Maquinaria escénica

Ayudas técnicas y mecánicas que se utilizan para una representación teatral se denominan como maquinaria etapa o teatro maquinaria .

Máquinas y como funcionan

Las máquinas de teatro en el sentido original se usaban para usar unidades, tambores y cabrestantes para hacer que las piezas subieran o desaparecieran en el hundimiento (desde las llamadas escaleras Caronianas ), para mostrar barcos en mares agitados, dragones resoplaban fuego, cascadas fluyen y nubes. muévete para irse, pero también para ofrecer holocaustos en los altares. Las figuras podían volar por medio de una máquina voladora o apariciones celestes mientras los deus ex machina (con la ayuda de la Mechane , una grúa con la que el deus ex machina caía sobre la escena) descendían del cielo. También se utilizaron máquinas escénicas para el movimiento puramente mecánico del telón , los folletos , los fondos y los festones .

En la máquina de viento , se estiró lino grueso sobre una rueda de madera con una manivela, se hizo girar la rueda, se frotó contra la tela y se emitió el sonido de una tormenta aullante.

La máquina de lluvia se basaba en un principio similar, un tambor giratorio lleno de guisantes o piedras pequeñas.

La máquina del trueno era un dispositivo para imitar el trueno. Estaba ubicado en los teatros de griegos y romanos, a los que llamaban Bronteion (Bronteum), detrás del escenario y consistía en un caldero de hierro en el que se vertían piedras de tubos, creando un rugido de trueno. En la actualidad se utiliza una especie de timbal o un tubo de madera largo e inclinado a través del cual se hacen rodar piedras que golpean las repisas en el interior y, finalmente, vagones pesados ​​que descansan sobre ruedas angulares, que se colocan en los cordones sobre orugas especialmente preparadas. moverse hacia adelante y hacia atrás.

En el pasado, se abrió una solapa para el hundimiento , el diablo, por ejemplo, se paró en la solapa del ascensor en el sótano, que era similar al piso del escenario, y los ayudantes cargaron pesos de piedra en un dispositivo de tracción. Cuando se alcanzó el peso del actor, los técnicos retiraron el pestillo y el diablo apareció en el escenario.

El escenario giratorio se instala permanentemente como una parte giratoria del piso del escenario en el medio del escenario o se coloca como una plataforma (plato giratorio). Un escenario giratorio ya diseñó Leonardo da Vinci en 1490, el Kabuki japonés - Teatro que conocía desde el siglo XVII, porque el teatro europeo fue rediseñado en Munich 1896a. Originalmente se introdujo para permitir que los muebles ilusionistas y engorrosos del siglo XIX cambiaran de escena rápidamente. En el Viena Volkstheater hubo un escenario giratorio operado manualmente hasta los años ochenta del siglo XX, donde una docena de tramoyistas, de pie sobre el tocadiscos, hacían girar el tocadiscos con los pies utilizando muletas para apoyarse en el suelo del escenario fuera del disco.

Desarrollo historico

Antigüedad

Incluso en el antiguo Coliseo romano había instalaciones para maquinaria escénica extremadamente complicada, como trampillas, rampas y ascensores. Con la ayuda de un complejo sistema de cabrestantes y poleas, se podían transportar a la arena elaboradas decoraciones y escenarios . Por ejemplo, en unos pocos minutos, para sorpresa de la audiencia, un bosque completo o un paisaje desértico podría levantarse del suelo. La película Gladiator (2000) de Ridley Scott ofrece una buena reconstrucción de algunas de estas instalaciones en las luchas de gladiadores . Garza de Alejandría, que enseña en el Museion de Alejandría, desarrolló máquinas de teatro automatizadas con efectos especiales .

El Deus ex machina (“Dios de la máquina”) era la autoridad divina en el teatro antiguo, que intervino en el último momento antes de la catástrofe para mejorar todo. Se puede encontrar en la tragedia antigua , especialmente en Eurípides , donde el dios flotaba sobre la superficie de juego en una máquina voladora con forma de grúa. Las grúas con poleas existen desde el año 750 a. C. Conocidas como grúas piragua, arriostradas con cuerdas y que corren sobre tres ( trispastos ) o cinco poleas ( pentespastos ); alrededor del 225 a. C. Se dice que Arquímedes incluso construyó una grúa con polea múltiple ( polyspastos ). Las grúas se utilizaron en construcción, puertos y canteras; después de todo, tenían que levantar pesos de nueve toneladas a más de diez metros de altura , por ejemplo, cuando se estaba construyendo el Partenón en Atenas . Por el contrario, en el teatro se utilizaron grúas giratorias. Con su ayuda, la deidad interviniente podría subir al escenario desde el exterior. También se utilizó una plataforma rodante ( Ekkyklema ), con la que se transportaron al escenario los procesos que debían tener lugar en el llamado Skene (“detrás de escena”).

