Notación (música)
Cuando se llama notación en música, la detención gráfica de parámetros musicales como el tono , la duración y el volumen en una notación desarrollada principalmente de notas existentes . Por un lado, sirve para documentar piezas musicales ya conocidas por escrito y, por lo tanto, reemplaza en parte la tradición con audiciones o audiciones. Los rodillos y discos en el órgano de barril y la caja de música también se pueden ver como documentación de una melodía , pero aparte de eso, hasta la invención de la grabación de sonido , la notación musical era la única forma de capturar música además de la memoria. El segundo gran uso de la notación musical es expresar nuevas melodías y otras ideas musicales exclusivamente por escrito. Solo la posibilidad de transmitir una idea sin tener que realizarla ellos mismos permite a los individuos crear obras extensas y complejas.
La notación musical occidental moderna
Elementos de la notación
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Sistema de línea y tono
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Los elementos gráficos de música moderna notación son inicialmente el sistema de notación compuesta de cinco líneas, en la que, además de información sobre el tempo , compás , la dinámica y la instrumentación, las notas que deben tocarse se muestran en forma de notas que se leen de izquierda a derecha. Las diferentes duraciones de las notas están representadas por diferentes formas de notas ( valores de nota ), los tonos están definidos por la posición vertical. Dos duelas representan la distancia de un tercero ; la distancia entre una nota que se encuentra entre las líneas y una nota que se encuentra en una de las líneas vecinas es de un segundo . La clave al principio de cada sistema define un tono de referencia para una determinada línea del pentagrama, de la cual se pueden derivar los otros tonos: en la ilustración, el tono g ' en la segunda línea desde la parte inferior. En la imagen, no solo puede leer el espaciado relativo de las notas (tercera y segunda), sino que también puede deducir de la clave de sol que se refieren a las notas a'-c '' y a'-h ' . Para los sonidos que son demasiado altos o bajos, para encontrar espacio en las líneas se utilizan guías .
En las piezas musicales polifónicas es habitual colocar varios pentagramas uno debajo del otro, cada uno de los cuales contiene una voz , de modo que los eventos musicales simultáneos se disponen uno encima del otro. Entonces se habla de una partitura . Los sistemas de línea para tonos más graves suelen tener una clave de fa que, a diferencia de la clave de sol, marca la f pequeña como tono de referencia en la segunda línea desde arriba.
Un ejemplo practico
El siguiente ejemplo de una representación simplificada del comienzo del clásico de Johann Strauss "Sobre el hermoso Danubio azul" (¿ ) puede explicar los conceptos básicos de la notación musical moderna:
- En la parte superior izquierda suele estar la designación del tempo , a menudo en italiano, que aquí significa "tempo de vals". Debajo o junto a él, puede haber la especificación más específica del metrónomo en BPM ( latidos por minuto ) , aquí 142 cuartos de latido por minuto .
- La indicación de la marca de tiempo define el cuarto como el tiempo básico de la melodía: el tiempo de tres cuartos tiene su foco al comienzo del compás, el tiempo principal es seguido por dos tiempos más antes de uno nuevo.
- La línea de barras indica el comienzo del siguiente compás .
- Se deja en el sistema de la tecla táctil , en este caso, la clave de sol, indicando que la segunda línea más baja representa el tono g ' . A la derecha están los
- Signo accidental : Las dos cruces en las líneas de la f '' y c '' indican que los dos tonos f y c en todas las octavas se incrementan en un semitono, es decir , deben tocarse como fa sostenido y c sostenido , de los cuales, entre otros cosas. con alguna probabilidad de resultado de Re mayor o Si menor como posibles claves del tono real del vals). Estas alteraciones se aplican a todo el sistema siempre que no se sobrescriban temporalmente con otras alteraciones (hasta el final del compás) o (normalmente en relación con una barra doble) se sustituyan por otras alteraciones generales. La clave y las alteraciones se anotan nuevamente al comienzo de cada pentagrama.
- El músico primero debe leer y procesar todos los factores enumerados hasta ahora antes de tocar la primera nota: una negra en la nota d ' , cuya dinámica (volumen) está indicada por el mf ( mezzo forte italiano , medio alto, normal volumen ) a continuación . En este caso, una barra de compás sigue inmediatamente después de la primera nota, antes de que termine una barra completa de tres cuartos de tiempo. La pieza no comienza con la primera parte acentuada, sino con la tercera parte átona del compás, un preludio .
