras imágenes con el monograma RH , luego con RHL , donde la L representa la ciudad de Leiden . A los 26 años empezó a firmar sus obras con Rembrant . Desde principios de 1633 firmó con Rembrandt , la ortografía de su nombre que está muy extendida en la actualidad.

cuadro

Pintura de historia

Descenso de la Cruz , 1633, Alte Pinakothek en Munich

Muchas de las pinturas de Rembrandt pueden asignarse al género de la pintura histórica . Muestran escenas del Antiguo y Nuevo Testamento , mitos o retratos de personalidades históricas. Al hacerlo, Rembrandt desarrolló una representación particularmente condensada de la trama, de modo que los contextos narrativos que se extienden más allá de esta se expresan en la representación de un momento determinado. El enfoque en la historia fue también el resultado de su formación con el famoso pintor de historia Pieter Lastman , en cuyos temas y composiciones Rembrandt se orientó inicialmente. Un ejemplo de ello es el cuadro Lapidación de San Esteban de 1625, que es una de las primeras obras de Rembrandt. Durante mucho tiempo se consideró una pintura de Lastman, cuyo trabajo es estilísticamente muy similar. Rembrandt usó la composición de un cuadro perdido de Lastman con el mismo tema, pero ya hizo uso de su uso típico de la luz y la sombra. Los fariseos y los ancianos en el fondo están brillantemente iluminados como fuerzas impulsoras detrás de la ejecución, mientras que los ejecutores en el primer plano están sombreados. Debe usar este remedio una y otra vez para enfatizar personas y acciones.

Entre 1632 y 1646 Rembrandt realizó un ciclo de siete pinturas de la historia infantil de Jesús y la Pasión . El pedido fue realizado por el gobernador Friedrich Heinrich a través de la mediación de Constantijn Huygens y originalmente comprendía las cinco imágenes Descenso de la Cruz , Erigiendo la Cruz , Ascensión , Sepultura y Resurrección , razón por la cual el nombre se ha consolidado como el ciclo de la Pasión en especialistas. literatura. Rembrandt pintó los dos cuadros Adoración de los pastores y Circuncisión en el templo , que hoy solo se conoce a través de una copia, como complemento de este ciclo. Rembrandt entregó las imágenes a intervalos prolongados ya veces con retraso, por lo que trató de “sobornar” a Huygens con otras imágenes y en este contexto realizó The Blinding Simsons . El marco temporal de la obra también provocó diferencias en las dimensiones de los cuadros, los colores, el tamaño de las figuras y el estilo pictórico en su conjunto, por lo que la serie de cuadros no es una obra homogénea. Al pintar el Descenso de la Cruz , Rembrandt se ocupó de una composición de Peter Paul Rubens , que conocía por un grabado. Rubens había representado el cuerpo de Cristo en paralelo y había dispuesto a todos los ayudantes a su alrededor. Rembrandt cambió fundamentalmente esta estructura. La cruz se coloca en ángulo y la gente se divide en grupos que lloran a Jesús o lo ayudan a sacarlo de la cruz. A la derecha del cadáver, Rembrandt representó a Nicodemo , como era habitual en pinturas históricas comparables; a la izquierda, mostró a María , sostenida por dos mujeres. Su presencia no se remonta a la Biblia, sino que retoma una leyenda surgida en la Edad Media. Rembrandt hizo hincapié en el sufrimiento del Cristo crucificado en la representación. Las huellas ensangrentadas de la coronación de espinas, el clavado y la herida en el costado aún se pueden ver en los barrotes de la cruz. El contraste entre la luz y la oscuridad enfatiza la cruz y el cadáver, así como las manos y los rostros de los dolientes.

El resplandor de Samson , 1636, Städel en Frankfurt am Main
Aristóteles , 1653, Museo Metropolitano de Arte , Nueva York

El cuadro de 205 centímetros de alto y 272 centímetros de ancho The Blinding Simsons es uno de los cuadros más importantes de Rembrandt. Muestra un episodio de la historia del juez Simson , que Rembrandt trató en varias imágenes. Sansón era nazareo , lo que le daba una fuerza especial si cumplía tres condiciones, como la prohibición de cortarse la barba y el cabello. La escena que se muestra aquí sigue al corte de cabello de Dalila , quien lo traicionó a los filisteos . Este aspecto de la trama también se retoma en esta pintura, ya que Dalila está representada en el fondo huyendo con una fregona de pelo y unas tijeras en la mano. Rembrandt también presentó diferentes aspectos de la trama con las otras personas: después de que le cortaron el pelo, tuvieron que tirar a Samson al suelo y atarlo antes de que le arrancaran los ojos. Rembrandt transmitió esto a través de los luchadores, uno de los cuales entra en escena con miedo, otro sostiene a Sansón en el suelo, uno lo ata y el otro le saca los ojos. La acción inmediata del cuadro es el punto culminante de la historia, el cegamiento con el cuchillo penetrante, por el que salpica la sangre. Sin embargo, el espectador puede reconstruir toda la trama a través de la imagen.

Además de esforzarse por transmitir la mayor cantidad de acción posible en sus imágenes, incluso más allá del momento representado, y representar la acción en su apogeo, como el deslumbramiento de Sansón , Rembrandt también incluyó influencias externas de su entorno inmediato en sus historias. Esto se vuelve particularmente claro en el ejemplo de la representación de los judíos. Durante mucho tiempo, Rembrandt usó características físicas asignadas a los judíos solo en representaciones en contextos negativos, como con los sumos sacerdotes , y reforzó estos rasgos faciales tradicionalmente representados. Después de mudarse por bancarrota, estudió directamente sobre modelos judíos por primera vez. Uno de estos estudios es el cuadro Un Cristo después de la vida , en el que pintó al Hijo de Dios, cuya apariencia era similar a la de los modelos holandeses, con rasgos faciales judíos.

En 1653, Rembrandt pintó el histórico Aristóteles de medio cuerpo en nombre del aristócrata siciliano Ruffo , un cuadro que es una de las obras tardías importantes de Rembrandt. Más tarde siguieron dos imágenes más, por orden de Ruffo, que mostraban a Alejandro Magno y Homero . Ruffo se mostró muy satisfecho con el retrato de Aristóteles y lo mencionó con elogios en una carta al pintor Giovanni Francesco Barbieri , quien se suponía iba a hacer una contraparte , porque Rembrandt solo entregó los otros dos cuadros encargados después de una larga demora al comienzo de la obra. 1660. El retrato de Alejandro Magno también fue bien recibido por Ruffo, pero después de un tiempo notó que el lienzo había sido ampliado en tres lados y luego se quejó. Ruffo sintió que el Homero estaba incompleto, por lo que lo devolvió y le pidió a Rembrandt que lo reelaborara. Rembrandt parece haber elegido él mismo los sujetos de los cuadros, puesto que ya presentó los dos siguientes en el retrato de Aristóteles . El filósofo está representado en un momento de reflexión. Ha colocado su mano derecha sobre un busto que representa a Homero. Con la mano izquierda toca una cadena de oro de honor con un retrato de Alejandro el grande a la altura de la cintura. Esto también expresa el conocimiento de Rembrandt del contexto histórico. Aristóteles era un conocedor de las obras de Homero y se las transmitió a su alumno Alejandro Magno.