Edad Media y Renacimiento

Con gran esfuerzo, se realizaron representaciones en las catedrales medievales, por ejemplo para celebrar la Ascensión de Cristo . Filippo Brunelleschi representó una obra de este tipo en Florencia con una máquina de teatro , en el transcurso de la cual Jesús subió al Monte de los Olivos. Una descripción contemporánea describe el progreso:

En 1497 Brunelleschi también diseñó la maquinaria para una escena de la anunciación en San Felice in Piazza como un ascenso y descenso a las esferas bajo el techo de la iglesia; la resurrección de la muerte, por otro lado, se escenificó con salvadores móviles y santuarios funerarios móviles.

Escenario de perspectiva en el Teatro Olimpico de Vicenza

En el Renacimiento , especialmente en Italia, los edificios de los teatros a menudo se basaban muy estrictamente en modelos antiguos. Los escritos de Vitruvio en particular fueron fundamentales para la recepción de la época. El diseño del escenario estaba típicamente determinado por una construcción arquitectónica fija en la parte trasera del escenario, a menudo con tres escaleras frontales. Esta pared escénica estaba decorada con estatuas romanas. Un ejemplo de este tipo de escenario en perspectiva que aún hoy se conserva es el Teatro Olimpico de Vicenza , inaugurado en 1585 . El escenario en sí se elevó bruscamente en la zona trasera para reforzar la ilusión óptica de profundidad, de modo que esta parte del escenario ya no fuera jugable. Este diseño escénico tan estático en el teatro renacentista se remonta en particular al enfoque en los dramas antiguos, que en su mayoría tuvieron lugar en el mismo lugar. Por lo tanto, no se necesitaban con urgencia elementos escénicos dinámicos. No obstante, también existían ya maquinaria escénica especial, como periaktos , o prismas giratorios y marco angular, que podían indicarse con la ayuda de escenas a través de las puertas de la pared del fondo del escenario.

También se utilizaron máquinas simples en el teatro isabelino , por ejemplo, en Macbeth de Shakespeare (1606), cuando las palabras “¿Por qué se hunde este caldero?”, Se hunde un caldero en el suelo del escenario.

Teatro barroco

De la etapa de perspectiva a la etapa de telón de fondo

Representación esquemática de la escenografía según Torelli

Las innovaciones que conformaron la maquinaria escénica del Barroco fueron en muchos sentidos un desarrollo ulterior de las tendencias que ya eran evidentes en el Renacimiento. En ambas épocas, la ilusión de profundidad creada por la distorsión de la perspectiva fue el elemento central de la maquinaria escénica. Más allá de este concepto, sin embargo, el cambio rápido y suave entre muchos escenarios diferentes se convirtió en un componente central de la tecnología teatral en el teatro barroco. En contraste con los dramas antiguos, que habían determinado el teatro del Renacimiento, el teatro barroco, y especialmente la ópera emergente , a menudo exigía una variedad colorida de escenas, que debían presentarse con magníficas decoraciones escénicas. Se suponía que los dispositivos mecánicos que proporcionaban elementos dinámicos reforzarían el impresionante efecto. Las características del teatro barroco fueron los cambios de escenario más rápidos y frecuentes con las cortinas cerradas, así como el mayor uso de la parte trasera del escenario, que había permanecido vacía en el Renacimiento. Todas estas tendencias llevaron al establecimiento del teatro escénico, el primero de los cuales fue el Teatro degli Intrepidi en Ferrara , desarrollado por Giovanni Battista Aleotti (1546-1636) . El concepto desarrollado allí fue perfeccionado por él mismo en el Teatro Farnese de Parma , que fue diseñado en 1618/19 e inaugurado en 1628. Su diseño iba a marcar la tendencia de la tecnología escénica europea en la segunda mitad del siglo XVII.

Propagación del escenario escénico

Diseño de producción basado en Torelli

El alumno de Aleotti, Giacomo Torelli , en particular , extendió la escenografía y también perfeccionó su implementación técnica, para lo cual fue crucial un movimiento deslizante y sincrónico de los decorados y sofás. Con este concepto de fondo, la atención no se centró tanto en el efecto tridimensional; en cambio, los cambios de escena en segundos se podían lograr con la ayuda de ingeniosas técnicas de polea y la guía del fondo. Los fondos, que se conducían en vagones decorativos con guías adecuadas y, a menudo, estaban conectados entre sí de tal manera que cuando uno era sacado del costado del escenario, otro entraba inmediatamente, ocupaba cada vez más espacio. Esto llevó a teatros cada vez más expansivos, ya que también tenían que acomodar escenarios laterales e inferiores. La falta del efecto tridimensional en esta forma de escenario se compensó con una pintura en perspectiva cada vez más sofisticada, en la que la iluminación del escenario se volvió cada vez más importante, ya que la iluminación inteligente ayudó a mantener la ilusión del escenario. Por ejemplo, el conocido arquitecto escénico Giulio Parigi era conocido por sus decoraciones luminosas. B. Se utilizó iluminación bengalí indirecta detrás de nubes cubiertas transparentes. A lo largo del siglo XVII, este elemento de control de iluminación llevó a que el auditorio frente al escenario se oscureciera cada vez más.

