aria

Un aria ( italiano aria = 'sabio', 'aire', lo que a su vez del latín aer o griego antiguo ἀήρ = 'aire') se entiende como un solitario realizó pieza vocal en la música clásica . El acompañamiento instrumental de acompañamiento puede variar desde el acompañamiento de continuo puro con un solo laúd o un clavicémbalo , a un pequeño conjunto con uno o más instrumentos solistas, a una gran orquesta .

La mayoría de las veces, un aria es parte de una obra más grande, como una ópera , cantata u oratorio . Sin embargo, también hay composiciones individuales, como B. el aria del concierto .

El aria transmite los sentimientos y estados de ánimo, el llamado afecto , de un determinado momento, i. H. normalmente no hay acción, en contraste con el recitativo . Se pueden expresar una gran variedad de sentimientos, como el amor, la alegría, la ira, las ansias de venganza, la indignación, el miedo, la duda, etc. En la ópera barroca, según el contenido, también surgieron en el siglo XVII ciertos tipos, como el Storm marie - a menudo con comparaciones en el texto como un mar tormentoso o un barco que se hunde - el aria del encantamiento, el aria de la seducción, el aria del sueño, el aria de despedida, el aria del baño - esta última fue cantada por una mujer que se embellece y se adorna delante de su espejo. Las arias que imitan el canto de los pájaros también fueron muy populares.

En comparación con la canción hablada del recitativo, la voz en un aria se trata puramente lírica y melódicamente ( melismática ), y especialmente en la era del bel canto a menudo es ingeniosa y ornamentada. El acompañamiento también puede ser melódico y estar ricamente decorado. Un aria a menudo contiene repeticiones en el texto y la melodía.

Si una pieza es menos extensa, el afecto más moderado, se habla de una ariette , una “pequeña aria”.

En una ópera seria del siglo XVIII, una prima donna o un primo uomo (generalmente un castrato ) tenía derecho a al menos cinco arias, cada aria de un afecto o carácter diferente, la seconda donna y el secondo uomo tres arias, de apoyo más pequeñas. los roles solo obtuvieron uno o dos, o ningún aria en absoluto.

Tipos

Hay diferentes tipos de arias:

  • El aria da capo en el que se repite el primer verso.
  • El Cavatine es un aria simple, similar a una canción.
  • La cabaletta es un aria de una estrofa o la última estrofa de una cavatine.
  • Un aria de bravura es un aria difícil con un efecto virtuoso.
  • El primer aria de un personaje de ópera se llama aria de actuación . Suele utilizarse para introducir la figura. Ejemplos de ello son el aria de Papageno The Bird Catcher de la ópera Die Zauberflöte o el aria Durch die Wälder, durch die Auen des Max de Der Freischütz .
  • Al final de la escena también está el llamado aria de salida , en parte relacionado con la muerte del personaje.

Diferenciación de términos

En contraste con el aria afectiva, está el recitativo , que se supone que impulsa la acción hacia adelante. No suele contener repeticiones y su acompañamiento es más sencillo que el de un aria. Sin embargo, sobre todo, un canto hablado es típico del recitativo , que contrasta con el lirismo de un aria.

Se pueden encontrar secciones cortas, más melódicas, parecidas a arias dentro de un recitativo; estas se llaman arioso .

Muy a menudo, un aria está precedido por un recitativo que ya prepara el aria en términos de contenido, es decir, la secuencia: recitativo - aria. Esto es especialmente cierto en óperas, oratorios y cantatas, pero también con arias de concierto.

Un aria se diferencia de las piezas vocales para varias voces, que se denominan dúo , trío , cuarteto, etc. dependiendo del número de voces involucradas . En una ópera también hay piezas con varias partes vocales, p. Ej. A veces, incluso con un coro , el término general para ello es: conjunto .