Retratos y retratos grupales

La anatomía del Dr. Tulp , 1632, óleo sobre lienzo, Mauritshuis en La Haya
Retrato del predicador Johannes Uytenbogaert , 1633, Rijksmuseum Amsterdam

Después de mudarse a Amsterdam, Rembrandt comenzó a pintar más retratos mientras trabajaba en el estudio de Uylenburgh, y con ellos conquistó rápidamente el mercado de este género. El éxito se basó en las experiencias de la pintura histórica, con las que Rembrandt superó a los retratistas establecidos. Involucra al retratado en pequeños actos, como la entrega de una carta por parte de la mujer a su marido en un retrato doble, que da vivacidad a las imágenes. Rembrandt también logró reproducir la piel humana de una manera particularmente realista. En comparación con otros retratistas, Rembrandt se tomó más libertades, por lo que sus cuadros muestran menos similitudes en las características físicas en comparación con otros retratos de la misma persona. Las dos líneas “Esta es la mano de Rembrandt y el rostro de De Gheyn. Asombro. Lector, esto es de Gheyn y no lo es ”. Por el poeta Constantijn Huygens en el retrato de su amigo Jakob de Gheyn el Joven es criticado como una crítica al retrato de de Gheyn por Rembrandt o como un reflejo de que un retrato no es la persona retratada, pero sólo se interpreta una imagen de él.

El primer retrato de grupo pintado por Rembrandt, que marcó su gran avance como retratista, es la pintura de 169,5 centímetros de alto y 216,5 centímetros de ancho La anatomía del Dr. Tulp , que fue creado en 1632 poco después de mudarse a Amsterdam en nombre del conferenciante de los cirujanos ' gremio , Nicolaes Tulp . Muestra una conferencia pública de anatomía que era común y popular en ese momento. Rembrandt no representó a las personas retratadas en fila, como era la tradición, sino que las representó reunidas alrededor del cadáver. Se expone el tendón del antebrazo izquierdo y el cirujano lo levanta con las tenazas mientras da su conferencia. Con la excepción de Tulps, que está sentado en un sillón, todas las figuras que pueden identificarse como miembros del gremio están de pie y se muestran en poses típicas para seguir una conferencia. Rembrandt muestra la mirada concentrada en el hablante, así como una mirada en el libro de texto en la esquina inferior derecha de la imagen o la muestra experta de la preparación. Así, todas las figuras se unen en un evento común. Los rasgos faciales individuales se resuelven más claramente de lo que requiere la situación, lo que parece una pose exagerada para el observador actual. Sin embargo, con el tiempo Rembrandt abandonó esta exageración.

Un ejemplo de los retratos individuales creados al comienzo del período de Amsterdam es el retrato del predicador Johannes Uytenbogaert de 130 centímetros de alto y 103 centímetros de ancho , que fue pintado por Rembrandt en 1633 en nombre de la congregación Remonstrant . Muestra al pastor Johannes Uytenbogaert , que había regresado a los Países Bajos por un corto tiempo de su exilio. Anotó en su diario del 13 de abril de 1633 que fue modelo para Rembrandt todo el día. Partes del cuadro, como las manos, no provienen del propio Rembrandt, sino que fueron pintadas por un empleado del estudio. Esta práctica apareció en algunos de los retratos de Rembrandt, ya que no era raro que diferentes pintores trabajaran en una imagen en talleres de retratos.

Retrato de una dama con una pluma de avestruz , realizado en la década de 1660, Galería Nacional de Arte , Washington, DC

Una de las pinturas más famosas de Rembrandt es el retrato de grupo La ronda de noche , pintado en 1642. La imagen de 363 centímetros de alto y 437 centímetros de ancho era del gremio de fusileros encargado, que se mudó a una nueva casa club y las joyas del salón de banquetes ordenaron varios retratos de grupo. Rembrandt cumplió este mandato como lo hizo con la anatomía del Dr. Tulp atando lo retratado en una trama. El capitán Frans Banning Cocq da las órdenes de marcha al teniente Willem van Ruytenburgh, que ahora las transmite. El capitán y el teniente se sitúan en el centro del primer plano como punto de partida de la trama. Los miembros individuales de la compañía han notado la orden y se están preparando para marchar. La actividad del gremio está simbolizada por tres tiradores que muestran diferentes fases del disparo. En primer plano a la izquierda alguien está metiendo el rifle, detrás del teniente se ve el fogonazo de un fusilero disparando y a la derecha del teniente un anciano sopla pólvora gastada de la mecha. En la mitad izquierda de la imagen, Rembrandt representó a dos niñas que aparecen como sutlers y de las cuales solo la de enfrente puede reconocerse como una alegoría . Lleva un pollo en su cinturón, cuya garra era el símbolo del gremio de pistoleros , el cuerno para beber del gremio y un pastel . La imagen se refiere a la celebración de la comunidad gremial con una comida juntos. La insinuación de Rembrandt de otras figuras en el fondo da la impresión de que está presente toda la compañía, que no solo incluía a los tiradores, sino también a los portadores de lanzas y a los portadores de lanzas. La pintura muestra un despliegue normal del gremio, razón por la cual títulos como el de Capitán Frans Banningh Cocq dando a su lugarteniente la orden de desplegar la compañía civil estuvieron generalizados durante mucho tiempo . Sólo cuando las capas de barniz se oscurecieron y, por lo tanto, la imagen apareció como una escena nocturna, el título La ronda de noche se estableció a finales del siglo XVIII . Varios rumores y anécdotas rodean el cuadro, como que los retratados son miembros de un grupo de teatro o que la reputación de Rembrandt como retratista se ha deteriorado debido a la inusual composición del cuadro. Estas especulaciones son rechazadas por la investigación.

El retrato de 99,5 centímetros de alto y 83 centímetros de ancho de una dama con una pluma de avestruz es un ejemplo de los retratos de mujeres de Rembrandt y sus retratos en la última década de su vida. Desde principios de la década de 1660, Rembrandt experimentó un aumento en el número de estos encargos después de un largo período con algunos encargos de retratos. Todas estas obras se caracterizan por un fuerte claroscuro y una actitud tranquila por parte de los asistentes. El retrato de la mujer desconocida que sostiene una pluma de pavo real está formado por dos triángulos claros. El superior incluye la cabeza y los hombros, el inferior los antebrazos, las manos y la pluma. Ambos están separados por una zona negra de ropa. Esto se destaca solo ligeramente del fondo, que también es oscuro.