Con arquitectos teatrales como Inigo Jones , que ya había conocido el nuevo concepto de escenario de Aleotti en Italia, a veces hay formas mixtas de las técnicas descritas: por ejemplo, se podría crear un espacio tridimensional en primer plano con rotación Se agregaron prismas, con una perspectiva paisajística en escorzo en forma de escenario escénico.

Innovaciones italianas en Europa

Al igual que en el Renacimiento, muchas líneas de desarrollo en el período barroco llevaron desde Italia a otros países europeos, un proceso que puede explicarse principalmente por el hecho de que los arquitectos teatrales del siglo XVII a menudo estudiaban en Italia para tener mejores oportunidades de empleo en su tierra natal. Giulio Parigi, por ejemplo, dirigía una academia de arte y guerra en Florencia . Fue visitado por Joseph Furttenbach , quien más tarde llevaría lo aprendido allí a Ulm . Con la mediación de estos estudiosos de la maquinaria escénica italiana, técnicas como los marcos en ángulo y los prismas giratorios también prevalecieron en otros países; Iñigo Jones, por ejemplo, trajo estas técnicas de Italia a Inglaterra.

La máquina de nubes de Sabbatini (1638)

Además de esta supremacía personal de Italia, la creciente escritura de técnicas teatrales y escénicas también fue decisiva para las tendencias de desarrollo de la etapa barroca en Europa. En su libro Pratica di Fabricar Scene e Macchine ne'Teatri de 1638, el constructor de teatro Nicola Sabbatini (1574-1654) recopiló sistemáticamente una serie de técnicas para lograr efectos escénicos por primera vez. Hasta entonces, este conocimiento estaba principalmente protegido por constructores de teatro individuales y solo se transmitía a estudiantes seleccionados. En su trabajo, Sabbatini reunió una serie de técnicas comunes de diseño escénico, como marcos angulares, periactos y cortinas enrollables, y las combinó con una construcción escénica de base matemática que se construyó sobre la base del punto de fuga. El objetivo de Sabbatini era despertar el asombro y el asombro de la audiencia. De esta manera, el libro de Sabbatini hizo una contribución significativa a la difusión de los métodos que describió, muchos de los cuales ya estaban muy extendidos en el Renacimiento e incluso antes. Por otro lado, Sabbatini no mencionó el escenario que ya había sido creado. Por otro lado, era particularmente conocido por mover elementos como sus máquinas en la nube, con las que z. B. Se podían bajar dioses del Schnürboden.

La Pratica puede entenderse así como una obra de transición, en la que las técnicas del Renacimiento se conectan con el desarrollo del Barroco.

Maquinaria escénica barroca conservada en Europa (selección)

• Teatro del Palacio de Drottningholm (Suecia): alas del escenario con ajuste central en su estado original de 1766.
• Castle Theatre Český Krumlov (República Checa): maquinaria escénica con máquinas de efectos, prospectos, escenarios inferiores y nichos de 1680.
• Ekhoftheater Gotha (Alemania): Teatro palaciego más antiguo del mundo con maquinaria escénica completamente conservada (1683).
• Schlosstheater Ludwigsburg (Alemania): maquinaria escénica centralmente controlable (1758).

Teatro mágico en el siglo XIX

La pieza mágica o juego de magia y su forma especial, la ópera mágica es un género teatral que se realizó mayoritariamente con tecnología escénica elaborada, las transformaciones en la escena abierta, hundimientos habilitados y entradas y salidas más espectaculares.

La Reina de la Noche aparece en La flauta mágica de Mozart . Escenografía de Karl Friedrich Schinkel (1815)

Las instrucciones de dirección casi cinematográficas de las piezas mágicas exigían una nueva maquinaria escénica. Goethe los mencionó en el preludio del teatro en Fausto I (1808):

¡Así que no me ahorre folletos o máquinas ese día!

Usa la luz de los cielos, grandes y pequeños, puedes desperdiciar las estrellas;

No falta agua, fuego, paredes de roca, animales y pájaros.

Todo el círculo de la creación se extiende en la estrecha casa de madera.

¡Y camina lentamente desde el cielo a través del mundo hasta el infierno!