- La siguiente negra (nuevamente d ' ) ahora suena en el primer tiempo del siguiente compás. Ella es a través de uno
- Legato - o ligadura relacionada con las siguientes notas f sostenido ' y a' , que no deben ser rearticuladas , sino que deben tocarse junto con la anterior.
- En el siguiente compás hay media nota a ' que dura los dos primeros tiempos y un
- Sigue la nota de cuarto. En este punto, hay dos cabezas de nota una encima de la otra en las posiciones f sostenido '' y a '' , lo que significa que estos dos tonos deben sonar al mismo tiempo. También hay un punto staccato arriba que indica una articulación particularmente corta. Después de tocar este dos tonos nuevamente al comienzo del siguiente compás, uno sigue
- Pausa la duración de un cuarto de tiempo. Con el siguiente preludio, el motivo anterior se repite un tercio más bajo.
- Debajo de las últimas tres barras hay una horquilla decrescendo que exige que se reduzca el volumen; también se podría escribir “decresc.” o “dim.” ( diminuendo ) . Como regla, bajo el sistema en cursiva, se escriben aquellas instrucciones que se relacionan con la dinámica y el carácter de la interpretación, encima de las notas hay información sobre el tempo en negrita, como "acel." ( Accelerando ) o " un tempo ".
historia
Notación musical antigua y no europea
Hay muchos indicios de que en el antiguo Egipto desde el tercer milenio antes de Cristo Chr. Existía una especie de notación musical y otras naciones intentaron detener la escritura musical.
La primera notación completamente desarrollada y ahora completamente descifrada es la griega, cuya primera aparición, según diversas fuentes, se remonta al siglo VII a. C. A.C. o solo alrededor del 250 a.C. Debe estar fechado. Esta notación musical usaba letras, posiblemente nombradas por las cuerdas del kithara , para el tono y marcaba la duración del tono con símbolos escritos sobre ellas . Ha sobrevivido en muchos fragmentos , pero solo hay una composición que está completamente conservada de esta manera por una inscripción, el epitafio de Seikilos , que fue tallado en una lápida cerca de Éfeso en el siglo II d.C.
En Europa, la notación griega se perdió con la caída del Imperio Romano ; su posterior descifrado solo fue posible con la ayuda de escritos teóricos musicales romanos de los primeros siglos después del cristianismo. Con qué rapidez se olvidó esta tradición, sin embargo, muestra la siguiente cita del Padre de la Iglesia y obispo Isidoro de Sevilla de sus Etimologías (hacia 625), en la que afirma que es imposible escribir música:
"Nisi enim ab homine memoria teneantur, soni pereunt, quia scribi non possunt"
"Porque si los humanos no los recuerdan, los tonos pasan porque no se pueden escribir".
Fuera de Europa, se desarrollaron sistemas de notación , especialmente en China , Japón e India , que a menudo notaron la melodía en caracteres más pequeños al lado o encima del texto cantado, pero dejaron mucha libertad rítmica. Aparte de eso, los guiones de tablatura también se utilizaron para composiciones instrumentales. La notación musical árabe , que se usó desde el siglo XIII , tiene sus raíces principalmente en la tradición griega que todavía se transmitía allí, pero que apenas se desarrolló porque predominaba el carácter improvisador de la música.
En general, se puede decir que, aparte de los griegos, para la mayoría de las personas la notación musical sirvió más como una ayuda para la memoria para la música en gran parte improvisada y menos como un medio para preservar melodías para la posteridad. El sistema de notación más preciso se desarrolló en Europa también porque la música improvisada, más libre, pasó a un segundo plano a favor de la tradición eclesiástica de salmos y corales compuestos y ritualmente repetibles .
Neumes
A mediados del siglo IX , se desarrolló un nuevo tipo de escritura musical para el canto gregoriano en los monasterios europeos , que utilizaba neumas como símbolos que se anotaban sobre el texto. Representaban la visualización de los movimientos ondulantes del maestro de coro o del cantante ( griego νεύμα neuma , alemán 'wink' ), por lo que un solo neume representaba una determinada frase melódica. Sin embargo, se utilizaron diferentes símbolos gráficos en diferentes países y monasterios. La fuente más antigua de esta notación se encuentra en la Musica disciplina de Aurelian von Réôme hacia el año 850. Aún no se han descifrado fragmentos de neumas visigóticos de la Península Ibérica con fechas anteriores . El misal Lambach que se muestra al lado data de finales del siglo XII , el original del cual se encuentra en la abadía de Melk .