Autorretratos

Autorretrato , 1640, National Gallery of Art , Londres

A lo largo de su vida, Rembrandt realizó retratos que lo muestran con diferentes gestos y diferentes expresiones faciales así como en diferentes roles. Se representó a sí mismo "casi cincuenta veces en color, veinte veces en aguafuertes y unas diez veces en dibujos".

Rembrandt se estudió a sí mismo principalmente al comienzo de su carrera, cuando realizó grabados que lo representan en varios estados emocionales con las posturas y el lenguaje corporal asociados. En su trabajo posterior, en cambio, realizó cada vez más retratos que tenían su edad como tema o en los que asumió roles históricos.

El autorretrato de 1640 de 102 centímetros de alto y 80 centímetros de ancho muestra a Rembrandt sobre un fondo claro y neutro, por lo que la figura se enfatiza particularmente. Viste ropa de seda y brocado . El abrigo está adornado con un cuello de piel . Una estola pesada y preciosa yace sobre el brazo que descansa sobre una barrera . Rembrandt usa una boina como sombrero . El rostro está pintado de medio perfil con expresión melancólica . La mirada se dirige hacia el espectador de la imagen. La firma Rembrandt f. 1640 es visible en la esquina inferior derecha de la imagen de la barrera . Con el estilo de pintura perfecto y la representación de la persona retratada, esta imagen se asemeja a obras de Rafael o Tiziano .

El envejecimiento de Rembrandt se puede rastrear en sus retratos. Las imágenes lo muestran con cabello ralo y arrugas crecientes. Sin embargo, no solo se retrató a sí mismo, sino que también se colocó en parte en un contexto narrativo más amplio al asumir roles históricos. Un ejemplo de esto es el autorretrato del apóstol Pablo de 1661. Muestra a Rembrandt con ropa oscura sobre un fondo predominantemente oscuro. Solo la esquina superior izquierda de la imagen, donde se adjunta la firma, es más clara. El turbante blanco que usa como tocado es la sección más clara de la imagen. Rembrandt tiene una copia del Antiguo Testamento en su mano ; las letras que se muestran se basan en la escritura hebrea . La espada como atributo típico del apóstol Pablo de Tarso , que fue ejecutado con uno de estos, solo se indica por su pomo. Otro cuadro de esta fase creativa es el autorretrato como Zeuxis hacia 1663/64, que durante mucho tiempo se consideró una representación de Demócrito . En la antigüedad, Demócrito fue considerado el filósofo risueño , debido a su doctrina de la buena voluntad como el bien supremo. La interpretación como Demócrito también estuvo vinculada a la interpretación de que Rembrandt veía su envejecimiento de manera positiva. Sin embargo, según el estado actual de la investigación, esta imagen muestra a Zeuxis de Herakleia , que murió de un ataque de risa mientras pintaba un retrato de una mujer fea. Por tanto, la imagen también podría simbolizar el conocimiento de Rembrandt de su propia arrogancia y mortalidad. Sin embargo, esta interpretación tampoco se considera segura. Se alega que los exámenes de rayos X encontraron que Rembrandt solo sonrió y no se rió en una versión anterior de la imagen.

Paisajes

Paisaje con edificios , 1642-1646, Louvre en París

La lista de inventario de insolvencia de Rembrandt de 1656 enumera doce pinturas de paisajes de su mano, ocho de las cuales han sobrevivido según los conocimientos actuales. Además, se le atribuyen 32 aguafuertes y numerosos dibujos que representan paisajes. Durante la vida de Rembrandt, las pinturas de paisajes se clasificaron en retratos e historia en la jerarquía tradicional de géneros y, en consecuencia, fueron más baratas. El propio Rembrandt se habrá visto a sí mismo como un pintor de historia. Dibujó paisajes mientras caminaba por los alrededores de Ámsterdam más bien para su disfrute personal. Esto explica por qué creó solo unas pocas pinturas de paisajes que también difieren significativamente de las de sus contemporáneos.

En el período comprendido entre 1636 y 1655, Rembrandt pintó algunos cuadros de paisajes , lo que no significa necesariamente que estos cuadros no contengan figuras. La mayoría de ellos muestran paisajes de fantasía, solo una minoría fueron pintados de manera realista por Rembrandt. En contraste con sus dibujos y grabados, que en su mayoría muestran paisajes amplios, abiertos y realistas, las pinturas aparecen en su mayoría inmóviles y estrechas. En contraste con las historias y los retratos, las pinturas de paisajes de Rembrandt se diferenciaron mucho de las pinturas tradicionales de este género. Tuvieron una influencia limitada en los artistas posteriores en Inglaterra alrededor del año 1800. Mientras que muchos artistas italianos y artistas que emulaban a los italianos eligieron paisajes de la antigüedad romana o griega , Rembrandt a menudo pintó aquellos que pueden ser más cercanos al área israelí . Como los pintores de paisajes idealizados, Rembrandt no plasmó la realidad en sus cuadros, pero fue aún más lejos al prescindir también de la base del estudio de la naturaleza para pintar el cuadro.

Un ejemplo de los paisajes fantásticos es el cuadro Paisaje con edificios , que Rembrandt creó entre 1642 y 1646. Es la composición paisajística más clásica entre sus obras y probablemente se basa en el paisaje con la Huida a Egipto de Annibale Carracci de 1604 , una pintura que Rembrandt pudo haber conocido como una copia. En ambas imágenes, un grupo de edificios domina el horizonte. Una parte está iluminada por el sol, la otra está a la sombra. Los edificios se integran en el paisaje en términos de color y composición de tal manera que parecen pertenecer naturalmente a él. En primer plano se puede ver un río con un puente sobre él. Es posible que Rembrandt no haya completado la pintura y por lo tanto no se integren figuras en el cuadro.

Uno de los paisajes realistas es el paisaje invernal de 17 × 23 centímetros de 1646. El pequeño formato y la ejecución sugieren que se basa en un dibujo. La representación del clima y las nubes se basa en la realidad. El primer plano de la imagen está relativamente vacío. En su esquina izquierda hay un hombre, en su mitad derecha hay otras tres figuras. En términos de ejecución, este paisaje no es tan representativo y magnífico como muchos otros paisajes invernales que se crearon en los Países Bajos en el siglo XVII.

dibujos

La Última Cena , 1635, Museos Nacionales de Berlín
Susanna en el baño , alrededor de 1637, museos estatales de Berlín
Pintura de Susana y los dos ancianos , 1647

De los numerosos dibujos que Rembrandt realizó a lo largo de su vida, han sobrevivido alrededor de 1.000. Vendió solo algunos de estos dibujos, la mayoría de ellos con fines de estudio. Se trataba de bocetos, dibujos preliminares, trazos de dibujos y recuerdos que estaban a disposición de sus alumnos en el taller, ordenados por tema. Algunos dibujos muestran que Rembrandt estaba más preocupado por ciertos problemas. En la segunda mitad de la década de 1630, por ejemplo, se dedicó a la simetría y la asimetría en la obra de Leonardo da Vinci La última cena . Esto lo supo Rembrandt a través de un grabado y lo impulsó a estudiar la estructura de este cuadro en varios dibujos. Rembrandt transfirió los conocimientos adquiridos de esta manera al cuadro Sansón en la mesa de bodas, abandonando el acertijo que se basa en la Cena del Señor en la composición.