En contraste con el aria, la canción generalmente se mantiene más simple tanto formalmente como especialmente vocal (o vocal técnicamente). Sin embargo, los límites son fluidos. Los requisitos para el diseño expresivo en la llamada canción artística pueden ser considerables; Sin embargo, esto generalmente se mantiene íntimo en términos de contenido y elenco.

Historia y formas

  • Una forma temprana del aria, ya utilizada por Giulio Caccini ( Le nuove musiche , 1601 y 1614) y otros compositores alrededor de 1600 y en la primera mitad del siglo XVII, tenía una forma de estrofa , es decir. H. el aria completo, en su mayoría bastante corto, se repitió al menos una vez, dependiendo del número de estrofas. El carácter de tales arias suele ser ligero, y a menudo se llevan a cabo en tres metros, el acompañamiento en el barroco temprano a menudo consistía solo en el continuo. Estas arias también podrían ser virtuosas desde el principio y contener coloratura . En términos puramente teóricos, también sería concebible una decoración y / o representación diferente por parte del cantante para cada repetición (posiblemente motivada por el texto diferente en cada caso). El aria en forma de estrofa también se usó más tarde, por ejemplo, el aria de Papageno "Yo soy el cazador de pájaros" de La flauta mágica de Mozart (1791).
  • Una forma de aria de dos partes ||: a: ||: b: || está formalmente en estrecha relación con la música de baile barroca contemporánea. Esta era la forma de aria normal y más utilizada en la ópera barroca francesa ( Lully , Campra , Rameau y otras). En términos de carácter, tales arias podrían corresponder a una danza muy concreta, p. Ej. B. un minuet , un gavotte , un Loure etc. Este tipo de arias de dos partes también se utilizaron en italiano o música de influencia italiana, por ejemplo por Handel (especialmente en óperas tempranas como Agripina (1709) o más tarde en Serse ( 1738)) o por Reinhard Keizer . En las óperas italiana y alemana, las repeticiones podían ser decoradas por el cantante; en la ópera francesa, sin embargo, los adornos aleatorios adicionales no eran comunes.
  • En el Barroco temprano hasta alrededor de 1680/1700 también fue muy popular Ostinato- Arien, a menudo como un lamento . Hay ejemplos concretos en las óperas de Francesco Cavalli o en Dido y Eneas (1689) de Henry Purcell .
  • El aria da capo en forma de ABA alcanzó una posición dominante en la música barroca . Las dos partes A y B a menudo (pero no siempre) forman un claro contraste, p. Ej. B. El componente B es en su mayoría y por lo menos en un tono diferente, o se modula a través y en otras teclas . En el caso extremo que incluso tiene un efecto completamente diferente y puede entonces no sólo estar en un diferente ritmo de juego , sino también de una manera diferente metros (por ejemplo, “Ah mio cor, schernito sei” de Handel Alcina (1735)). Un punto importante del aria de Dacapo es que el cantante debe decorar la repetición de la sección A con modales arbitrarios si es posible, es decir, con corridas adicionales, circunloquios, trinos, etc. Sin embargo, las secciones A y B originales también estaban decoradas con trinos, especialmente con cadencias ; esto era una cuestión de rutina y, por lo tanto, generalmente no se anotaba en absoluto, a diferencia de la música francesa, donde todos los trinos y mordente estaban escritos. Así que el aria de Dacapo fue una oportunidad significativa para demostrar la imaginación e incluso las habilidades de composición y, por supuesto, para poner en perspectiva las propias habilidades vocales y técnicas del cantante. Para el deleite del público. El primer aria de da capo aparece por primera vez en L'Orfeo de Monteverdi (1607). En los siglos XVII y XVIII , la forma se amplió aún más. No es raro que las grandes arias de da capo contengan ritornelos puramente instrumentales . El aria da capo alcanzó su punto máximo en el apogeo de la Escuela de Ópera Napolitana . Mientras que la antigua forma de canción de estrofa simple del aria estaba reservada para la caracterización de las partes populares (en la ópera buffa ), el aria de dacapo era un componente típico del personal aristocrático o mitológico de la ópera seria . La forma del aria de Dacapo a menudo se modificó ligeramente desde alrededor de 1750, y la sección A a menudo se acorta un poco ( Dal segno ), por ejemplo, se podría omitir una larga introducción orquestal (por ejemplo, en las primeras óperas de Mozart como Mitridate (1770) o Lucio Silla ( 1772)). Los compositores que escribieron las arias de Dacapo incluyen: Alessandro Scarlatti y otros representantes de la Ópera Napolitana , Antonio Caldara , Antonio Vivaldi , Giovanni Bononcini , Nicola Antonio Porpora , Georg Friedrich Handel , Johann Sebastian Bach , Georg Philipp Telemann , Johann Adolph Hasse , Baldassare Galuppi , Wolfgang Amadeus Mozart y muchos más una.