Guido de Arezzo
Las líneas se agregaron gradualmente a la nueva notación adiastemática sin líneas , inicialmente dos pentagramas de colores para las notas f y c para marcar los pasos de semitono e - f y b - c . Para registrar con precisión los pasos de tono entre líneas, Guido von Arezzo agregó una tercera línea entre las líneas f y c a principios del siglo XI . Se inventó el sistema de tercios, con el que se puede identificar con precisión cada paso diatónico. Guido también recomendó, según el uso, colocar una cuarta línea por encima o por debajo de las tres líneas.
En lugar de los colores, Guido ahora usa letras (c o f) al comienzo de un sistema para marcar una de las posiciones de los medios tonos. Con esto, Guido también había inventado la clave . Principalmente usó una c minúscula para configurar la c ' . La f se usó con menos frecuencia, pero ha resistido la prueba del tiempo como F o clave de fa.
Guido reconoció en lecciones prácticas que esta notación ahora diastemática todavía contiene una debilidad didáctica. Aunque las relaciones modales de los pasos de tono permanecen relativamente iguales, se nombran de manera diferente según el tono. Por lo tanto, Guido también inventó la solmización relativa , en la que tanto el paso de semitono e - f como el paso de semitono h - c (más tarde también a - b ) se cantan con las mismas sílabas tonales “mi - fa”.
Por tanto, los servicios de Guido tienen una motivación didáctica. Con el sistema de tercera línea, visualizó los pasos de tono exactamente por primera vez; usa la solmización relativa para nombrar funcionalmente los pasos de semitono para que los estudiantes siempre los articulen y los canten de la misma manera; Finalmente, con la mano de Guidonic , Guido incluye la mano de “comprensión” en el proceso de aprendizaje. Este conjunto de diferentes estímulos es tan efectivo que los educadores musicales todavía utilizan el método de Guido, al menos desde un punto de vista didáctico, sin cambios hasta el día de hoy.
El punto de solmización no es reemplazar la notación absoluta, sino simplemente imprimir las relaciones relativas de los tonos en la memoria, similar a la forma en que se usan los números arábigos para denotar melodías (1 = siempre raíz), o los números romanos para denotar armonías. (I. = Tónico). El significado y la necesidad de la notación diastemática no son cuestionados de ninguna manera por estas medidas didácticas.
En la época de Guido y durante mucho tiempo después, cuatro líneas solían ser suficientes, sobre todo para cantar. Esto no solo se debió a la pequeña variedad de corales, sino también a las claves flexibles. Hicieron posible encajar el rango de una voz o una melodía en el sistema de líneas. El vierlinige Neumensystem con C-key es, junto con el Neumen, la notación cuadrada en la música de la iglesia que todavía se usa en la actualidad. Al igual que en la notación moderna, las líneas auxiliares se han utilizado y se utilizan para notas particularmente altas o bajas . Este tipo de notación con cuatro pentagramas continuos todavía se puede encontrar en los libros corales en la actualidad .
Los sistemas con más o menos líneas pronto se utilizaron para otros fines y diferentes instrumentos musicales . El moderno sistema de cinco líneas se originó en Francia en el siglo XVI , pero otras grafías continuaron hasta el siglo XVII . La clave de C preferida por Guido ha sido reemplazada en muchas áreas por las claves de F y G, que prácticamente solo se usan en forma de clave de sol y clave de fa.
Notación modal
Para poder registrar específicamente el ritmo en la notación, la notación modal se desarrolló en Europa Occidental durante la llamada época de Notre Dame en el siglo XII hasta principios del siglo XIII . A diferencia de la notación que se utiliza hoy en día, esta no se basa en tiempos individuales en la estructura de compás , sino en seis ritmos elementales (modos) que se basan en compases de métrica griega . Cada modo se describe mediante una ligadura (grupo de 2 a 4 notas) en notación cuadrada .
Notación mensural
Dado que la notación modal solo permitía un número fijo de ritmos diferentes, pronto surgió la necesidad de una reforma, especialmente para la escritura de música puramente instrumental. Con la introducción de la notación mensural (negra) en el siglo XIII ( Ars Nova ), el ritmo también se notó mediante el uso de diferentes valores de nota . Los valores de las notas en ese momento se llamaban Maxima, Longa, Brevis, Semibrevis, Minima y Semiminima, su relación métrica exacta dependía de la escala utilizada y el valor de las notas vecinas.