Con el tiempo, Rembrandt se ocupó repetidamente de la representación de ciertos temas, como la historia de Susanna en el baño . Un ejemplo de la puesta en práctica de esta historia bíblica es el dibujo de Susana en el baño realizado con tiza roja , que se realizó hacia 1637. En cuanto a la composición, se basa en una pintura de historia de Pieter Lastman , con quien Rembrandt había estudiado. Según la historia bíblica, Susanna es acosada por dos viejos jueces y se le da la opción de hacer lo suyo o ser calumniada. Rembrandt se hizo cargo de la gran distribución del cuadro, la agrupación de las figuras y elementos pictóricos esenciales de Lastman en su dibujo a tiza. La principal diferencia con el original radica en el desarrollo posterior de la escena, con Rembrandt enfatizando el carácter del diálogo. Utiliza el lenguaje corporal de los dos ancianos para transmitir las alternativas de Susanna: el de la izquierda señala la cerradura como amenaza de difamación y acusación, el de la derecha atrae a Susanna con el dedo. Susanna le da a este último una mirada desdeñosa, lo que demuestra su rechazo a la sugerencia.

La investigación más reciente de Rembrandt ya no ve una gran parte de los dibujos en su obra tardía principalmente como el "carácter de dibujo preliminar" originalmente asumido; ahora se consideran obras de arte autónomas. Una de las técnicas favoritas de Rembrandt fue el tubo de Bourdon , a menudo lavado con tinta marrón .

Aguafuertes

El paisaje con los tres árboles , 1643, Museo Het Rembrandthuis en Amsterdam
Las tres cruces , 1653, Rijksmuseum de Amsterdam

Rembrandt creó alrededor de 300 aguafuertes, 80 de los cuales han sobrevivido planchas de cobre. Su difusión a través de reproducciones contribuyó a la fama del artista en toda Europa durante su vida. Los primeros grabados de Rembrandt muestran claras diferencias de estilo con sus contemporáneos y sugieren que se acercó a este género artístico como un autodidacta . La técnica de Rembrandt fue más libre que la de otros artistas, que se acercaron al grabado en cobre con líneas regulares y rayado para que sus grabados parezcan más vívidos. Con el juego de la luz y la oscuridad y la perspectiva creada por diferentes tramados, les dio un carácter pictórico.

El paisaje con los tres árboles de 1643 es una de las primeras representaciones realistas de paisajes de Rembrandt, después de crear paisajes heroicos con obeliscos , cascadas y castillos en sus pinturas anteriores . Ahora se concentró en la inmensidad del paisaje y la representación de las nubes. El aguafuerte El paisaje con los tres árboles muestra el paisaje llano típico de los Países Bajos después de una tormenta.

El grabado de 38,5 centímetros de ancho y 45 centímetros de alto Las Tres Cruces de 1653 muestra una interpretación de la escena del Calvario , un tema tradicional del cuadro que Rembrandt abordó desde un nuevo punto de vista. Se centró en las reacciones de los presentes ante la muerte de Jesús y el posterior terremoto y las tres cruces. Rayos de luz surgen del cielo, enfatizando el carácter sagrado del grabado en su estructura geométrica. Iluminan a Jesús y al buen ladrón , mientras que el segundo ladrón permanece en la oscuridad. Rembrandt presentó el efecto en las personas presentes de diferentes maneras, por ejemplo, el capitán cayó de rodillas, mientras que en el borde izquierdo del cuadro en primer plano se lleva a un hombre abrumado. El diseño de este hombre fue tomado por Rembrandt de un grabado de Lucas van Leyden , que muestra la conmoción de Paul después de su conversión. Además, las mujeres han caído al suelo y la mayoría de los personajes representados muestran sentimientos de desesperación, miedo y dolor de alguna manera. En él, Rembrandt recibió principalmente representaciones del Renacimiento y la antigüedad .

colección

Dibujando a Rembrandt según una miniatura india de su colección como modelo para el grabado visita Los tres arcángeles sirvió el patriarca Abraham

Rembrandt probablemente comenzó a construir su extensa colección de diversos objetos y obras de arte en Leiden. A partir de 1628, se pueden encontrar objetos exóticos y etnológicos reproducidos con precisión en las obras de Rembrandt, lo que sugiere que la colección también se utilizó con fines de estudio e incluyó accesorios de estudio. Pero también podría haber sido un suministro de objetos valiosos que estaban destinados a la venta, ya que Rembrandt también era comerciante de arte . Con el reclamo enciclopédico de la colección, Rembrandt también podría querer distinguirse en los círculos más altos de la sociedad.

La colección se dividió en dos áreas, por un lado en la naturalia como corales duros y conchas , por otro lado en la artificialia , que incluía objetos como monedas , armas , instrumentos musicales y moldes de yeso de bustos de filósofos y filósofos griegos. Emperadores romanos. Rembrandt dividió la colección de obras de arte en pinturas, arte en papel, grabados en cobre y xilografías . Incluía, entre otras cosas, pinturas de maestros que tuvieron una fuerte influencia en él, como Pieter Lastman y su círculo, Hercules Seghers y artistas que eran amigos o que estaban relacionados estilísticamente, como Jan Lievens . Rembrandt también poseía obras de Palma Vecchio , Lucas van Leyden , Raffael y Peter Paul Rubens . Los grabados en cobre proceden, por ejemplo, de Hans Holbein el Joven y Martin Schongauer . Un álbum completo estaba lleno de grabados y xilografías de Lucas Cranach el Viejo . Además, estaban representados en la colección Tiziano , Mantegna , Miguel Ángel , Annibale y Agostino Carracci .

Como resultado de su quiebra, Rembrandt también tuvo que desprenderse de su colección. Sobre la base de los inventarios elaborados antes de la subasta, aún hoy se conoce la extensión de la colección y las obras y objetos que contiene. Poco tiempo después, cuando se había mudado a un pequeño apartamento, adquirió una nueva colección. Esto sugiere que coleccionar era una especie de obsesión para Rembrandt . El Museo Het Rembrandthuis de Amsterdam presenta una reconstrucción de la colección de alrededor de 1650. Se basó en los inventarios, que también asignaron espacialmente las exhibiciones.