  • El rondo (ABACA) también apareció en el barroco tardío hasta alrededor de 1800 , en la ópera clásica principalmente como el final rondò . Este último estaba reservado exclusivamente para el Primo uomo o Primadonna , y solo se cantaba hacia el final. En La clemenza di Tito (1791) de Mozart se encuentran las arias “Deh, per questi istante solo” para el primo uomo Sesto y “Non più di fiori” para la prima donna Vitellia. Aquí también, teóricamente, todas las repeticiones de la sección A ofrecen al cantante la oportunidad de decorar con sus propios adornos improvisados, que idealmente pueden volverse más exuberantes con cada repetición hacia el final, en el sentido de un aumento, pero por supuesto se respeta la expresión ( afecto ) y el tono del aria.
  • Después de 1750 también hubo una forma de aria de dos partes AB (o A-A'-B), que ya apuntaba a la forma de aria típica en la ópera bel canto del siglo XIX. En contraste con el carácter estático o cuasi concertino del aria de Dacapo, esta forma de aria era más dinámica y también podía ser utilizada dramatúrgicamente por compositores como Mozart o Salieri . Las dos partes a menudo se fusionan, la primera de las cuales suele ser lenta o moderada y meditativa, la segunda rápida y tiende a ser virtuosa. Un ejemplo típico de esto es p. Ej. B. Concierto de Mozart o aria de interludio "Vorrei spiegarvi, o Dio", KV 418 (1783), o el primer aria de la Reina de la Noche "O tiembla, mi querido hijo" en la Flauta Mágica .
  • Esta forma de aria se desarrolló en la ópera bel canto italiana del siglo XIX, y básicamente consta de una primera aria o cavatine en un moderato lírico o largo tempo, y una cabaletta final casi virtuosa ; tanto el aria como la cabaletta se repitieron muchas veces, y también se sabe desde el siglo XIX que las repeticiones en las arias eran generalmente adornadas por el cantante. Entre estas dos partes a menudo hay una parte de transición más o menos larga y, a veces, musicalmente pesada en el medio, lo que hace que todo sea aún más dinámico e integrado en la trama. Se pueden encontrar ejemplos en todas las óperas de compositores como Rossini , Bellini , Donizetti , el primer Verdi y otros, incluido el aria de interpretación de Lucía "Regnava nel silenzio (= cavatina ) ... Quando rapita in estasi (= cabaletta )" de de Donizetti Lucia di Lammermoor (1837).
    Básicamente, los dúos y otros conjuntos también tienen la misma forma, y ​​a menudo también había arias con interjecciones de otros solistas y / o el coro, como B. en el famoso aria de Bellini "Casta Diva ( = cavatina ) ... Ah, bello, a me ritorna (= cabaletta)" de Norma (1831).
  • Rossini, Mercadante et al. a veces también se usa una forma extendida de variación como aria, p. ej. B. “D 'Amor al dolce impero” en Armida de Rossini (1817), que también tiene un ritornelle y una coda para coro. Tales formas de variación sirvieron especialmente para mostrar la bravura vocal .
  • A finales del siglo XVIII, tanto en la ópera cómica como después de la llamada reforma de la ópera de Christoph Willibald Gluck , quien así transmitió la tradición de la ópera francesa, que se caracterizó por otros esquemas formales, el aria volvió a aproximarse a la forma de la canción. . Especialmente en Alemania en el siglo XIX , el aria fue influenciado cada vez más por la canción popular (por ejemplo , Freischütz de Weber (1821)). En el romántico tardío y el verismo , el aria de la ópera entraba cada vez más en escena o en Scena .