En el siglo XV , la ampliación de los manuscritos hizo que el llenado de las cabezas de nota requiriera demasiado tiempo, se usó demasiada tinta preciosa y el papel usado era más delgado y podía romperse más fácilmente si estaba demasiado húmedo: el llamado Se creó la notación mensural blanca. El ennegrecimiento solo se hizo para identificar valores de nota particularmente pequeños (ver las páginas opuestas de un motete de Loyset Compère, probablemente compuesto en 1472 ).
Notación de ritmo
En 1280 Franco von Köln desarrolló la primera notación rítmica precisa, que encontró expresión en obras complejas que, contrariamente al uso en ese momento, eran hostiles a la improvisación. Se basa en la división (perfecta) de tres y de dos direcciones (imperfecta) de las longitudes de las notas. (Se relacionaron con la longitud del brevis poniéndolos entre corchetes en puntos).
El Ars Nova fue capaz de crear obras complejas (polirrítmicas) con isoperiódicas (tenor) e isorrítmicas en los períodos .
En el Renacimiento franco-flamenco, el complicado ritmo del Ars Nova se simplificó nuevamente a proporciones más simples.
Además, el ritmo en su patrón básico determinaba la forma a la que se atribuía un cierto carácter en las danzas, que se resumían y estandarizaban en suites.
Con la notación mensural, se consolidó la notación rítmicamente exacta (hasta el período romántico temprano (tripletes y subdivisiones superiores), cuanto más difícil parece la notación, más joven es). Quantz especificó el punteado inicialmente impreciso en el barroco al término de uso común hoy en día (la trisección ).
La firma de tiempo moderna
En el siglo XV también se comenzaron a compartir duelas con líneas verticales, las llamadas Mensurenstriche, en secciones. Sin embargo, estas partes no eran compases en el sentido moderno, ya que la música de esa época tenía patrones muy irregulares, sino que se usaban para indicar en partituras en qué puntos las diferentes voces debían tocar o cantar al mismo tiempo.
Hacia finales del siglo XVII , se introdujo el sistema rítmico moderno con firmas de tiempo y líneas de compás , que tomó los valores menores de la notación mensural blanca como notación musical.
Puede verse en la historia de la notación moderna que su desarrollo surgió principalmente de los requisitos de la música cantada y, de hecho, a menudo se escucha que no es adecuada para la escritura de música instrumental. Los numerosos intentos de reforma del sistema de notación en los dos últimos siglos han fracasado, ya sea por la actitud conservadora de los músicos o porque los sistemas de nuevo diseño eran menos adecuados que el antiguo. Para ciertas áreas especializadas también hay notaciones alternativas, algunas de las cuales se basan en tradiciones antiguas.
La notación de la escritura a mano a la impresión por computadora
Copistas
El desarrollo de la notación fue similar a la historia de la palabra escrita. Después de los textos musicales cincelados en piedra o rayados en arcilla, la tinta y el papel pronto se convirtieron en el medio ideal.
Los manuscritos más o menos legibles de varios compositores pueden decir mucho sobre su personalidad, simplemente compare el uniforme y la caligrafía controlada de Johann Sebastian Bach (que se muestra en la parte superior) con el extracto adyacente de la Sonata en mi mayor op.109 de Ludwig van Beethoven . Hasta el día de hoy, descifrar los autógrafos es un trabajo de experto difícil cuando es necesario distinguir si hay un punto entrecortado o solo una mancha de tinta, o si, como suele ser el caso de Franz Schubert , las etapas gráficas intermedias de la cuña de acento. a diminuendo tenedor se debe reproducir adecuadamente en el momento de la impresión.
Cuando el compositor había escrito la partitura de una nueva obra orquestal, el trabajo de los copistas era copiar las partes de los instrumentos individuales, lo cual era una obra que consumía mucho tiempo. Si la pieza solo se terminó en el último momento, tenía que hacerse rápidamente, y de muchos testimonios contemporáneos conocemos descripciones de “partituras aún húmedas” de las que los músicos tocaron un estreno mundial .