Importancia y secuelas

Taller y alumno

Entre 1628 y 1663, Rembrandt formó estudiantes en su taller. En Leiden, su estudio estaba en la casa de sus padres, por lo que no había separación entre el hogar y el trabajo. Su primer alumno allí en febrero de 1628 fue Gerard Dou , quien más tarde se haría famoso con sus pinturas y retratos de género . Isaac Jouderville siguió en noviembre del mismo año . En Amsterdam, Rembrandt trabajó por primera vez en el taller del marchante de arte Hendrick van Uylenburgh hasta que se unió al Gremio de San Lucas en 1634 y, por lo tanto, se le concedió el derecho a dirigir su propio taller y aceptar estudiantes. En su casa instaló su estudio en el primer piso y el taller en el que trabajaban sus alumnos en el segundo piso, bajo el techo. Para los estudiantes, las pequeñas salas de trabajo estaban separadas por tabiques móviles. Tenían acceso a dibujos, grabados y pinturas de su maestro, que copiaban o reproducían en variaciones libres. Rembrandt vendió esta obra, que complementaba los 100 florines que los padres habían pagado durante un año. La matrícula era muy alta teniendo en cuenta que Rembrandt no ofrecía a los estudiantes ni alojamiento ni comida. Después de completar su aprendizaje, algunos estudiantes permanecieron como asistentes en el taller de Rembrandt.

Se desconoce el número exacto de estudiantes. Los primeros biógrafos de Rembrandt han transmitido los nombres de unos 20 de ellos. Los registros de los alumnos de Rembrandt en los gremios de Leiden y Amsterdam se perdieron. Hoy su número se estima en alrededor de 50. Del artista alemán Joachim von Sandrart , que vivió en Amsterdam de 1637 a 1645, se dijo que “innumerables” jóvenes estudiaron y trabajaron con Rembrandt. Esta afirmación sugiere un mayor número de estudiantes. Los estudiantes incluyeron a Carel Fabritius , Ferdinand Bol , Willem Drost , Gerbrand van den Eeckhout , Govert Flinck , Arent de Gelder , Samuel van Hoogstraten , Nicolaes Maes , Jürgen Ovens , Lambert Doomer y Franz Wulfhagen .

Respeto y conciencia

Monumento a Rembrandt en Amsterdam

Rembrandt alcanzó la fama nacional y la fama desde el principio. El viajero inglés Peter Mundy , que estuvo en Holanda en 1640, anotó en su diario que “había numerosos artistas destacados en este país, algunos aún existen, por ejemplo Rembrandt”. Un año más tarde, el primer biógrafo de Rembrandt e historiador de la ciudad de Leiden, Jan Janszoon Orlers, escribió sobre Rembrandt “que se ha convertido en uno de los pintores más reconocidos de nuestro siglo”. La corona inglesa adquirió dos de sus cuadros ya en 1629 y 1630, y el conocimiento de sus obras se extendió por gran parte de Europa a través de los grabados. Rembrandt vendió tres cuadros al siciliano Antonio Ruffo , quien los incluyó en una lista de los cien cuadros más bellos de su colección.

Después de la muerte de Rembrandt, la opinión de su obra se dividió. La concepción clásica del arte dominó entre 1750 y 1850 en Italia, Francia, los Países Bajos e Inglaterra y contrastaba con el colorismo , al que pueden asignarse artistas como Caravaggio y Rembrandt. En la Teutsche Akademie , publicada en 1675, el pintor alemán Joachim von Sandrart acusó a Rembrandt de "no observar las reglas del arte - anatomía, proporción, perspectiva, las normas de la antigüedad y el arte del dibujo de Rafael - y de haber combatido la formación sensible". en las academias ”Sandrart también calificó a Rembrandt de inculto y criticó su colección de arte, que anteriormente había elogiado en su biografía, por lo que el público ahora la consideraba inútil. En 1681 Anries Pels publicó el poema didáctico Gebruik en Misbruik des Toneels (Uso y abuso del teatro) , en el que también se dedicó a la pintura y se refirió a Rembrandt como "el primer hereje (más famoso) de la pintura" porque había rechazado su "Someter pinceles famosos a las reglas". El escritor de arte Arnold Houbraken fue aún más lejos en su obra Groote Schouburgh de 1718 al inventar supuestas citas de Rembrandt e información biográfica inexacta, así como difundir leyendas. En este punto, los hechos sobre la vida de Rembrandt se habían olvidado en gran medida. Por lo tanto, se infirió de sus imágenes que tenía un estatus social bajo y un mal carácter. Esto se trasladó a su concepción artística. En el artículo de aproximadamente 20 páginas, en el que pueden haber estado involucrados varios autores además de Houbraken, se hizo referencia a muchas de las críticas y reseñas anteriores. La dura crítica es contrarrestada por el hecho de que las obras de arte de Rembrandt eran populares entre los coleccionistas. En París, en la segunda mitad de los siglos XVII y XVIII, cuando los artistas activos allí crearon composiciones ideales suaves, había un gran mercado para los realistas holandeses y, sobre todo, Rembrandt. Debido al aumento de los precios de sus obras, cada vez llegan más falsificaciones al mercado del arte. El interés existente llevó al marchante de arte francés Gersaint a compilar un primer catálogo de aguafuertes de Rembrandt en 1751, lo que equivalía a una obra pionera en la historia del arte.

Los cuadros de Rembrandt también fueron bien recibidos en Alemania e Inglaterra y fueron adquiridos tanto por la burguesía como por la aristocracia. Sus obras alcanzaron precios tan altos en Inglaterra que el marchante de arte británico John Smith compiló el primer catálogo de pinturas en 1836. Los cuadros de Rembrandt, sus alumnos y sucesores, representados en colecciones de toda Europa, inspiraron a los sucesores de Rembrandt en el siglo XVIII. En Alemania, el pintor Januarius Zick se ocupó del vestuario de las figuras y la pintura de claroscuro en las pinturas de Rembrandt, en Inglaterra Joshua Reynolds adquirió pinturas que Rembrandt había pintado y se basó en el esquema de color, en Italia Giovanni Battista Tiepolo se ocupó de las composiciones de von Rembrandt. grabados, y los poetas de Sturm und Drang , un movimiento en la literatura alemana desde 1770 hasta alrededor de 1785, elogiaron los elementos populares y naturales del arte de Rembrandt.

Anciana con capucha , 1632, subastada por más de $ 28 millones en diciembre de 2000

Después de la construcción de monumentos a Alberto Durero en Alemania y Peter Paul Rubens en Bélgica, se inauguró un monumento de Rembrandt en Ámsterdam en 1853. Incluso si esto fue principalmente por motivos patrióticos , el resultado fue un renovado interés por Rembrandt entre los historiadores del arte. Por primera vez, su vida fue investigada a fondo, con documentos encontrados en archivos que muestran que las publicaciones anteriores contenían una gran cantidad de información errónea. En 1854 apareció la primera monografía histórico- artística sobre Rembrandt, cuyo autor Eduard Kolloff conocía de sus propios ojos muchas de sus obras. La base de la investigación actual de Rembrandt radica en estos desarrollos.