Ver también

literatura

  • Giulio Caccini: Le nuove Musiche (Florencia 1601) y Le nuove musiche e nuova maniera di scriverle (Florencia 1614). Edición facsímil de SPES (studio per edizioni scelte), Archivum musicum 13, Florencia 1983.
  • Rodolfo Celletti: Historia del Belcanto. Bärenreiter-Verlag, Kassel y otros 1989, ISBN 3-7618-0958-1 .
  • Wolfgang Hirschmann (Ed.): Aria. Una publicación conmemorativa de Wolfgang Ruf (= estudios y materiales para musicología. Vol. 65). Publicado en nombre del Departamento de Musicología del Instituto de Música de la Universidad Martin Luther Halle-Wittenberg y Georg-Friedrich-Händel-Gesellschaft e. V., Asociación Internacional. Editor: Sebastian Biesold. Olms, Hildesheim y otros 2011, ISBN 978-3-487-14711-6 .
  • Wolfgang Ruf: Aria / aire / ayre / Arie . En: Diccionario conciso de terminología musical . Vol. 1, ed. por Hans Heinrich Eggebrecht y Albrecht Riethmüller , editor en jefe Markus Bandur, Steiner, Stuttgart 1972 (en línea ).

enlaces web

Wikcionario: Aria  - explicaciones de significados, orígenes de palabras, sinónimos, traducciones

Referencias y comentarios individuales

  1. ^ Rodolfo Celletti: Historia del Belcanto. Bärenreiter-Verlag, Kassel y otros 1989, págs. 58-60; sobre la tormenta marie: p. 58.
  2. ^ Rodolfo Celletti: Historia del Belcanto. Bärenreiter-Verlag, Kassel y otros 1989, págs. 58-60; en el aria del inodoro: pág.58.
  3. ^ Rodolfo Celletti: Historia del Belcanto. Bärenreiter-Verlag, Kassel y otros 1989, págs. 58-60; sobre el aria del pájaro: págs. 59–60.
  4. Entrada en el léxico musical de Klassik.com
  5. Numerosos ejemplos en: Giulio Caccini: Le nuove Musiche (Florencia 1601) y Le nuove musiche e nuova maniera di scriverle (Florencia 1614). Edición facsímil de SPES (studio per edizioni scelte), Archivum musicum 13, Florencia 1983.
  6. Por lo tanto, debe considerarse un grave error en la práctica de la interpretación escuchar a cantantes en estos días (no es infrecuente) que no cantan trinos de cadencia o que se reservan exclusivamente para el dacapo, ¡y a veces solo para la última cadencia (o nada en absoluto)!
  7. Esto aparentemente ha llevado a la idea engañosa entre algunos cantantes e instrumentistas, incluso en la música antigua (entre otros), de que los trinos son típicos de la música barroca francesa; al menos hay cantantes y conjuntos que son detallados y dedicados a la música francesa dedicados a dichos adornos, pero apenas permiten que se escuchen trinos en Handel, Scarlatti, etc. ¡Un error claro y absurdo!
  8. Hay declaraciones claras al respecto, entre otras. por Rossini. Rodolfo Celletti: Historia del Belcanto. Bärenreiter-Verlag, Kassel y otros 1989, pág.152.