Tipografía
Después de la introducción de la impresión tipográfica , los músicos comenzaron a experimentar con esta técnica e imprimieron a partir de plantillas grabadas o cortadas de madera y metal. Posteriormente, el principio de la tipografía móvil también se trasladó a la impresión de partituras , como puede verse en la ilustración adyacente de Missa Papae Marcelli de Palestrina . En 1498, el veneciano Ottaviano Petrucci inventó la impresión de partituras con tipos móviles; su invención convirtió a Venecia en el centro europeo de la impresión de partituras durante las próximas décadas. Las publicaciones de Pierre Attaingnant fueron de particular importancia para la notación con tipos móviles y libremente combinables . Por primera vez, las obras musicales pudieron aparecer en grandes ediciones y hacerse accesibles a un público más amplio. Sin embargo, la gran mayoría de la música siguió reproduciéndose a partir de material escrito a mano.
Grabado de nota
En el siglo XVIII , el grabado con planchas de cobre se difundió cada vez más en Francia y, gracias a su calidad excepcional, pronto cobró popularidad entre las principales editoriales de música de Europa. El complicado trabajo del grabador consiste en organizar la división de los sistemas y medidas con todas sus etiquetas y símbolos adicionales en la hoja de tal manera que el jugador pueda leer un todo legible orgánicamente con lugares adecuados para pasar las páginas, y este diseño. en la placa de grabado ( plomo - estaño - antimonio - aleación ) hay un contorno invertido. El proceso de perforación real se lleva a cabo con una trama con la que se dibujan a la vez las cinco líneas paralelas del personal, varios punzones de acero y otras herramientas de raspado y perforación. Una piedra de litografía usada sirve como base . Las claves, alteraciones, notas, arcos pequeños, corchetes y todo el guión están estampados con acero. Tenga en cuenta que los tallos, las barras, las líneas de las barras pequeñas y los arcos más grandes están grabados con grabadores de acero (correspondientes a los del grabado en cobre ). Los crescendos y las líneas de barras largas a través de varios sistemas se dibujan con el llamado gancho de tracción. Antes de la impresión final, se realiza una denominada impresión verde ( proceso de impresión tipográfica ) para su corrección. Al corregir, el lugar incorrecto se marca en la parte posterior de la placa de grabado con la ayuda de unos alicates curvos. Luego, el cable del área defectuosa se eleva con la ayuda de una punta de clavo. Después de varios procesos de alisado y desbarbado, se puede realizar la corrección, es decir, el símbolo correspondiente ahora se puede llevar al lugar correcto. La producción de una página de partitura demora entre 8 y 12 horas, dependiendo del contenido.
litografía
Entre 1796 y 1798, Alois Senefelder desarrolló un proceso de impresión plana basado en piedra caliza de Solnhofen , que era adecuado para la reproducción rápida y económica de partituras. El proceso más tarde se conoció como litografía o impresión en piedra y fue adoptado por muchos artistas.
Proceso de fricción estática
Una forma especial de producción de partituras consistía en el hecho de que el grabador marcaba las líneas de notas correspondientes y el texto en una caja de cartón. A continuación, esta plantilla se colocó en el método de la luz ( fotocomposición colocada) en una película. Luego se frotaron llaves, notas, cuellos, etc. sobre esta película de la misma manera que las conocidas letras adhesivas. En términos de calidad, este método era inferior al grabado convencional. El tiempo necesario para producir una hoja de música era aproximadamente equivalente al de un grabado de una hoja de música, pero se eliminó la exposición al plomo del grabador. Este procedimiento se utilizó en la RDA desde alrededor de 1978.
Máquina de notación musical
Alrededor de 1900, el vienés Laurenz Kromar desarrolló el Kromarograph , un dispositivo automático de notación musical para grabar improvisaciones en el piano. Este desarrollo había sido precedido por intentos similares desde el siglo XVIII, que, sin embargo, en contraste con el desarrollo de Kromar, no habían conducido a resultados satisfactorios. “El Kromarograph no solo cumple su propósito de grabar de manera rápida y precisa improvisaciones o composiciones, sino que la corriente eléctrica utilizada proporciona una imagen exacta del juego, registra de manera verificable e implacable la veracidad del mismo como cualquier error cometido”.
Conjunto de notas de computadora
Los primeros experimentos para usar computadoras para imprimir notas se llevaron a cabo ya en la década de 1960 , y se han obtenido resultados serios desde la década de 1990 . Además de los programas de notación musical de código cerrado como Finale , PriMus , Score , Sibelius o capella , que están reemplazando cada vez más la música grabada a mano incluso en editores de música reconocidos, también existen soluciones de código abierto como LilyPond , MuseScore , MusiXTeX o ABC y ABC Plus .