Importantes historiadores del arte como Abraham Bredius y Wilhelm von Bode realizaron investigaciones sobre Rembrandt y su entorno. Jan Emmens corrigió la imagen de Rembrandt como un rompedor de las reglas del arte de su tiempo, a lo que fue hecho principalmente por la literatura de arte clásico, mostró referencias históricas y entró en el trabajo de estudio de Rembrandt y sus modelos artísticos. Christian Tümpel se ocupó de las representaciones históricas mal interpretadas y aún no interpretadas de Rembrandt y el Proyecto de Investigación Rembrandt trabajó para aclarar la autoría de sus pinturas y la de quienes lo rodeaban.

El éxito de Rembrandt en el mercado del arte es ininterrumpido. Sus obras han obtenido altos resultados en subastas en los últimos años. El 13 de diciembre de 2000, el retrato de La anciana con capucha, pintado en 1632 , fue subastado en Christie's de Londres (lote número 52) por 19.803.750 libras, el equivalente a 28.675.830 dólares. El retrato de 1633 A Gentleman in a Red Skirt de la colección de la Bellagio Gallery of Fine Art en Las Vegas fue convocado el 26 de enero de 2001 en Christie's en Nueva York (número de lote: 81) y vendido por $ 12,656,000 por el marchante de arte. Noortmann adquirió. El 25 de enero de 2007, se ofrecieron dos fotografías en Sotheby's en Nueva York, de las cuales el retrato Una mujer con gorra negra (Lote No.: 6) de 1632 por $ 9,000,000 y El Apóstol James (Lote No.: 74) datando de 1661 fueron subastados por $ 25,800,000. El retrato de Un hombre con los brazos en la cadera (número de lote: 12) de 1658, que era propiedad de Barbara Piasecka Johnson y se vendió en Christie's en Londres el 8 de diciembre de 2009 , se vendió por £ 20,201,250, o £ 33,210 $ 855 la más alta. precio de una obra de Rembrandt.

Problema de atribución y trabajo del Proyecto de Investigación Rembrandt

El hombre del casco de oro , atribuido al círculo de Rembrandt, Gemäldegalerie en Berlín.

Determinar la autoría de las obras de Rembrandt ya era difícil para sus contemporáneos, ya que en ocasiones son difíciles de distinguir de las de otros artistas como Govert Flinck , Jan Lievens o Aert de Gelder . Además, en el taller se realizaron copias y variantes, de modo que, por ejemplo, se conocen diez versiones de Judas Arrepentidas que no pueden asignarse claramente a un artista en concreto. En algunos casos, se pueden utilizar documentos de archivo , menciones literarias o reproducciones de grabados para determinar el autor, pero esto no es particularmente confiable. Además, existen estudios científicos de las obras y el conocimiento de las características específicas de calidad y estilo del artista, según las cuales se pueden determinar coincidencias y desviaciones en comparación con obras indocumentadas. Sin embargo, están sujetos a aspectos subjetivos.

A principios del siglo XX, se generalizó una práctica de adscripción optimista, que definió ampliamente los rasgos estilísticos para la evaluación de una pintura como una obra autógrafa de Rembrandt. Desde 1968, un grupo de expertos reunidos en el Proyecto de Investigación Rembrandt evalúa las imágenes atribuidas a Rembrandt. Dividieron las obras en tres categorías: Categoría A incluye pinturas cuya autoría es confirmada por Rembrandt, Categoría B, aquellas cuya autoría Rembrandt no es segura, pero tampoco se puede negar, y Categoría C incluye obras cuya autoría Rembrandt no está confirmada y que puede ser asignado a su área. La asignación de algunas obras a la categoría respectiva no ha sido indiscutible. En 1982, de los tres cuadros pintados sobre planchas de cobre dorado, Soldado riendo de Mauritshuis , Anciana rezando de la Residenzgalerie y un autorretrato del Museo Nacional Sueco , todos con un formato pequeño similar, con la Anciana rezando sólo el cuadro pintado con mayor precisión como se explica con autenticidad. En el catálogo de la exposición El joven Rembrandt. Acertijos sobre sus inicios , que se pudieron ver en 2001 en Ámsterdam y Kassel, pero los otros dos cuadros también se contaron como el núcleo seguro de las obras auténticas de la obra de Rembrandt de 1627 a 1629. El Proyecto de Investigación de Rembrandt redujo el número de obras auténticas de Rembrandt a alrededor de 350 y publicó sus resultados de investigación en cuatro catálogos hasta el momento. Una de las depreciaciones más destacadas es el retrato de El hombre del casco dorado en la Gemäldegalerie de Berlín . No se ha probado con certeza, pero existe la hipótesis de que fue realizado por el pintor de Augsburgo Johann Ulrich Mayr , quien trabajó temporalmente en el taller de Rembrandt, ya que el casco provenía de una armería de Augsburgo. También existe la hipótesis de que el autor de este retrato no se encuentra en el taller, sino en la zona más amplia de Rembrandt. Los dibujos también se vieron afectados por una gran cantidad de cancelaciones, mientras que los grabados estuvieron en gran parte exentos de trabajos escolares e imitaciones.

Además de la cuestión de la autenticidad de las obras de Rembrandt, el Proyecto de investigación de Rembrandt también tiene nuevas perspectivas sobre el taller y la enseñanza de Rembrandt y los hallazgos de archivo sobre la biografía del artista, los modelos y las primeras procedencias de sus obras. Además, ha recopilado en una base de datos una gran cantidad de conocimientos científicos sobre las obras de Rembrandt, como los pigmentos, aglutinantes y bases de pintura utilizados. Además, se obtuvieron muchas indicaciones sobre el proceso de pintado con rayos X e irradiación de neutrones.

recepción

cuadro

El trabajo de Rembrandt sirvió de inspiración para muchos artistas; algunos de ellos fueron copiados o utilizados como modelo para su propio trabajo. Esto comenzó en vida de Rembrandt. Un ejemplo es el pintor Gerrit Lundens , que realizó varias copias de La ronda de noche y transfirió la composición a sus propias obras. Hasta la fecha se conocen un total de diez obras de este tipo de Lundens. Su copia, que se realizó entre 1642 y 1649 y se encuentra en la National Gallery de Londres, también muestra el estado original de la obra de Rembrandt antes de que se redujera de tamaño y se oscureciera. Otra recepción contemporánea de esta imagen es una acuarela en el álbum familiar de Frans Banningh Cocq, que fue creado alrededor de 1650. Además de tales copias, también hubo muchos grabados de las obras de Rembrandt en circulación, lo que le dio a conocer en toda Europa. En la época barroca, por ejemplo, Rembrandt ejerció influencia sobre otros retratistas como Johann Kupetzky .