La comedia de máquinas era una variante de la obra de teatro folclórica o del teatro folclórico y suponía un gran esfuerzo con la tecnología escénica , el vestuario y la utilería y trataba de sorprender constantemente. A menudo hubo transformaciones en la escena abierta , como una cabaña que se convierte en un castillo. La Flauta Mágica de Mozart es en cierto modo una comedia de máquina (por ejemplo, la aparición de la Reina de la Noche, deambulando por el fuego y el agua).

La especialidad nacional especial de la ópera mágica se creó en Londres , en la que los " efectos especiales " jugaron un papel importante. Un ejemplo importante es Alcina (1735) de Handel , pero también composiciones de Jean-Baptiste Lully , Henry Purcell , Christoph Willibald Gluck , L'Orfeo de Joseph Haydn y Claudio Monteverdi . Rinaldo de Handel (1711) ofreció una gran cantidad de posibilidades para la espectacular maquinaria teatral valorada en ese momento, y la segunda ópera de Handel, Teseo después de Racine , también fue una celebración de la maquinaria teatral barroca y fue un gran éxito en el Haymarket Theatre de Londres. En 2004 fue re-producido por el Goethe Theatre en Bad Lauchstädt . El Teatro Goethe (construido en 1802 por Heinrich Gentz ) es el único teatro clásico original con una maquinaria escénica funcional y de madera en Europa.

Durante el Romántico de los siglos XVIII y XIX, las comedias de magia españolas deleitaron al público contemporáneo con magia y tecnología, que trabajaron cada vez más en conjunto, ya que la maquinaria escénica jugó un papel central en la implementación, por ejemplo en Don Juan Tenorio de José Zorrilla . En las escenas mágicas de las comedias, el público vio actores voladores u otros efectos como la desaparición repentina de personas, transformaciones o el encendido automático de una vela. Pero los coros, los bailes y la visible lluvia de fuego también fueron característicos de las comedias mágicas. La trampilla, que se estaba modernizando en ese momento, también pertenecía al repertorio de la tecnología. También había una llamada caxa de truenos , con la ayuda de la cual se podía provocar una tormenta.

En el siglo 19, con la llegada del juego de cuento de hadas y el melodrama, la maquinaria escénica se enriqueció con numerosos efectos, y en los juegos de magia de la Alt-Wiener Volkstheater en las obras de Ferdinand Raimund (1790-1836) que jugó un importante papel en la mezcla de mundo de hadas y papel de acción popular. En Der Alpenkönig und der Menschenfeind (1828), por ejemplo, Rappelkopf lucha contra los fantasmas de sus tres esposas fallecidas, el rostro de la cuarta se le aparece en la luna cuando un rayo transforma el bosque en un mar en el que el rey alpino aparece en un barco:

Para las escenas de las hijas del Rin en la ópera Das Rheingold de Richard Wagner , el propio compositor hizo construir "máquinas de nadar" especiales, que estaban controladas por tres trabajadores del escenario y con las que debería parecer que las hijas del Rin estaban nadando. Los cantantes yacían en una rejilla inclinada en la parte superior de un marco de hierro de unos 6 metros de altura.

Tiempos modernos

En 1903, Max Reinhardt sacó todas las paradas de la última tecnología en El sueño de una noche de verano de Shakespeare para atraer literalmente al público a la acción en el escenario y así hacerlos parte del mundo fantástico que él había organizado perfectamente para ellos. . El escenario giratorio en el que se instaló el bosque y sus habitantes despertó entusiasmo. El espectador "se subió mentalmente al carrusel del tocadiscos para participar en el mundo de la obra teatral".

Desde Bertolt Brecht (en el teatro épico ) y antes en parte con los constructivistas rusos , p. Ej. B. Kazimir Malevich o Tatlin comenzaron a revelar la maquinaria escénica como medio de desilusión.

La revista se hizo popular en toda Europa a principios del siglo XX y presentó equipos que impresionaron al público con una gran cantidad de vestuario y decoración, efectos de iluminación y maquinaria escénica y que han sido adoptados en otros teatros de las grandes ciudades, especialmente en Inglaterra y América, y donde las artes escénicas a menudo se han transformado en un fin en sí mismas.

En los musicales y otras formas de teatro de espectáculos moderno, se utiliza en su mayor parte una maquinaria escénica muy elaborada, un ejemplo espectacular de ello es la lámpara de araña que cae sobre el escenario en El fantasma de la ópera de Andrew Lloyd Webber .

literatura

• Klaus-Dieter Reus (Ed.): Fascinación por el escenario. Teatro del mundo barroco en Bayreuth . 3ª edición Verlag Rabenstein, Bayreuth 2008, ISBN 978-3-928683-41-8 .

Evidencia individual

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