Programas como Logic o Cubase se utilizan hoy en la música popular . Se trata de elaborados programas secuenciadores en los que también se han integrado funciones de impresión de billetes, pero que casi nunca cumplen con los requisitos profesionales y hacen que las ediciones estéticamente convincentes de música popular sean una rareza. Sin embargo, estos programas secuenciadores pueden ayudar a reducir el esfuerzo requerido para algunas de las notaciones musicales de alta calidad con los programas de composición tipográfica enumerados anteriormente: los archivos MIDI de piezas grabadas se pueden exportar, que se pueden importar a programas de composición tipográfica; la partitura solo necesita ser adaptada, no creada desde cero.
Por lo general, resulta más agradable tocar con notas escritas a mano o establecidas por un compositor de música experimentado. Una tendencia particularmente negativa se percibe como el hecho de que, por razones de costo, los editores emiten cada vez más calificaciones que no han sido establecidas por profesionales del marketing sino por personas no profesionales y, por lo tanto, no siempre cumplen con altos estándares. Este suele ser el caso de la música popular o educativa, p. Ej. Por ejemplo, el autor de una escuela ha configurado su trabajo por completo y lo envía para imprimir con un diseño terminado.
Sistemas de notación alternativos
Tablatura
Las tablaturas (huellas dactilares) se desarrollaron antes que la notación musical moderna y se usaban para instrumentos punteados , de cuerda y de teclado , y más raramente para instrumentos de viento de madera . Los laudistas y guitarristas en particular conservaron la digitación hasta finales del siglo XVIII. Las tablaturas de guitarra volvieron a utilizarse en el siglo XX.
El comienzo de la canción "Todos los pajaritos ya están allí" se muestra a la derecha. Los símbolos de ritmo en tablaturas para instrumentos de laúd (ver tablaturas de laúd históricas ) no denotan valores de nota individuales, sino la duración hasta que se toca la siguiente nota. En la tablatura de guitarra moderna, sin embargo, se pueden designar los valores de los tonos individuales (ver tablatura de guitarra moderna ).
Un tipo especial de tablatura es el sistema de notación Klavarskribo ("escritura de teclado") desarrollado en 1931 , una notación para instrumentos de teclado que fue desarrollada por el holandés Cornelis Pot. Klavarskribo se anota verticalmente de arriba a abajo. Los grupos de dos o tres líneas cada uno representan las teclas negras, los símbolos de nota están dispuestos en o entre estas líneas.
Nombres de tonos
En textos sobre música o en ausencia de papel musical, las notas de una melodía a menudo se describen usando sus nombres de notas . Se pueden usar mayúsculas y minúsculas y la separación de sílabas o la indexación para asignar una designación de octava clara a un tono . Para el vals del Danubio en el ejemplo anterior, podría verse así: "3/4: d¹ | d 1 f # 1 a 1 | a¹ “ etc. En lugar de f sostenido , también se puede escribir f ♯ , así como a ♭ en lugar de bemol. Sin embargo, tenga en cuenta los nombres de los tonos en otros idiomas , cuya falta de conocimiento puede dar lugar a malentendidos.
En los formatos de texto digital en particular, se ha desarrollado una notación corta alternativa que, basada en el teclado estándar de 88 teclas , cuenta las octavas de abajo hacia arriba, comenzando con C. La contra-C ('C) es la primera C en el teclado, por eso se llama C1. La c de cinco tiempos (c '' '' ') , la tecla más alta, es la octava C del teclado y, por lo tanto, se llama C8. Los semitonos se muestran como elevados independientemente de su conexión de armonía con ♯ (ver confusión enarmónica ), Gb '' se escribiría como F ♯ 5, por ejemplo .
Esta sintaxis se encuentra, por ejemplo, en Tracker : programas de música utilizados. El eje del tiempo corre verticalmente de arriba a abajo. La elección del incremento de tiempo es exclusivamente una cuestión de interpretación. A menudo, una línea corresponde a una semicorchea, pero con cambios de tempo también se puede lograr una estructura compleja como un swing del 30 por ciento. El tono se ingresa en la notación descrita. La compacidad de esta notación cuasi unidimensional permite una notación clara de otros parámetros musicales como la longitud o el volumen, pero también opciones de procesamiento electrónico específicas que influyen en el timbre.