Después de la muerte de Rembrandt, su influencia en las generaciones posteriores de artistas no disminuyó, por lo que creó repetidamente obras inspiradas en sus pinturas y grabados. Uno de los sucesores de Rembrandt en el siglo XVIII fue Christian Wilhelm Ernst Dietrich , que no imitó a Rembrandt, sino que presentó sus composiciones de una manera más narrativa y retomó el drama de Rembrandt. Incluso Max Liebermann fue influenciado por Rembrandt. En sus primeros trabajos , se pueden discernir influencias de Rembrandt, a quien Liebermann fue acercado por su maestro Ferdinand Pauwels en el Kassel Fridericianum . Durante su estancia en Amsterdam en 1876, Liebermann le presentó los grabados de Rembrandt en el Rijksmuseum y los copió en dibujos a pluma. Entre otras cosas, copió un grabado que muestra un retrato de la madre de Rembrandt. El artista gráfico francés Rodolphe Bresdin también se refirió a los grabados de Rembrandt , que emulaba su modelo al representar el brillo en contraste con la negrura. Otro artista que quedó impresionado por la obra de Rembrandt fue Vincent van Gogh , que apreciaba especialmente La novia del judío . Pintó algunos cuadros basados ​​en las obras de Rembrandt. También Édouard Manet copió la anatomía del Dr. Tulp fue una obra de Rembrandt y Pablo Picasso hizo referencias a Rembrandt en algunas de sus obras. Rembrandt y sus obras también influyeron en muchos otros artistas como Hans von Marées , Ilja Repin , Wilhelm Leibl , Franz von Lenbach , Max Slevogt , Eugène Delacroix y Gustave Courbet . La expresividad de los autorretratos de Rembrandt también influyó en varios artistas como Francisco de Goya y Anton Raphael Mengs en sus propias autorretratos.

Las imágenes de Rembrandt también fueron procesadas por Glenn Brown , quien a menudo incluía pinturas de artistas famosos en sus obras. Su obra Joseph Beuys (después de Rembrandt) de 2001 se basó en un retrato de Rembrandt. La artista Devorah Sperber recreó el autorretrato de Rembrandt de 1659, que cuelga en la Galería Nacional de Arte de Washington, en una instalación Después de Rembrandt a partir de carretes de hilo en una vista detallada pixelada. En 1999, Hiroshi Sugimoto realizó una impresión en gelatina de plata de Rembrandt van Rijn mostrando una figura de cera basada en el autorretrato de 1659 en la National Gallery de Londres.

literatura

La persona de Rembrandt ha sido objeto de varias novelas históricas . En 1934, el autor de origen ruso Valerian Tornius publicó la novela Entre la luz y la oscuridad . El enfoque de este libro está en el contraste entre los éxitos de Rembrandt y su descenso material a la muerte en la pobreza. Además, su homenaje como genio juega un papel central. Varias novelas tratan de la relación de Rembrandt con la religión como Die Sendung des Rembrandt, Harmenszoon van Rijn de Meta Scheele de 1934 y Rembrandt y el gran misterio de Dios de Kurt Schuder de 1952. En el libro Light on Dark Ground. Una novela de Rembrandt de Renate Krüger , publicada en 1967, trata sobre el traslado de Rembrandt al barrio judío de Ámsterdam y su relación con los vecinos del lugar.

El libro El asistente del pintor: una novela de Rembrandt , escrito por Alexandra Guggenheim , trata sobre el estudiante ficticio de Rembrandt, Samuel Bol. El pintor recibe el encargo de crear un retrato de un anatomista en el trabajo, pero no hay ningún cadáver de una persona ejecutada. Cuando finalmente tiene lugar la conferencia, se diseca el cuerpo de un pequeño ladrón, lo que hace sospechar a Bol. A pesar de esta historia criminal , uno de los principales focos de la novela es el trabajo de Rembrandt como pintor, su estilo y la elección de motivos. También en 2006 apareció la novela Van Rijn de Sarah Emily Miano , en la que aparece el viejo y desamparado Rembrandt, cuyo estudio visitó el joven editor Pieter Blaeu en 1667. En la novela también se retoman otros personajes relacionados con Rembrandt.

En la novela Die Farbe Blau, Jörg Kastner narra las experiencias del pintor Cornelius Suythof durante la investigación de una conspiración contra los Países Bajos en 1669. Suythof es descrito como alumno de Rembrandt. El propio Rembrandt juega un papel fundamental como pintor en la historia. Suythof termina casándose con la hija de Rembrandt, Cornelia.

La novela El pintor y la niña de la escritora holandesa Margriet de Moor ilumina dos historias ficticias de Elsje Christiaens y el artista que capturó a la mujer muerta en el Calvario con un dibujo.

Película

Rembrandt van Rijn ha aparecido en varias películas. Así se realizó la película Rembrandt en 1936 bajo la dirección de Alexander Kordas , cuyo guión fue escrito por Carl Zuckmayer y June Heart . La película intentó trasladar la técnica pictórica de Rembrandt a la orientación de la imagen y comenzó tras la muerte de su esposa. El papel principal fue interpretado por Charles Laughton . La película Ewiger Rembrandt , dirigida por Hans Steinhoff , siguió en 1942 , en la que el pintor fue encarnado por Ewald Balser . Presenta en parte la concepción cultural nacionalsocialista y se ocupa de la creación del cuadro La ronda de noche , cuyo contenido se basa en la novela Entre la luz y la oscuridad de Valerian Tornius. En 1954 realiza el cortometraje nominado al Oscar Rembrandt: un autorretrato .

En las décadas de 1970 y 1980, se produjeron algunas películas para televisión que tenían a Rembrandt como tema. En 1999 siguió la película Rembrandt , en la que Klaus Maria Brandauer interpretó al pintor bajo la dirección de Charles Mattons . La película aborda muchos de los aspectos biográficos de Rembrandt y presenta su visión de la pintura. El documental de 55 minutos Die Rembrandt GmbH de 2006 trata sobre el trabajo del Rembrandt Research Project y el logro artístico de Rembrandt, mientras que la película de Peter Greenaway de 2007 Nightwatching , en la que Martin Freeman interpretó a Rembrandt, proporciona una representación históricamente incorrecta de la persona que la eligió y la usó. mucho más como superficie de proyección para su propio arte cinematográfico. Greenaway interpreta el disparo realizado en la Guardia de la Noche como un asesinato, la banda del maestro del gremio como la cola del diablo y la niña insertada como una alegoría como la hija ilegítima de un miembro del gremio. La afirmación de que Greenaway había encontrado una nueva interpretación de la imagen fue contradicha por el experto en Rembrandt, Ernst van de Wetering .