Otras formas de nombrar las notas son la solmización relativa y absoluta , que llevan los nombres de las notas a Guido von Arezzo y al método de la palabra tonal de Carl Eitz .
Notación numérica
En muchas culturas, la partitura se representa principalmente mediante números, letras o caracteres indígenas que representan la secuencia de notas. Este es el caso, por ejemplo, de la música china ( jianpu o gongche ), la música india (sargam) y en Indonesia (kepatihan) . Estos diferentes sistemas se denominan colectivamente notación numérica.
La notación numérica que se usa en jianpu se debe dar como ejemplo . Por ejemplo, los números del 1 al 7 se asignan a los tonos de la escala mayor. Para una pieza en Do mayor, estos son:
Note: C D E F G A H Solfege: do re mi fa sol la si Notation: 1 2 3 4 5 6 7
El origen de esta notación es la notación numérica según Emilé Chevé .
Notas de forma
Shape Notes es un sistema de notación que se desarrolló en los Estados Unidos a principios del siglo XIX para facilitar a los laicos cantar las notas. Las canciones de Shape Note usan la notación estándar, pero las cabezas de nota también tienen formas características que se asignan a los niveles de la escala y se nombran con sílabas de solmización .
El primer libro de himnos Shape Note fue publicado por William Smith y William Little en 1801: The Easy Instructor . Con el movimiento de la Escuela de Canto , los himnarios Shape Note se hicieron muy populares en los Estados Unidos.
Se han establecido dos sistemas de notación de nota de forma y se utilizan hoy en día: el sistema de 4 formas con las sílabas de solmización Fa So La Mi , que se utiliza en el libro de himnos The Sacred Harp , y el sistema de 7 formas con la sílabas de solmización Do Re Mi Fa So La Ti / Si , la z. B. se utiliza en el libro de himnos The Christian Harmony .
Códigos de notación
Para poder "anotar" electrónicamente y guardar parámetros musicales, se han desarrollado varios códigos de notación . Se debe hacer una distinción entre códigos para reproducir música como MIDI , códigos para ingresar o almacenar música para notación electrónica (que en principio incluye todos los formatos de archivo de programas de notación musical ) y aquellos para análisis musicológico de música como el código monótono. MusicXML fue diseñado como un formato de intercambio y combina elementos de Humdrum, MuseData y MIDI. MEI es similar a MusicXML, pero se basa en TEI y tiene en cuenta más requisitos musicológicos , especialmente en lo que respecta a la filología de la edición .
Abreviaturas de acordes
En la tradición del bajo figurado , se proporciona una parte de bajo con números a partir de los cuales se puede derivar el acorde que se tocará por encima de la nota de bajo . Sin embargo, muchos compositores también utilizaron la numeración para poder esbozar rápidamente el curso armónico de una obra. Por ejemplo, al completar el Requiem de Mozart , Franz Xaver Süßmayr pudo confiar en una serie de bajos figurados que Mozart había anotado él mismo. La ilustración de la derecha muestra un bajo cifrado simple, en el sistema superior se escribe una posible implementación de la numeración.
Los símbolos de acordes que se utilizan hoy en día, especialmente en el jazz y la música popular, persiguen una dirección diferente , que, además del nombre de la nota de la raíz del acorde, tienen un código de letras y números que describen el tipo de armonía. Este sistema, que funciona completamente sin pentagramas, se utiliza junto con un sistema de notación melódica , pero también hay colecciones en las que solo se imprimen el texto y los símbolos de los acordes de una canción porque se supone que la melodía es conocida.
Notación braille
Utilizando los mismos caracteres que en su Braille , Louis Braille inventó una notación musical para personas con discapacidad visual que se utiliza en todo el mundo en la actualidad. En su ingenioso sistema de nota, octava, armonía y símbolos adicionales, es posible llevar las secuencias verticales de la música polifónica a una secuencia lineal de caracteres que los ciegos pueden leer. La Biblioteca Nacional para Ciegos de Stockport ( Reino Unido ) tiene la mayor colección de partituras en Braille .
Notación gráfica
En la década de 1960 y principios de la de 1970, muchos compositores sintieron el deseo de romper con las partituras clásicas, que consideraban demasiado inadecuadas y demasiado específicas para su música. Comenzaron a experimentar con la notación gráfica para permitir más espacio para la inspiración y la creatividad del músico ejecutante. Esto fue influenciado significativamente por los artistas de Fluxus , así como por una exposición de partituras curadas por John Cage y Alison Knowles y el catálogo Notations que publicaron .
La mayoría de los compositores europeos, sin embargo, volvieron rápidamente a la notación precisa ("clásica"). Entre los compositores que utilizaron ampliamente esta forma de notación durante mucho tiempo, cabe mencionar especialmente a Roman Haubenstock-Ramati y Anestis Logothetis .
La notación gráfica siempre jugó un papel importante en la música con un medio electroacústico, cuya parte debería incluirse en una partitura de alguna forma para que los intérpretes en vivo pudieran coordinarse con ella. Un ejemplo temprano e importante es el Hörpartitur que creó Rainer Wehinger 1958 para la articulación de la composición electroacústica de Gyorgy Ligeti .
Notación de color
Guido von Arezzo ya usaba colores para ilustrar la notación, estos desaparecieron con el advenimiento de la impresión musical. Arno Peters hizo un nuevo intento . La notación de Peters permite una representación espacial del tono y la duración del tono. Asignó un color a cada uno de los siete tonos. Al realizar la asignación, observó una relación de frecuencia similar dentro del espectro de luz .
Notación 6 más 6
La notación desarrollada por Johannes Beyreuther refleja la disposición de las dos filas de 6 más 6 instrumentos . Consta de notas blancas y negras. Las notas del mismo color están dispuestas en tonos enteros. Los tonos 1 a 3 de la escala diatónica tienen el mismo color, los tonos 4 a 7 el color diferente correspondiente. Un cambio de color significa un cambio en la fila a jugar. Una gran ventaja es la transposición. Una melodía escrita en Do mayor se puede tocar en instrumentos de dos filas de 6 más 6 cambiando la nota inicial en otras cinco teclas, en instrumentos de tres filas incluso en las doce teclas. Incluso en instrumentos con un arreglo de 6 más 6 desplazado, como la concertina Hayden Duet , el color de las notas indica la fila en la que se encuentran las teclas. No hay llaves. La notación 6 más 6 es parte del principio musical de Beyreuther .
Notación de ritmo
La notación de ritmo solo proporciona información sobre el momento en el que ocurren los eventos de sonido en relación con el medidor. Puede z. Se pueden utilizar, por ejemplo, en libros de acompañamiento para guitarra de percusión, donde la notación rítmica dicta el patrón de percusión al instrumentista, pero no cómo tiene que tocar qué acorde acompañante (ya que hay varias opciones para, por ejemplo, La mayor). Sin embargo, como en la imagen, puede ser que a la notación de ritmo ( barras de ritmo en inglés debido a la forma inclinada de las cabezas de nota) también se le agreguen nombres de acordes o incluso imágenes de léxico, pero esto no es una cuestión de rutina.
Notación de rollo de piano
Una notación muy simplificada se usa generalmente en programas secuenciadores para procesar música con la computadora. Si, por ejemplo, se graban piezas musicales en un teclado MIDI , la computadora solo recibe información sobre qué tecla se presionó en qué momento y cuándo se soltó, similar a la grabación en un piano roll . La clave, clave, tipo de compás, alteraciones y los valores de nota exactos no están disponibles para la computadora. Por lo tanto, una representación de los datos registrados en notación clásica solo es posible con algoritmos muy complejos y ajustes manuales. Por esta razón, los programas de secuenciador a menudo funcionan con una notación de piano roll ( notación de piano roll ), que es similar a la impresión en un piano roll y cuya representación se puede programar muy fácilmente. La notación de piano roll también permite la entrada o edición simple de piezas de música en la pantalla ( llamado editor de piano roll en algunos programas ). La notación de redoble de piano también se puede utilizar para aprender intuitivamente piezas de piano sin tener que ser capaz de leer notas clásicas. Las notaciones de pianola existen en numerosas variantes, algunas de las cuales utilizan el color. En algunos países, como EE. UU., Se pueden patentar notaciones musicales. Entre las patentes se encuentran algunos ejemplos de notación de piano roll, como la patente estadounidense 6987220 (2006) para una notación similar a piano roll con colores.
Ver también
literatura
- Willi Apel : La notación de la música polifónica. Breitkopf & Härtel, Leipzig 1962, ISBN 3-7330-0031-5 .
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