Obras (selección)

Esta lista contiene 32 obras de Rembrandt, que representan una sección representativa de su obra pictórica. La selección se basa en el libro Rembrandt de Michael Kitson , que fue publicado en 2007 por Phaidon Press en Nueva York.

imagen Título (año de creación) Tamaño, material Exposición / colección / propietario
Rembrandt Harmensz.  van Rijn 150.jpg Lapidación de San Esteban
(1625)
89,5 cm × 123,6 cm
óleo sobre tabla
Musée des Beaux-Arts
de Lyon
Rembrandt Harmensz.  van Rijn 154.jpg Tobias sospecha de robo a su esposa
(1626)
39,5 cm × 30 cm
óleo sobre madera
Rijksmuseum
en Amsterdam
P1150002 Cognacq - Jay Rembrandt anesse de Balaam rwk.jpg Balaam y el burro
(1626)
65 cm × 47 cm
óleo sobre madera
Petit Palais
en París
Rembrandt Harmensz.  van Rijn 145.jpg La alabanza de Simeón
(1631)
61 cm × 48 cm
óleo sobre madera
Mauritshuis
en La Haya
Rembrandt - La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp.jpg La anatomía del Dr. Tulipán
(1632)
216,5 cm × 169,5 cm
óleo sobre lienzo
Mauritshuis
en La Haya
Rembrandt Harmensz.  van Rijn 051.jpg Saskia como Flora
(1634)
125 cm × 101 cm
óleo sobre lienzo
Ermita
en San Petersburgo
Rembrandt-Belshazzar.jpg La cena de Belsasar
(1635/1639)
209 cm × 167 cm
óleo sobre lienzo
Galería Nacional
de Londres
Rembrandt Harmensz.  van Rijn 054.jpg Sepultura de Cristo
(1635)
32 cm × 40,5 cm
óleo sobre madera
Museo y galería de arte Hunterian
en Glasgow
Rembrandt van Rijn - Un noble polaco.jpg Un noble polaco
(1637)
96,8 cm × 66 cm
óleo sobre madera
Galería Nacional de Arte en Washington, DC
Rembrandt - Dead Peacocks.jpg Pavos reales muertos
(1639)
145 cm × 135,5 cm
óleo sobre lienzo
Rijksmuseum
en Amsterdam
Rembrandt Harmensz.  van Rijn 080.jpg Retrato de Agatha Bas
(1641)
104 cm × 82 cm
óleo sobre lienzo
Palacio de Buckingham
en Londres
El erudito en el atril
El erudito en el atril

(1641)

105,7 centímetros x 76,3 centímetros

óleo sobre madera

Castillo Real de Varsovia

en Varsovia

Rembrandt Girl in a Picture Frame.jpg
La chica del sombrero

(1641)

105,5 cm × 76 cm

óleo sobre madera

Castillo Real de Varsovia

en Varsovia

La ronda de noche, de Rembrandt van Rijn.jpg La ronda de noche
(1642)
437 cm × 363 cm
óleo sobre lienzo
Rijksmuseum
en Amsterdam
Rembrandt Harmensz.  van Rijn 025.jpg Cristo y la adúltera
(1644)
83,8 cm × 65,4 cm
óleo sobre madera
Galería Nacional
de Londres
Rembrandt Harmensz.  van Rijn 152.jpg Susana y los dos ancianos
(1647)
76,5 cm × 92,8 cm
óleo sobre madera
Galería de imágenes
en Berlín
Rembrandt los cien florines Print.jpg La hoja de los cien florines (Cristo a quien se
traen los niños pequeños

) (1647–1649)
Aguafuerte de
punta seca de 27,8 cm × 38,8 cm
Rijksmuseum
en Amsterdam
Rembrandt Harmensz.  van Rijn 023.jpg Cristo en Emaús
(1648)
68 cm × 65 cm
óleo sobre madera
Louvre
en París
Rembrandt Harmensz.  van Rijn 048.jpg Un Cristo después de la vida
(1648)
25 cm × 21,5 cm
óleo sobre madera
Galería de imágenes
en Berlín
Rembrandt Harmensz.  van Rijn 097.jpg Retrato de Jan Six
(1654)
112 cm × 102 cm
óleo sobre lienzo
Collectie Six
en Amsterdam
Rembrandt Harmensz.  van Rijn 060.jpg Hendrickje bañándose
(1655)
61,8 cm × 47 cm
óleo sobre madera
Galería Nacional
de Londres
Rembrandt - De Poolse ruiter, c.1655 (Colección Frick) .jpg El jinete polaco
(1655)
115 cm × 135 cm
óleo sobre lienzo
Colección Frick
en la ciudad de Nueva York
Rembrandt Harmensz.  van Rijn 062.jpg Bendición de Jacob
(1656)
211 cm × 178 cm
óleo sobre lienzo
Galería de imágenes de los viejos maestros
en Kassel
Rembrandt Harmensz.  van Rijn 008.jpg Conferencia anatómica del Dr. Deyman
(fragmento)

(1656)
100 cm × 134 cm
óleo sobre lienzo
Museo
de Amsterdam en Amsterdam
Rembrandt La-negación-de-pedro-1660.jpg El rechazo de San Pedro
(1660)
154 cm × 169 cm
óleo sobre lienzo
Rijksmuseum Amsterdam
en Amsterdam
Rembrandt van Rijn - Zoon Titus de Rembrandt en Monniksdracht (Rijksmuseum Amsterdam) .jpg Tito, hijo de Rembrandt
(1660)
79,5 cm × 67,7 cm
óleo sobre lienzo
Rijksmuseum Amsterdam
en Amsterdam
Rembrandt Harmensz.  van Rijn 157.jpg Dos jóvenes africanos
(1661)
78 cm × 64,5 cm
óleo sobre lienzo
Mauritshuis
en La Haya
Bataafseeed.jpg La conspiración de Julius Civilis
(fragmento)

(1661/1662)
196 cm × 309 cm
óleo sobre lienzo
Museo Nacional Sueco
en Estocolmo
Rembrandt Harmensz.  van Rijn 092.jpg Retrato del jefe del gremio de
teñidores (1662)
191,5 cm × 279 cm
óleo sobre lienzo
Rijksmuseum
en Amsterdam
Rembrandt Harmensz.  van Rijn 142.jpg Autorretrato como Zeuxis
(1663)
82,5 cm × 65 cm
óleo sobre lienzo
Wallraf-Richartz-Museum
y Fondation Corboud

en Colonia
Autorretrato de Rembrandt (Kenwood) .jpg Autorretrato
(1665)
114 cm × 94 cm
óleo sobre lienzo
Kenwood House
en Londres
Rembrandt Harmensz.  van Rijn - Portret van een pareja como figuras del Testamento de Oud, llamado 'Het Joodse bruidje' - Proyecto de arte de Google.jpg La novia del judío
(alrededor de 1666)
121,5 cm × 166,5 cm
óleo sobre lienzo
Rijksmuseum
en Amsterdam

literatura

ordenados alfabéticamente por autores / editores

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